De Luca Editori d'Arte

In questo volume l'attenzione si incentra su un motivo ricorrente nei dipinti giovanili del Merisi, quello della caraffa di vetro con fiori e trae spunto da un saggio di quarantacinque anni fa di Kurt Bauch, docente di storia dell'arte a Friburgo e socio dell'Accademia di Scienze di Heidelberg, dal titolo Zur Ikonographie von Caravaggios Frühwerken, pubblicato in un volume di scritti di storia dell'arte dedicato a Hans Kauffmann edito a Berlino nel 1956. Nell'indagare le opere giovanili del pittore, lo studioso tedesco si concentrava sullo studio della natura morta presente nelle sue opere relazionandola ad alcuni aspetti della cultura europea dell'epoca. È stato dunque gioco forza partire da uno dei capolavori presi in esame da Bauch, il Suonatore di liuto del Museo Statale dell'Ermitage di San Pietroburgo per cercare di comprendere l'esegesi dell'opera e da qui allargare la ricerca sul motivo delle caraffe di fiori presenti nei dipinti del maestro lombardo anche in rapporto agli esiti figurativi derivati dalle sue invenzioni che suscitarono grande eco nel corso del Seicento.

Karel van Vogelaer da Maastricht (1653-1695) fu artista di fama internazionale. Poco prima del 1674, dopo aver compiuto importanti viaggi di studio nelle Fiandre ed in Francia, il pittore giunse in Italia, dove formulò un'originale interpretazione del genere floreale, offrendo una felice sintesi tra il lenticolare naturalismo nordico e la nuova moda barocca romana, portata ai massimi livelli artistici e professionali da Mario Nuzzi, detto de' Fiori. Il pittore olandese seppe guadagnarsi nella capitale papale l'attenzione e l'ammirazione di collezionisti, committenti e mercanti, divenendo anch'egli, in breve tempo, Carlo de floribus. La sua bottega, situata nei pressi di piazza di Spagna e frequentata da giovani allievi e diligenti copisti, divenne il luogo d'incontro abituale per numerosi colleghi "oltremontani", tra i quali Jan Frans van Bloemen, Christian Reder e Anthoni Schoonjans. Con alcuni di questi artisti Vogelaer instaurò fruttuosi sodalizi professionali, collaborando altrettanto frequentemente anche con affermati pittori di figura, come Carlo Maratti, Giovan Battista Gaulli e Luigi Garzi. Gli anemoli, i tolipani, le viole doppie, le rose damaschine, i fiori di persico e di sambuco, i papaveri, i gigli, i narcisi bianchi doppi, i garofoli d'India, le siringhe, i fiori di velluto e quelli di passione del Perù, sono solo alcune delle essenze floreali ritratte nei circa ottanta dipinti descritti con sorprendente precisione botanica nell'inventario post mortem di Carlo.

Risultato di un pluriennale lavoro di ricerca, l'Atlante si propone come il primo contributo organico sull'architettura dell'età barocca in Umbria. Dalle pagine del volume emerge il quadro di una cultura artistica finora poco nota, che si caratterizza per una capillare diffusione in ambito regionale ma anche per una sorprendente ricchezza di modalità espressive. Chiese, palazzi, ville, cicli decorativi, arredi sacri e civili delineano il fecondo sviluppo di un linguaggio che, nato in aree culturali diverse, si radica in Umbria con indubbia vitalità: se infatti è possibile ripercorrere il filo delle influenze e degli apporti esterni - provenienti in primo luogo da Roma, ma con significativi innesti dall'area lombardo-ticinese e marchigiana - l'analisi condotta evidenzia la capacità di armonizzare i diversi influssi in una sintesi in grado di esprimere interessanti accenti specifici. Per la quantità delle opere distribuite sul territorio e per gli indubbi esiti qualitativi, l'Umbria barocca può dunque rappresentare una scoperta per tutti coloro che, fino ad oggi, sono rimasti ancorati alla tradizionale visione di una Regione legata al celebrato, vincolante passato medievale. Pur senza avere la presunzione di esaurire l'argomento, le diverse sezioni in cui è articolato l'Atlante si propongono di contribuire a colmare un oggettivo vuoto critico; ma, soprattutto, guidano alla scoperta di un patrimonio architettonico al quale deve essere riconosciuta la dignità di una compiuta realtà artistica.

Una "visita" per immagini e documenti (viene ricostruita, per la prima volta, in un lungo capitolo, la vita e la fortuna critica dell'artista veneto) all'opera, lunga quasi sei decenni, di un protagonista della cultura che dagli anni Venti-Trenta, ricollegandosi non solo al Settecento veneziano di Tiepolo e Piazzetta ma anche all'esperienza di Morandi e De Pisis, analizza le più sottili emergenze del dopoguerra e si inserisce, di diritto, in quella complessa e ricca pittura europea che ha avuto in De Stael e Bacon le sue punte di diamante. Duemilatrecento sono le immagini delle opere rintracciate e schedate rispettando la singolare elaborazione di continuità e di lunga durata messe in campo da Gianquinto nello spazio dello studio di Venezia prima, di Jesolo poi. Uno spazio che è l'idea stessa del dipingere e rende possibile questa moltiplicazione incessante di quadri che si inseguono come le quinte di una grande scena nel teatro della vita amplificando la consuetudine, tutta italiana, di pensare il proprio passato. Figure, alberi, rami fioriti, nature morte, paesaggi veneti ma anche di un meridione assolato e fermo nel tempo, spesso commentati sul verso delle tele, scandiscono architetture di spazi secondo ritmi di vuoti e pieni, scrivono col pennello premuto sul fondo date e parole che fermano la memoria su momenti dell'esistenza e della storia, tessono scale di toni ora densi ora lievi non non dissimili dall'adorata musica.

Il Museo di Roma in Trastevere ospita la mostra "Ombre. Giorgio Cutini, Giuliano Giuliani", a cura di Fabrizio D'amico, doppio omaggio alla città attraverso le opere di due artisti marchigiani: il fotografo Giorgio Cutini e lo scultore Giuliano Giuliani. In mostra sarà possibile ammirare 6 grandi sculture (cm 130 x 70 x 50 circa) e 10 sculture di dimensioni più contenute (cm 50 x 70 x 30) di Giuliani, scultore marchigiano, che ormai ha un percorso più che trentennale nella scultura, che - fin dalla sua prima personale ad Ascoli nel 1975 - ha sempre inteso non come dichiarazione di peso e volume in uno spazio dato, ma come frammento, memoria di una integrità perduta, testimonianza di una vita intesa come transito. Queste caratteristiche derivano direttamente dal materiale utilizzato: quel travertino a cui Giuliani è sempre rimasto fedele. L'uso della più sacra tra le pietre, un materiale arcaico da cui per sottrazione ricava la forma, contribuisce al tentativo di decifrare una incompiutezza, scovando l'anima più segreta della materia.

Il Museo di Roma in Trastevere ospita la mostra "Ombre. Giorgio Cutini, Giuliano Giuliani", a cura di Fabrizio D'amico, doppio omaggio alla città attraverso le opere di due artisti marchigiani: il fotografo Giorgio Cutini e lo scultore Giuliano Giuliani. In catalogo 45 fotografie in bianco e nero di Giorgi Cutini, tutte dedicate a Roma, che raccontano le impressioni che le luci, uniche e particolari della città, suscitano nel visitatore meravigliato e stordito. La città è abitata da ombre e visioni, qui la realtà diventa sogno in un concatenarsi di immagini che invitano verso l'ignoto e il mistero. è il ricordo di una città in cui si possono ritrovare frammenti di immagini che permettono di recuperare la sua storia, il suo misticismo, il suo fascino, il suo profumo.

Esiste una Roma del micromosaico o mosaico "minuto", di quella miniatura perfetta, nata nell'ultimo quarto del Settecento, che ha ridotto in scala non solo l'immagine ma anche e soprattutto la tecnica? Pare proprio di sì e questo volume lo dimostra attraverso immagini e documenti, memorie, annuari, almanacchi e manuali del periodo 1806-1855 (Maria Grazia Branchetti), spulciando nei libri di viaggio e nelle guide di autori inglesi della prima metà dell'Ottocento, con particolare riguardo a un episodio della vita di Michelangelo Barberi (Giuliana Franzini Musiani), analizzando quell'Italia in miniatura costruita, tra Sette e Ottocento, per l'industria del souvenir (Chiara Stefani), dandoci notizie precise sulle invenzioni e le tecniche (Roberto Grieco) o sulla tavolozza di Giacomo Raffaelli (Alessia Birri), fornendoci nominativi e indirizzari dei mosaicisti (Maria Grazia Branchetti) e lo stesso glossario (Roberto Grieco). La storia del procedimento o di quella microtecnologia concepita dai contemporanei come apice virtuosistico della tecnica musiva, ne esce a tutto tondo.

Filo conduttore del racconto è il Grand Tour, il lungo viaggio di studio e di svago che i giovani aristocratici europei intraprendevano in Italia a partire dal XVII secolo. Le singole esposizioni ospitate nei comuni di Albano Laziale, Frascati, Genazzano, Lanuvio, Monte Porzio Catone, Nemi, Palestrina, San Cesareo, Valmontone e Zagarolo, ripropongono ai visitatori contemporanei le suggestioni colte dai visitatori del passato nel corso del viaggio attraverso le principali mete del territorio. I Castelli Romani e Prenestini rappresentano, infatti, una delle tappe più interessanti e dense di storia: la loro vicinanza con Roma, la storia dei popoli che li hanno abitati, le architetture rinascimentali e barocche, rendono questi luoghi ambite mete di studio, di villeggiatura o di curiosità per i viaggiatori di tutti i tempi. Tra dipinti, incisioni e stampe, libri e taccuini, testimonianze dell'antico, carrozze e oggetti a corredo del viaggio, provenienti da collezioni private e da musei romani e nazionali, la mostra "Oltre Roma. Nei Colli albani e prenestini al tempo del Grand Tour" propone un percorso che si propone di restituire oltre all'originaria ricchezza dei siti e degli itinerari di viaggio, anche alcuni scorci sugli aspetti meno noti del Grand Tour.

Il volume riunisce una scelta di saggi, scritti in vari momenti per riviste, libri, mostre, tuttora attuali nell'impostazione scientifica e nell'orientamento critico, testimoni di una passione per argomenti "extravaganti", affrontati con intensità e gusto dell'approfondimento. Quasi una sfida nel dedicare tempo e ricerche certosine a temi da noi poco praticati. Emergono le personalità di Dante Gabriel Rossetti, "grande italiano tormentato nell'inferno di Londra" secondo una definizione di John Ruskin, e di Edward Burne-Jones, artefice di un recupero intensamente evocativo di moduli del passato. Accanto a loro le singolari presenze del belga Fernand Khnopff, dell'americano J. McNeill Whistler, di Albert Moore, artisti legati all'Aesthetic Movement, e sullo sfondo i Nazareni e il loro influsso nella genesi del movimento preraffaellita.

Il volume relativo alla città di Roma fa seguito a quello sul Lazio; entrambi sono frutto della ricerca specifica coordinata dalle Università di Roma Tor Vergata e di Roma Tre all'interno della più generale ricerca sui santuari cristiani d'Italia. Pur nella rispettiva autonomia, è opportuno considerare i due volumi nella loro complementarità e nelle loro interferenze, di cui i saggi introduttivi danno ampiamente conto. Il presente volume, in sintonia con una definizione ampia di santuario, fondata essenzialmente su tre elementi, oggetto di culto considerato miracoloso (reliquia o immagine), devozione che si manifesta in forme spontanee, pellegrinaggio in occasione di una festività peculiare rispetto al normale calendario liturgico, comprende 460 voci, relative a luoghi, in cui si potessero ravvisare, nel passato o nel presente, questi elementi: dai santuari tardoantichi, nati dalla venerazione alle tombe degli apostoli e dei martiri, seguendone le vicende fino alle trasformazioni dal medioevo all'età contemporanea, a quelli legati a devozioni promosse dai nuovi ordini religiosi che si sono nei secoli insediati nella città dei pontefici, e ancora i santuari mariani, e infine quelli nati dopo che Roma è diventata capitale d'Italia, per esigenze di promozione religiose o di vera e propria ricristianizzazione. Ogni santuario è così presentato nella sua identità storica (l'oggetto di culto e la nascita del monumento), artistica (le espressioni architettoniche, pittoriche, o scultoree).

Il volume, curato da Lauro Magnani e Laura Stagno, raccoglie gli atti del convegno organizzato presso l'Università degli Studi di Genova nell'ottobre 2009: iniziativa mirata ad andare oltre il contesto ligure indagato, creando un momento di confronto con studiosi di diversa provenienza attivi su tematiche di soggetto francescano. Così William R. Cook (State University of New York), riconosciuto esperto di arte francescana medievale, discute le origini di "quasi otto secoli" di produzione artistica legata all'ordine, mentre altri studiosi - tra i quali Bert Treffers, Giorgio Leone, Andrea Spiriti, Mario Alberto Pavone, Mimma Pasculli Ferrara, Francesca Sinagra presentano in questa sede i risultati delle proprie ricerche sul tema, con analisi di complessi decorativi e letture iconografiche condotte in una varietà di contesti geografici. Una serie ampia ed articolata di contributi incentrati sull'ambito ligure - proposti da autori legati all'ateneo genovese, alle Soprintendenze e ai musei della regione - ricostruisce poi insediamenti, architetture, committenze artistiche delle comunità francescane, e approfondisce caratteri e significati delle scelte iconografiche delle diverse famiglie dell'ordine in un territorio che, generalmente trascurato dalle precedenti indagini sull'argomento, si rivela invece, sotto questo profilo, particolarmente ricco.

Questo primo tomo del volume sulla Puglia è incentrato su cinquantasei santuari dedicati a santi e beati, con esclusione di tutti i santuari mariani che saranno illustrati in un secondo tomo a cura di Maria Stella Calò Mariani. Gli schedatori hanno effettuato ricognizioni sul territorio per acquisire dati non sempre disponibili in pubblicazioni scientifiche e per verificare de visu lo stato dei santuari. La loro indagine ha riguardato l'oggetto o gli oggetti di culto; la pratica cultuale e le differenti manifestazioni rituali; i racconti di fondazione santuariale, talvolta basati su testi scritti, talaltra solo di tradizione orale; i mutamenti di intitolazione; gli eventi ritenuti miracolosi dal popolo dei credenti; la storia delle strutture architettoniche con le loro trasformazioni nel corso dei secoli; la presenza e lo stato di conservazione di ex voto, reperti e opere d'arte, di cui i santuari, soprattutto quello terapeutici, sono ricchi. L'attenzione si è soffermata anche sui rapporti tra i santuari, le istituzioni civili, quelle ecclesiastiche e gli Ordini religiosi, che nella maggior parte dei casi li custodiscono. Ne è emersa una realtà viva che, a parte pochissimi casi di santuari rurali, evidenzia una intensa devozione popolare, la quale si esprime nella partecipazione corale alle tante manifestazioni cui i santuari danno vita. Il volume è arricchito, oltre che da una bibliografia specifica, da un imponente apparato fotografico.