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Quale forma potrebbe assumere oggi un "realismo pittorico" contemporaneo? Alessandro Bazan si pone esattamente questa questione. I suoi cicli pittorici si possono dividere in due linee espressive: le vicende intime, ambientate in spazi interni, e le storie pubbliche, ambientate in paesaggi esterni. In entrambi i casi siamo catapultati davanti a un frame, un fotogramma fermato di quello che certamente è il film - o il video - di una storia che comprende un prima e un dopo. In questo caso i titoli sembrano più quelli di uno sceneggiato che di un quadro: anche i più icastici [...] ci costringono a osservare meglio ciò che l'artista ha dipinto, per scoprire quale asimmetria leghi l'immagine al (possibile) racconto indicato dalla parola. Estratto dal testo di Marco Senaldi Pubblicato in occasione della mostra "Alessandro Bazan Fulvio Di Piazza. Astratta", a cura di Marco Senaldi, 28 maggio - 8 agosto 2020, Galleria Giovanni Bonelli, Milano.

Nel percorso pittorico di Fulvio Di Piazza, l'opposizione astratto/figurativo è tutt'altro che scontata: anzi, essa è divenuta una dialettica che prende un andamento mobile, cangiante, inafferrabile, perché dipende in larga misura dal punto di vista dell'osservatore dei suoi quadri. [...] Più ci si avvicina, o ci si allontana, dai suoi quadri, indipendentemente dalle dimensioni, e più fioriscono figure impreviste, mostri sgorgano da paesaggi, nuvole e fonti scaturiscono da grugni raccapriccianti, pesci sbucano da insetti, rettili germogliano da gorghi di lava, ceffi barbuti da vapori velenosi, oppure, viceversa, tutte queste forme perdono ogni significato e si tramutano in serpeggiamenti al limite dell'informale. Estratto dal testo di Marco Senaldi Pubblicato in occasione della mostra "Alessandro Bazan Fulvio Di Piazza. Astratta", a cura di Marco Senaldi, 28 maggio - 8 agosto 2020, Galleria Giovanni Bonelli, Milano.

La genesi del corpus incisorio del futurista Luigi Russolo (Portogruaro, 30 aprile 1885 – Laveno-Mombello, 4 febbraio 1947) è legata a doppio filo agli stimoli culturali recepiti quando questi, ancora giovanissimo, si trasferì a Milano con l’intento di intraprendere la carriera artistica. Partendo quindi dalla sua formazione, Mattia Lapperier si avvale della documentazione reperita presso l’Archivio del ‘900 del Mart di Rovereto e di alcuni fondi privati, per effettuare una sostanziale rilettura dell’intera raccolta di acqueforti russoliane, ridefinendone, almeno in parte, la cronologia e operando, per la prima volta, una distinzione tra le molte tirature realizzate e le varie tecniche di incisione sperimentate. Sebbene Russolo venga prevalentemente ricordato per le sperimentazioni musicali e per la geniale intuizione dell’armonizzazione del rumore (fu firmatario del manifesto L’arte dei rumori, datato 11 marzo 1913), il presente studio intende restituire il giusto merito alle incisioni di Russolo: lucida sintesi di qualità tecnica, virtuosismo esecutivo e complessità espressiva.

Catalogo pubblicato in occasione della mostra "Black Mode", a cura di Alberto Fiz, 12 settembre - 4 novembre 2020, E3 arte contemporanea, Brescia. Black Mode è una mostra che intercetta lo sguardo mobile dello spettatore attratto dal non colore, così come avviene per il suo opposto, il bianco. Da Kazimir Malevich a Alberto Burri, il nero è inteso come elemento embrionale che contiene in potenza tutte le cose e, in base a queste premesse, si dipana il percorso di una rassegna variegata e originale nell'ambito della quale si confrontano approcci differenti ad una medesima suggestione. Utilizzando le parole del filosofo Alain Badiou, si potrebbe affermare che Black Mode va incontro alla "sintesi infinita delle luci all'interno del nero". Sculture, video, installazioni, sono solo alcune delle modalità attraverso cui viene messo in scena un vero e proprio caleidoscopio di proposte e opportunità che si sviluppano in una dimensione dialettica e relazionale. Artisti coinvolti: Domenico Bianchi, Paolo Canevari, Bruno Ceccobelli, Davide Coltro, Riccardo De Marchi, Emmanuele De Ruvo, Matteo Gironi, Christine Liebich, Gerold Miller, Susan York.

L'Associazione Culturale Arteam di Albissola Marina (SV) presenta il catalogo di Arteam Cup Focus Genova Arte in Centro, sei mostre realizzate in collaborazione con sei gallerie del centro di Genova: Prisma Studio, UnimediaModern Contemporary Art, VisionQuesT 4rosso - Contemporary Photography, Studio Rossetti, Guidi&Schoen Arte Contemporanea e ABC-ARTE (26 giugno - 25 luglio 2020). Arteam Cup Focus Genova Arte in Centro - che nasce come "premio speciale" all'interno di Arteam Cup, concorso d'arte contemporanea ideato e promosso dall'associazione albissolese - riunisce sei "premi di galleria" e ne amplifica la portata grazie alla sua logica territoriale fortemente partecipativa. Gli artisti, protagonisti dell'evento genovese e selezionati dalle rispettive gallerie nell'edizione 2019 di Arteam Cup, tenutasi a Villa Nobel a Sanremo (IM), sono: Mona Lisa Tina, Armida Gandini, Shoko Okumura, Fabrizio Ferrari, Silvia Infranco e Fabio Tasso.

Questa ampia monografia, senza alcuna pretesa di essere esaustiva e ultimativa rispetto l'analisi critica del percorso trentennale dell'artista, si propone come, essenziale e doveroso, momento di importante e sostanziosa riflessione sull'articolata e complessa (pur coerentemente logica nel suo diversificato e frastagliato insieme) ricerca di Nataly Maier. Uno dei dati che, infatti, emerge fin da subito, rispetto un'osservazione complessiva di questo ampio arco temporale della sua lunga esperienza artistica ad oggi condotta, è proprio la costante, iterata e convinta, apertura del suo sguardo e del suo pensiero che concede alla pratica artistica la possibilità di mantenere attive e propositive diverse vie, risoluzioni, formulazioni e immaginari alla logica espressiva del suo colore e, nel complesso generale, della sua pittura. Dal testo La narrativa del colore negli infiniti percorsi della pittura. Nataly Maier, trent'anni di osservazioni cromatiche di Matteo Galbiati

Monografia dedicata all’opera dell’artista Monica Gorini (Domodossola, 1967). “Monica Gorini ha fatto dell’articolazione differente del suo agire la cifra stilistica del suo atteggiamento e del suo modo di intendere e “costruire” l’opera d’arte; il suo sguardo di intellettuale, infatti, concepisce l’opera come la traduzione di una convinzione che, radicata sensibilmente nel suo sguardo, vuole avere nell’arte l’equilibrato convincimento per comunicare le più convinte esigenze della profondità dell’animo umano in itinere, assecondando un viaggio esistenziale che dalla vita e dal pensiero individuale possa tradursi in suggestione per gli altri”. Dal testo “Sensibile come una pioggia di petali di ciliegio” di Matteo Galbiati

Monografia dedicata all'opera dell'artista Roberto Ghezzi (Cortona - AR, 1978). "La mia potrebbe essere definita una "pittura attraverso la Natura". In questa ricerca, riducendo ai mini termini, l'artista agisce preliminarmente studiando un luogo, progettando l'installazione, scegliendo i materiali con i quali sarà realizzata e preparando questi ultimi al dialogo con l'ambiente. Segue la posa dei supporti (per lo più tele in vario tessuto) nei siti prescelti: boschi, montagne, laghi, fiumi e oceani di tutto il mondo. La "natura", dal giorno dell'installazione in poi, agirà sulle tele indisturbata con tutte le sue forze, in un continuum che si protrarrà senza soluzione di continuità sino al momento del prelievo finale. Nascono così opere che non rappresentano il paesaggio, ma lo sono".

"Nato nel Benin, cresciuto in Cameron e trasferitosi poi a Parigi da più di vent'anni, Dimitri Fagbohoun (Benin, '72) proietta nell'arte la propria composita identità transculturale, e spaziando fra scultura, video e installazioni, si spinge verso un eclettismo grammaticale che esalta temi quali il ricordo, la politica, la religione e la dimensione poetica dell'esistenza. In una narrazione visionaria che gioca sugli equilibri fra visibile e non visibile, l'artista si confronta con la vulnerabilità dell'essere umano, esplorandone i processi di creazione e distruzione. In questo attraversamento viscerale, la magia della memoria, così come la decostruzione della realtà consentono di raggiungere una dimensione percettiva inedita e, per questo, assolutamente umana" (dal testo "La 'scultura sociale' di Dimitri Fagbohoun" di Silvia Cirelli). Catalogo della mostra "Dimitri Fagbohoun. The Journey of Erzulie", 6 febbraio-19 aprile 2020, Officine dell'Immagine, Milano.

Monografia dedicata all’opera dell’artista Sandro Magnoler (Treviso, 1960). “Ci concentriamo […] sul desiderio dell’artista di aprirsi all’immaginazione dello sguardo di colui che incontra le sue opere e a quell’universo di suggestioni che sono capaci di produrre e suscitare accogliendo, con una consapevolezza definita e puntuale, l’animo e il sentimento dell’altro. Ogni suo lavoro pare catalizzare, oniricamente nel modo, proceduralmente nella concretezza del reale, una fenomenologia di “impressioni” che spostano continuamente il loro assetto dall’emersione di ricordi sopiti e di pensieri interiori alla certezza della verità concreta dello stato delle “cose” che abitualmente ci appaiono nel quotidiano nostro vivere”. Dal testo Ri-creazione: le nuove altre possibilità narrative della materia e della forma delle “cose” di Matteo Galbiati.

Monografia dedicata all'opera dell'artista Eva Reguzzoni (Gallarate - VA, 1965). "La ricerca di Eva Reguzzoni può sembrare a prima vista anacronistica, un guardare a ritroso che lascia all'oggi reperti e tracce. Ma a uno sguardo più attento, il suo non è un viaggio temporale ma intimo, viscerale, che percorre la dimensione irrazionale del preconscio per aprire un interstizio tra interno ed esterno, tra conscio e inconscio, facendo emergere sentimenti e tensioni, emozioni e desideri che si transustanziano nella materia trasformata così in una seconda pelle su cui si imprimono i segni del proprio vissuto e l'ineludibile inevitabilità del caso. La sua è un'azione sottile ma potente, destabilizzatrice e potenzialmente distruttiva, che dà forma, nella transitorietà del frammento, all'irrazionalità, alla memoria e al sentimento. Un'azione che si espande, a tratti viralmente, nello spazio per accumulo e libera associazione. Una ricerca che richiede riflessione e ascolto". (Rossella Moratto)

"As brilliant as the sun", a cura di Camilla Boemio per il progetto di AAC Platform, ricostruisce un viaggio nelle pratiche artistiche della California ed intorno la città di Roma, creando un legame tra due luoghi d'arte accomunati da analogie e contraddizioni. Artisti coinvolti: Dean Smith, Cody Trepte, William E. Jones, Geof Oppenheimer, Tam Van Tran, Kevin Cooley e Phillip Andrew, Lewis Jamie Hamilton con Hannah Hughes, Stephanie Syjuco, Fabio Lattanzi Antinori, Mara De Luca, Peter Halasz, Adriano Valeri, Carly Chubak, Katherine Sherwood, lsmael de Anda III, Todd Gray, Nicole Eisenman, Catherine Opie, Maria Elisa D'Andrea, Mark Todd, Sean Noyce, Scarlet Mann, Curtis Stage, Katie Shapiro, Daniela de Paulis, Amir Zaki, Jebila Okongwu, Stefano Canto, Salvatore Arancio, Ryts Monet, Marta Mancini, Ra di Martino, Ludovica Gioscia, Lapo Simeoni.