Johan & Levi

Gli artisti contemporanei amano confrontarsi con i materiali e i mezzi che la società crea e fa diventare strumenti quotidiani, come i videogiochi. Come si può fare arte con dei videogiochi? Miltos Manetas fa dell'hardware e dei giocatori soggetti per le sue tele; Todd Deutsch fotografa i giocatori durante estenuanti tornei; Tobias Bernstrup crea performance musicali e inventa mondi fantastici; Eddo Stern costruisce fortezze e navi animate con i video; Jon Haddock riproduce graficamente eventi di cronaca; Alison Mealey e Delire riprogrammano il gioco trasformandolo in uno "strumento di pittura automatico". Il volume raccoglie le opere di 32 artisti internazionali, con oltre 320 immagini a colori, proponendo un'analisi dell'universo videoludico e delle sue svariate forme espressive, ma anche una voce per liberare il videogioco dalla nomea di "strumento diabolico" di ottenebramento cerebrale e dargli dignità di espressione culturale. Rivolto a un pubblico internazionale, offre al pubblico italiano la traduzione integrale dei testi critici.

Il volume affianca in un raffronto poetico le fotografie di John Loengards, fotografo della rivista Life, che fissano le immagini di un giorno della vita di Georgia O'Keeffe nella sua isolata casa nel deserto, e una selezione di opere della grande pittrice americana.

Il volume descrive le principali proprietà farmacodinamiche dell'olio essenziale di timo e del timolo, uno dei suoi componenti principali, utilizzandoli come esempio per illustrare un approccio farmacologico moderno basato su dati codificati e confermati dalla letteratura scientifica. Il testo è introdotto da un'ampia descrizione, a carattere divulgativo, dei principi e delle tecniche fitoterapiche, dalle modalità di raccolta delle piante fino ai processi produttivi. Il focus farmacologico descrive con validi supporti visivi e tecnici le proprietà del timo e del timolo. In appendice alla pubblicazione una raccolta di dati sugli oli essenziali e sulla classificazione e composizione delle varie tipologie di timo esistente.

Il volume raccoglie le opere di 10 studenti selezionati dai docenti di 10 Accedemie d'Arte pubbliche d'Italia per partecipare al Premio Pinacoteca Giovanni e Marella Agnelli. Il premio vuole essere per i giovani artisti un trait d'union tra il mondo scolastico e il mondo lavorativo. Ogni anno la Pinacoteca identifica un luogo di utilità pubblica per il quale i giovani selezionati sono chiamati a ideare un progetto ad hoc e il vincitore può vedere la propria opera realizzata grazie al supporto economico della Pinacoteca.

Il libro riprende il progetto editoriale originario ideato da Keith Haring nel 1984 per il catalogo, mai realizzato, della sua grande mostra personale a Milano presso la galleria Salvatore Ala. Il catalogo, a cura di Alessandra Galasso, comprende brani tratti dai "Diari" di Keith Haring in cui si raccontano i preparativi della mostra ed il rapporto dell'artista con Milano, un'intervista al gallerista Salvatore Ala, un testo della curatrice che analizza la mostra del 1984 e ne ricontestualizza il significato. Conclude una rassegna stampa grazie alla quale è possibile rivivere, attraverso le parole di giornalisti e critici, il clima che ha caratterizzato l'evento. I testi sono accompagnati da decine di fotografie a colori e in bianco e nero tra cui spiccano le riproduzioni di tutte le opere presenti in mostra, che furono ideate e create per l'occasione, come ad esempio le celebri sculture del David di Michelangelo rivisitato, numerose foto storiche che documentano Keith Haring mentre realizza le opere all'interno della galleria a Milano, immagini della vernice che ritraggono, oltre a Haring, numerosi ospiti tra cui Roy Lichtenstein.

Questo volume raccoglie una selezione di scritti nati quasi per gioco e moltiplicatisi sul "Foglio" nel corso degli ultimi anni, in genere di sabato, quando si presume che i lettori dei quotidiani abbiano più tempo per "sfogliare", se non per leggere. In essi l'autore si confronta con alcuni dei titoli più noti della letteratura, ricavandone fertili spunti di riflessione e proponendo nuove e inattese letture nel presente, in particolare degli eventi fra il 2001 e il 2005. L'idea di fondo di queste "sfogliature" nasce dalla convinzione che sono classici, secondo la definizione che ne dà Italo Calvino, quei libri che non smettono mai di dire quello che hanno da dire, che svelano qualcosa di nuovo a ciascun lettore in ogni diversa epoca. E così questo volume si propone come una rilettura dei classici della letteratura mondiale alla luce dell'attualità. Cervantes, Tolstoj, Rabelais, Omero, Tucidide, Tacito, Goya, Goethe, Marlowe, Spies, Melville, Hawthorne, Musil, Thomas Mann, Arthur Miller, Dostoevskij, Gogol, Voltaire e Conrad dicono la loro sugli argomenti su cui ci si confronta nei dibattiti culturali e politici, spesso con argomenti di sorprendente freschezza, anche a secoli o millenni di distanza.

Giuliano Amato, Tito Boeri, Enrico Letta, Angelo Panebianco, Gianfranco Pasquino, Giovanni Sartori, Bruno Tabacci, Giuseppe Tesauro, Giulio Tremonti e Giacomo Vaciago rispondono alle domande di Alessandro Barbera. "Queste dieci interviste tracciano il quadro dell'Italia che verrà fra pochi mesi. Ne esce una preoccupante ricetta per il prossimo futuro: la politica italiana è al minimo storico di capacità di governo e controllo. L'economia è ferma e mostra tutti i suoi difetti strutturali. Il paese è bloccato dalle rendite e non capisce che se non investe sui giovani non cresce. L'Italia non sa scommettere: sul coraggio delle idee, sui talenti, sul cambiamento. Sulla politica gravata di questi problemi, priva di identità forti, pesa infine un sistema elettorale fatto perché non si governi. E nello sguardo d'angolo di quasi tutti gli intervistati compare, come un timore o un augurio o una fatalità, l'ombra della Grande Coalizione." (Dalla prefazione di Lucia Annunziata)

Dominique Laugé è un fotografo di riconosciuta fama, affermatosi nel mondo pubblicitario. "L'occhio incantato" presenta la sua più recente ricerca nel mondo della natura, alla scoperta delle mille luci e ombre che fanno vivere di emozioni la superficie del mare, ghiacciai e ceneri vulcaniche, campi aridi, boschi autunnali, campi in fiore, portando alla mente il lavoro di un grande fotografo quale Ansel Adams. Ma la ricerca di Laugé non si limita alla tecnica fotografica e ai soggetti, prosegue oltre, al supporto sul quale stampare le proprie opere. Per questa serie di immagini Laugé ha selezionato una carta fatta a mano studiata appositamente per esaltare i contrasti delle fotografie; Il libro, pur nei limiti di una produzione non artigianale, cerca di ritrasmettere le stesse sensazioni delle opere.

Il progetto "Do Not Cross" consiste in una serie di performance che formano un'immagine che è prova di una deforestazione causata da piogge acide, siccità, inquinamento ambientale. Il crimine è già stato commesso, ma l'effetto di tale causa non è ancora del tutto visibile. Un nastro giallo, confine simbolico tra i valori del bello in Natura e l'invisibilità del rischio di estinzione della medesima, evidenzia una realtà in cui è necessario investire, anche in termini tecnologici, per trovare soluzioni (eco)sostenibili in grado di offrire un contributo all'umanità intera. Il progetto, nato nel 2002, consiste nella localizzazione di aree naturali europee per definire il valore dell'ambiente in cui permangono e quindi, successivamente, agire in termini di performance al fine di documentarne memoria, scientificità e storia. "Do Not Cross" intende essere un invito a considerare il patrimonio naturale non solo come una possibilità di arricchimento del singolo essere umano, ma anche come riscatto collettivo di un continente e del suo habitat.

"Roma fu probabilmente la prima vera grande città cosmopolita. La sua figurazione urbana rispecchia il ruolo della città come crocevia di flussi globali di capitale, culture e popoli. Il suo DNA reca l'impronta di stratificazioni di storia millenaria. In esso la vita sociale ed economica della città, con la sua architettura urbana, si intreccia con lo spessore, la complessità e la bellezza" (Richard Burdett).

In un'epoca in cui le ideologie e le scuole di pensiero hanno perso la capacità di proporre modelli culturali forti, in cui le identità nazionali tendono via via a fondersi all'interno di una dimensione globale e le peculiarità dei singoli linguaggi visivi si sono da tempo dissolte a favore della contaminazione, è lecito chiedersi se sia ancora possibile leggere la contemporaneità in termini di un solo medium - nella fattispecie la scultura circoscritto a una specifica realtà nazionale. Sullo sfondo di tali interrogativi Alessandra Galasso sonda le radici della scultura contemporanea nelle sue molteplici declinazioni e accezioni, ne rintraccia le origini e passa in rassegna la produzione più recente degli artisti italiani che utilizzano questa modalità espressiva. La sua analisi muove da una prospettiva storica che abbraccia l'intera tradizione scultorea del Novecento, con i radicali mutamenti che l'hanno contrassegnata, e individua, infine, nel panorama delle pratiche artistiche italiane dell'ultimo decennio l'emergere di strategie visive originali e nuove chiavi di lettura del reale. Terreno comune ai trenta nomi proposti in Laboratorio Italia-giovani scultori italiani è la consapevolezza di muoversi tra rivendicazioni di antiche identità e recenti adesioni a contesti multiculturali, tra il recupero di canoni estetici tradizionali e la volontà di riformularli con sguardo e materiali inediti, coniugando, ciascuno a suo modo, ricerca e tradizione.

Come guardiamo l’arte oggi? In modo molto diverso rispetto a pochi decenni fa. L’inevitabile presenza dello smartphone alterna momenti di totale immersione nelle opere ad altri in cui si scattano foto e video, si scannerizzano QR code o si controllano i social. La condizione dello spettatore del XXI secolo è ibrida, in continua oscillazione tra presenza fisica nello spazio espositivo e connessione a distanza con un altrove tecnologico. Per raccontarla, Claire Bishop descrive e analizza quattro diverse pratiche di arte contemporanea, le cui strutture e strategie espressive rispondono a nuove modalità di percezione, comunicazione e attenzione proprie della cultura digitale: la research-based art, che interiorizza la logica di Internet nella quantità di informazioni a disposizione in allestimenti più o meno aperti; le mostre-performance, pensate per essere viste dal vivo ma anche immortalate con i cellulari, nuova protesi del nostro sguardo; gli interventi, categoria storicizzata e teorizzata qui per la prima volta, per cui sono indispensabili la circolazione in rete e i meccanismi mediatici che ne rendono virali i contenuti; e infine la fascinazione di tanti artisti per l’iconografia modernista, il cui effetto di déjà-vu rimanda ancora una volta ai media digitali e alla loro infinita collezione di immagini livellate e decontestualizzate. Perno di ogni discorso è l’attenzione “disordinata” che contraddistingue la spettatorialità odierna, di cui l’autrice esamina senza preconcetti le dinamiche, concentrandosi sul complesso rapporto tra soggetto, tempo e tecnologia e sulla messa in discussione di schemi di pensiero, narrazioni dominanti e regole esclusive. Senza l’obbligo della profondità o della concentrazione assoluta, dettate da norme moderniste come il white cube e dai loro modelli sociali di riferimento, l’opera d’arte del nuovo millennio è meno totalizzante e può prestarsi a un’esperienza più libera e autenticamente collettiva, caratterizzata da una molteplicità di punti di vista in continuo movimento, capace di aprire nuove prospettive.