Contrasto

La prima fotografia di moda fu probabilmente scattata da Edward Steichen, fotografo americano di origine europea, nel 1911. Quell'immagine aveva già tutta la magia, il mistero, il sogno, il fascino che ancora oggi riconosciamo come elementi fondamentali delle grandi fotografie di moda. Da allora, molti maestri della fotografia internazionale - da Cecil Beaton a Irving Penn, da Helmut Newton a Mario Testino - sono riusciti con il loro talento, la loro tecnica e la loro creatività, a trasformare la fotografia di moda in un linguaggio artistico di formidabile coerenza e forza visiva. Le fotografie di moda sono glamour, eleganti, bellissime, magiche. E molte tra queste sono nate nelle pagine delle riviste e dal lavoro di direttori e art director come Diana Vreeland o Alexander Liberman, che dalle pagine delle pubblicazioni Condé Nast hanno indirizzato, guidato e valorizzato la carriera dei grandi autori. Proprio la collaborazione creativa tra redazione e fotografo riesce a rendere la fotografia di moda innovativa, spesso provocatoria, ma sempre capace di catturare e anzi anticipare, lo stile del momento. Questo libro, e la mostra che l'accompagna, presenta i primi lavori di autori celebri come Horst P. Horst, Erwin Blumenfeld, David Bailey, Guy Bourdin, Corinne Day, Deborah Turbeville e Solve Sundsbo, apparse nelle pagine di Vogue, Glamour e altre riviste Condé Nast.

"Nella terra ferita" è il terzo e ultimo libro della trilogia di Nick Brandt che documenta l'estinzione della flora e della fauna in Africa Orientale. Il libro, strettamente legato ai due precedenti volumi, svela il titolo completo della trilogia: "On This Earth", "A Shadow Falls Across The Ravaged Land" "In questo mondo", "Scende un'ombra sulla terra ferita". Il libro offre una visione oscura del mondo che Brandt ha fotografato negli ultimi dieci anni; un mondo ancora ricco di incredibili bellezze, ma ora tragicamente contaminato e distrutto dalla mano dell'uomo. Brandt inoltre introduce nuovi temi, attraverso una serie di intensi e potenti ritratti di animali che sembrano essersi messi in posa come se fossero in uno studio fotografico.

"Lo straniero" è una rivista mensile nata a Roma nel 1997 fondata da Goffredo Fofi con un nutrito gruppo di collaboratori: da Gustaw Herling e Anna Maria Ortese a Carmelo Bene, da Stefano Benni a Ciprì e Maresco e molti altri. Si occupa di "arte cultura scienza e società", privilegia settori decisivi di esse proponendo una ridiscussione a più voci, tra teorie e pratiche, dei modi in cui avviene oggi la trasmissione di conoscenze e valori; una riflessione sui nuovi assetti politici e geografici, mutazioni economiche e antropologiche; un'analisi delle questioni che coinvolgono le "zone calde" del nostro paese; una valutazione delle Arti e della loro "necessità", con particolare attenzione al teatro, al cinema, al fumetto, alla letteratura.

L'intervista a Wim Wenders posta in appendice a "Una volta", edito in Italia nell'ottobre del 1993 da Socrates e ora riproposto da Contrasto, venne realizzata in due fasi. La parte più consistente fu raccolta a Monaco di Baviera nell'agosto del 1991, mentre la conclusiva risale all'aprile del '93 e fu registrata a Berlino. Quest'ultima porzione, scritta poco prima che il libro andasse in stampa, è dedicata soprattutto a "Fino alla fine del mondo", un film tra i più controversi di Wenders: si trattò della sua impresa forse più lunga, ambiziosa e travagliata. Giunse sugli schermi nel '91 in una versione assai ridotta, per condizionamenti produttivi, rispetto alla concezione di partenza, e solo in un secondo tempo, dopo il rimontaggio dei materiali esclusi, riguadagnò la mole voluta originariamente dal regista. Ne risultò una mega-pellicola che per la sua durata (cinque ore) non ebbe mai una distribuzione "normale", ma che resta uno snodo centrale, dal punto di vista del linguaggio, nella filmografia del cineasta. L'uscita di "Una volta" avvenne con molto ritardo rispetto all'iniziale (ottimistica) pianificazione del libro da parte dell'editore. Perciò nel '93, trascorsi due anni dalla prima puntata dell'intervista, ritenemmo utile un aggiornamento tramite l'aggiunta di una riflessione con Wim su quella che costituiva l'opera di Wenders più bersagliata dall'attenzione mediatica internazionale in quel momento.

Arturo Zavattini, figlio dello scrittore Cesare, è stato un osservatore partecipe e sensibile dell'Italia del dopoguerra e un testimone privilegiato di un periodo particolarmente intenso della nostra storia recente. Dai primi anni Cinquanta ha lavorato nel cinema, come operatore e direttore della fotografia, coltivando la still photography per lo più in forma di riflessione privata, come strumento di conoscenza e di relazione umana. Il suo corpus fotografico, quasi del tutto inedito, viene qui presentato per la prima volta in modo organico, attraverso un lavoro di scavo nella memoria, di impegno filologico, di confronti e rinvii. Le sezioni del volume si accompagnano a letture critiche diverse ma partecipi, che ricostruiscono le complesse ragioni dello sguardo da cui scaturiscono le fotografie. Pagina dopo pagina, le immagini ci spingono a rileggere alcuni aspetti della vicenda culturale e sociale del decennio 1950-1960, a scoprire un autore importante della fotografia italiana, a riflettere sulle implicazioni del suo realismo e della pratica etnografica, a ripensare i limiti teorici e storiografici dentro cui è stata sovente serrata la fotografia italiana. Questo libro è, prima di tutto, un invito a conoscere Arturo Zavattini e la poetica nudità del suo mondo in immagine.

Il lavoro di 36 grandi autori che, insieme, costruiscono un lungo itinerario, visivo, stilistico e tematico: quello del racconto del nostro Paese. La fotografia umanista, la poesia del bianco e nero e della visione classica, la voglia e il bisogno di documentare un territorio complesso, fragile e affascinante come l'Italia. E poi ancora, la sperimentazione dei nuovi linguaggi, lo sguardo inquieto di chi vuole narrare i disagi esistenziali, quello positivo di chi è, ancora e sempre, attratto dall'alchimia estetica del nostro Paese dove, come in uno specchio, i grandi fotografi cercano di ritrovare la propria immagine.

Nel 1963 Pier Paolo Pasolini realizza un'inchiesta sugli italiani e la sessualità. Il risultato sarà il film "Comizi d'amore": una corale rappresentazione dell'Italia con contributi di intellettuali e le risposte che personalmente Pasolini raccoglie in strada, nei cortili, nelle spiagge, interrogando gente di diversa età e condizione sociale. Questo libro presenta la trascrizione del film con documenti e materiale preparatorio, un testo di Vincenzo Cerami e le fotografie di scena realizzate da Mario Dondero e Angelo Novi che seguirono Pasolini nella sua inchiesta in giro per l'Italia. "Esaminando l'Italia dal basso e dal profondo - cioè nei più bassi strati sociali e nelle profondità dell'inconscio - ne è venuto fuori un'immagine irrimediabile, fatale, e certo, parziale; il mistero più misterioso, la realtà più reale di quanto si fosse potuto calcolare. Perciò l'inchiesta rimane aperta".

Stile e icone sono due parole indissolubilmente legate. Testimoniare l'incontro fra le celebrities e la moda è un modo per scoprire come questi due mondi, insieme, abbiano plasmato il costume, il modo quotidiano di interpretare l'abbigliamento e i comportamenti, a partire dagli anni '50. Ogni capo che compone il guardaroba attuale ha avuto la sua musa. "Fashion:Box" propone un excursus sui classici della moda e le icone che li hanno resi celebri. Nel gioco di questi due elementi, la sintesi è l'immagine: fotografie e istanti cinematografici indimenticabili ormai parte del nostro immaginario.

"La musica ha sempre preteso un'immagine, come indispensabile complemento della sua fuggevole, immateriale natura fisica. E già molto prima dell'avvento dei videoclip i fotografi hanno catturato le scie di fiammeggianti chitarre lanciate a sfidare il cielo, le espressioni intense di facce che portavano note incise sul volto, le notti chiaroscurate del jazz, acconciature, attimi fuggenti, dinamiche mobilità sonore, backstage eccitati o malinconici, metamorfosi, pubblici in estasi, complicità collettive, perfino il beat delle cadenze storiche. A mettere insieme in un'ideale, infinita libreria, tutte le immagini significative che riguardano la musica, verrebbe fuori la più imperiosa e completa sinfonia del Novecento." Gino Castaldo. Le immagini descrivono i luoghi, le situazioni, i protagonisti e gli oggetti. Ecco allora il palco e il backstage, la notte e la vita quotidiana, il corpo, la chitarra, il cappello, gli occhi e tutto ciò che ruota intorno alla musica dai fan ai locali storici, dalle ville alle sale d'incisione.

Finalmente disponibile "Altre Americhe", il leggendario primo libro di Sebastião Salgado. Pubblicato per la prima volta nel 1986 dall'editore Contrejour con il titolo "Autres Ameriques", il volume raccoglie una serie di fotografie frutto dei numerosi viaggi compiuti da Salgado in America Latina, tra il 1977 e il 1984: un corpus di immagini racconta con grande forza evocativa la persistenza delle culture contadine e indiane in quelle terre. L'intensità delle fotografie in bianco e nero, la loro potenza plastica, l'impaginazione pensata da Lelia Wanick Salgado con la maggior parte delle immagini in doppia pagina, decretarono il successo del progetto. Il libro ha ricevuto il premio Premier Livre Photo, ed è stato un grande avvenimento editoriale. Il libro, un riferimento per la fotografia di documentazione, viene pubblicato ora in italiano con i testi originali e con una prefazione di Claude Nori che ne racconta la genesi.

Un libro che traccia la storia del fotogiornalismo degli ultimi sessanta anni attraverso le immagini vincitrici dei cinque più prestigiosi premi fotografici internazionali. Pagina dopo pagina, a partire dal 2015 fino ad arrivare al 1955, il volume è un viaggio non solo attraverso gli eventi più importanti della nostra storia ma anche nell'evoluzione dello sguardo e del linguaggio fotografico.

"In amicizia, come in amore e in tutto ciò che aiuta a vivere, la prima volta è indimenticabile. O, almeno, dovrebbe esserlo. Ho incontrato per la prima volta Henri Cartier-Bresson nel 1994. Quel giorno lo scrittore, non il giornalista, ha bussato alla porta dello studio nei pressi di Place des Victoires a Parigi dove Cartier-Bresson si isolava abitualmente per disegnare. Aveva finalmente accettato l'idea di un'intervista, benché a una condizione: che tale non fosse. Mi avevano già messo al corrente del suo amore per il paradosso, e mi ero rassegnato all'idea di una conversazione. Se mi avesse proposto di prendere un tè, sarei accorso comunque tanto profonda era la mia ammirazione, antico il fascino che esercitava su di me e illimitata la mia curiosità..."