Stampa 2009: La collana

Paolo Rabissi possiede le virtù della pazienza e della limpidezza onesta dello stile. La pazienza è anche nella sua storia personale: ha saputo aspettare con discrezione, ha pubblicato con parsimonia e, giunto a un’età rispettabile, ci propone un’opera in cui seleziona e raccoglie un lavoro di oltre vent’anni. Si coglie la limpidezza dello stile che si realizza nel controllo e nella ferma, sobria asciuttezza della scrittura e nel suo equilibrio, nell’economia garbata e senza avventure o sbavature del suo verso. Potremmo dire che quella di Rabissi, poeta triestino e milanese d’adozione, è la pronuncia disincantata e saggia, velata di malinconia ma sempre aperta alla vita, di un poeta che ama i toni bassi, l’esattezza della parola per dare voce e credito ai risvolti ricchi di senso delle cose quotidiane. Una poesia in cui annota, testimonia e commenta, senza la minima tentazione d’enfasi, piccole gioie dell’esistere e umani dolori nei quali possiamo riconoscerci. Ne "I contorni delle cose" il poeta descrive una vicenda immersa nel teatro cittadino, i cui protagonisti percorrono vie secondarie, luoghi discreti e opachi; una vicenda segnata dal variare degli umori e delle stagioni.

Massimo Gallo ha perlustrato vari territori, ha praticato forme diverse dell’esperienza e del linguaggio, prima di approdare all’esito poetico di questa sua Memoria liquida. Un esordio maturo, nel quale soprattutto emerge una sorprendente energia, una viva forza reattiva nei confronti del reale, del mondo circostante, dell’epoca alla quale l’autore vorrebbe chiedere ben altro, rispetto a quanto invece riceve. Ecco che allora la prima virtù di questo denso libro è proprio nella costante alta temperatura del suo sviluppo, del suo svolgersi sempre in tensione. Gallo, infatti, non si concede soste, non si placa. Non ha nessuna intenzione, non potrebbe farlo. Sa infatti che l’unica soluzione praticabile per un vivere autentico, moralmente onesto sta nell’attrito, nella precisa volontà (o meglio, necessità) di non cedere, di non assuefarsi, neppure minimamente, all’assurdo e alla violenza. Poiché anche di questo si tratta, come vediamo nell’esemplare testo dell’uomo in guerra, nelle parole asciutte di 140 centimetri da terra, dove l’impeccabile esattezza tecnica dei dettagli rende ancora più insensata e meccanica l’operazione in corso.

In questa raccolta, che ci dà il meglio del suo lavoro nel corso del tempo (un tempo purtroppo breve, interrotto dalla morte precoce, ma che ha comunque avuto la durata di vent’anni), si percepisce come anche nei versi giovanili Mauro Maconi avesse mano sicura. Era, insomma, sorretto da un gusto naturale, dalla capacità di comporre con eleganza e scioltezza di movimenti. La sua, infatti, è una parola che sa essere lieve e sa esercitare fascino con discrezione, ma con un’energia non comune. È una poesia dove interviene un forte sentimento e agisce una dimensione degli affetti che ne è come un filo sotterraneo, una guida che non sospende mai la propria presenza di emozione e che dunque riesce ad arrivare al lettore coinvolgendolo.

Questo libro di Silvio Ramat si pone come una sorta di diario in versi di un percorso che va dall'inizio del nuovo secolo ai giorni recenti e presenta il carattere di una generosità affabile e di un'invidiabile freschezza, con effetto ancora più sorprendente, poiché si tratta del lavoro di un poeta non proprio giovane e attivo da diversi decenni. Ramat stesso definisce questo "Corre voce" «un documento» scritto «su quella che più non si vende / cartavelina», ma in realtà il suo testo è inciso, pur senza enfasi, su una materia robusta. Il suo esprimere una problematica fiducia nell'esserci si concretizza in maniera affabile e garbata, limpida, ironica, in un gioco di elegante understatement che riesce a coinvolgere gli amori di una vita e i grandi poeti, le città, il condominio anche, un proprio giocoso autoritratto o i grandi romanzi. E ancora, il senso dell'infanzia, il pensiero della morte e delle proprie insolvenze in un bilancio provvisorio, che ci viene offerto con la noncuranza superiore di chi ha vissuto molte esperienze senza smarrire mai la curiosità e la vitale disposizione alla meraviglia.

La delicatezza di una musica decisamente lieve e raffinata, di una riflessione pacata, condotta con sottigliezza per immagini: sono questi i primi tratti che si impongono alla lettura di questo nuovo libro di Marco Marangoni, il quale organizza una serie molto coerente di testi brevi o brevissimi con efficaci passaggi in prosa. Marangoni porta il suo sguardo sulla natura circostante, la confronta con l'atto dello scrivere, assorbe nelle porosità minutissime del suo testo la modesta eppure luminosa condizione dell'esserci, nell'umiltà nobile - a volte serena a volte malinconica, a volte gioiosa a volte distratta - del nostro presente, dove sono «l'ora quotidiana, e la nostalgia di quanto / si corrompe...» Viaggia, insomma, nel proprio tempo, oscillando utilmente tra l'io e la realtà esterna, osservando sensibilmente i paesaggi, le cose del mondo, l'amore, senza escludere gli equivoci e le assurdità della società d'oggi.

È questa una nuova fase, coerente e persuasiva, della poesia di Testoni che ci arriva dopo "La prima ora". L'autore non si smentisce e semmai cresce, nel suo fitto e particolare intreccio di umani personaggi e altre figure, al tempo stesso nette e anonime. E sono semplici presenze che si muovono in vari paesaggi, o tra le case e nelle città, nello scorrere delle stagioni, accanto ad altri esseri viventi come gli stessi animali. Il tutto nella fedeltà a una concretezza fisica delle cose, che per Testoni è la fisionomia del suo ambiente necessario e naturale. Una concretezza, la sua e quella dei suoi scenari, che appare nella sintesi di immagini dai contorni netti, senza incertezze, dai ritmi interni scanditi in modo nervoso, immagini che spesso sembrano appartenere a rappresentazioni pittoriche. Nella sua pronuncia asciutta il poeta si aggira nei dettagli di una realtà opaca a cui si sente di appartenere, pur rimanendo poi quasi assorbito anche dalle tracce storiche di una realtà remota, che manifesta tacita il passare eppure il persistere delle epoche. La sua è una voce autentica e di forte sensibilità e sostanza.

Quinta vez e un'opera forte di una sua coerenza interna e di una interessante articolazione aperta anche sul piano della forma, delle scelte stilistiche, se non addirittura di genere. Maria Pia Quintavalla si ricollega in parte a precedenti narrazioni in versi, come quelle di China, personaggio che ricompare, realizzando quella che considera una «breve allegoria della seconda vita di China, qui madre fanciulla, risorta in terra di Castiglia». Quintavalla sa offrirci il quadro di figure femminili, dove nel rapporto di sangue, tra madre e figlia, tra sorella e sorella, si riproducono le complesse dinamiche che sembrano condurre a percorsi sia lineari che paralleli. Ma uno dei caratteri in maggior rilievo del libro è nella varietà delle soluzioni formali. Dalla narrazione in prosa poetica con accensioni liriche, Quintavalla passa alla cronaca in versi, per approdare anche al dialogo teatrale nella sezione "Le sorelle", componendo un insieme, di cangiante novità espressiva e di sorprendente efficacia.

Una felice sorpresa, una poesia che ci arriva con l'energia netta, insolita e a volte anche sinistra di un giovane autore alla sua prima opera ma già presente con una personalità ben definita, dai contorni marcati e dalla sostanza aspra e grumosa. Matthias Ferrino, classe '88, traccia i dettagli di una condizione esistenziale che è quella di una vita ridotta a uno stato residuale, a un vuoto peraltro carico di fisica concretezza, di oggetti a grappoli, in quella che chiama «indigenza» della materia, e di cui ci narra l'evidenza in un rapporto diretto col reale che produce decisivi attriti. Ferrino apre anche all'idea di un andare, di un movimento possibile verso un dove ignoto o irrilevante e illusorio. Un viaggio dove appaiono ombre, figure anonime, spettrali o già dissolte, che «cercano la vita di sempre, / non la trovano, ostinati cercano ancora / l'attimo di luce accecante, l'eterna / presenza dell'istante.» Figure che ci somigliano, essendo «Noi il vapore fragile dello spavento. / Noi lo stupore di ciò che ci manca.» Da queste citazioni risaltano un pensiero forte e una incisività verbale non comuni e una singolare forma di potente meditazione lirica.

C'è un vasto, apertissimo spaziare in figure e situazioni, in visioni e immagini in questo libro di Marina Corona. Il suo movimento introduce personaggi, proposti in rapidi accenni essenziali, frequenta luoghi di un'esistenza condotta tra gioia e dolore, tra emozione e memoria, con attenzione al dettaglio forse rivelatore, ma vagamente ambiguo. Corona si avvale del costante riferimento a Eschilo, citato in esergo ad ogni capitolo, ma il tratto della sua poesia può spesso ricordare l'insinuante delicatezza - ma anche la crudeltà tagliente - della fiaba, richiamata nel tono, eppure nelle pieghe della narrazione di vicende che fiaba non sono in effetti mai. In questo suo procedere, minuzioso, capillare, dolce e sinistro insieme, l'autrice si avvale di presenze d'impronta poetica evidente: la luna, la rosa, gli alberi, i bambini, la notte e la luce, la casa ecc. Ma sono presenze sottratte ad ogni possibile lirismo di maniera, e questo grazie al tocco a sorpresa che la logica interna del suo testo sa offrire.

Alberto Caramella è nato nel 1928 a Firenze, dove vive. Con i volumi "Mille scuse per esistere" (1995), "I viaggi del Nautilus" (1997) e "Lunares Murales" (1999), pubblicati dalla casa editrice Le Lettere, ha in parte realizzato un personale percorso di poesia al quale attribuisce un titolo complessivo: "Straripante Amore". Ora la sua opera si arricchisce di un libro monotematico e trasversale (costituito da testi editi ed inediti). L'unicità del tema - il mare - vuole proporsi come una possibile chiave di lettura della poesia di Caramella.

Rosita Copioli ci sorprende con questi suoi versi per la vitalità reattiva, per l’energia e la varietà con la quale mostra di sapersi ancora una volta rinnovare, restando fedele a se stessa, ai suoi modi, e dunque alla chiarezza classica, esemplare, della sua pronuncia, alla presenza irrinunciabile del mare, dal quale inizia la sua nuova avventura espressiva. Nel primo dei tre capitoli di questo libro l’autrice si propone nei termini di quella che potremmo tranquillamente definire “poesia civile”. Incontriamo, tra l’altro, la follia esplosiva dei kamikaze, «fotografati prima di morire / santini osceni», che vogliono «imporre / una santità impudica contro l’uomo». Soprattutto osserva, nella realtà che ci circonda, l’innumerevole, soffocante replicarsi della stupidità, quella forma di inerte «ripetizione compulsiva» che è infine «il principio della perversione». Il suo percorso, da quello che poteva apparire come una giusta indignazione alla volgarità o alla gravità del presente, si sposta più in profondo, alla riflessione sul senso dell’esistere autentico, nell’irripetibile unicità del nostro passaggio, nel quale risiedono al tempo stesso, l’alto valore e l’angoscia della perdita.

In questi nuovi testi di Mussapi vediamo la forza di un progetto felicemente realizzato: quello di portare sulla scena la parola poetica, senza diminuirne l'energia espressiva. Compito difficile, che ha affrontato con successo e in modo coerente con la sua idea di poesia. Qui lo vediamo portare in scena figure appartenenti a culture, letterature, mitologie diverse, in un fluire narrativo che investe il lettore come potrebbe coinvolgere un pubblico teatrale. Personaggi che appartengono al mondo greco e alla tragedia shakespeariana, come al tardo medioevo francese del grande François Villon, cantore maledetto. Componimenti di ampio respiro e liriche più concentrate, epoche e luoghi svariati, protagonisti a tutto tondo, storie archetipiche dell'umana avventura. Un capitolo nuovo e interessante nell'opera di uno dei nostri maggiori poeti, un libro che tende a uscire dalla pagina per farsi teatro, ma che sulla pagina trova la sua validissima collocazione naturale.