Vanillaedizioni

Dall’11 luglio al 22 settembre 2019 Casa Museo Jorn di Albissola Marina (SV) ha presentato la mostra personale di Salvatore Arancio: Like a Sort of Pompeii in Reverse, un progetto inedito e site specific, pensato e realizzato in situ. Questo volume, pubblicato a integrazione e a conclusione della mostra, comprende nella sua prima parte il testo di Guy Debord e quattro brevi testi di fiction di Stella Cattaneo, Diego Drago, Daniele Panucci e Alessia Piva. Nella seconda parte i testi di Luca Bochicchio e Paola Nicolin affrontano criticamente il lavoro di Salvatore Arancio.

Volume dedicato all'artista e fotografa genovese Carla Iacono e, in particolare, alla serie di lavori dal titolo "Melancholia". Le immagini sono state scattate durante i viaggi effettuati dall'artista per visitare la figlia Flora, che ha trascorso un anno a Tübingen nell'ambito del programma Erasmus. Si tratta quindi di un lavoro autobiografico, in cui il viaggio è inteso soprattutto nel suo significato archetipico, ovvero processo di individuazione, e come meccanismo di distacco/ritorno. Il tutto rappresenta, mantenendo quindi una forte valenza autobiografica, il rito di passaggio della separazione. Il linguaggio è pittorico/fiabesco, secondo lo stile ormai consolidato di Iacono; ci mostra vedute trasfigurate dal filtro della fantasia: luce, colori, piccoli particolari realizzati a collage, tra cui i corpi celesti inseriti nei cieli di tutte le vedute, che proiettano il reale in una dimensione più intima ed onirica.

Italiana di nascita ma senegalese d’adozione, Maïmouna ci accompagna in un mondo visionario che attraversa le complessità del sincretismo identitario, creando un dialogo allusivo fra la cultura europea e quella africana. Grazie ad un approccio poliedrico di chiara risonanza emozionale, l’artista ci invita a scoprire una terra di mezzo, un luogo apparente, dove le consuete barriere strutturali vengono ribaltate, per lasciare il posto a una dimensione intimista che miscela ingredienti personali a testimonianze del reale. Sospesi fra figurazione e immaterialità, i monumentali soggetti dell’artista enfatizzano una metamorfosi spirituale che cattura appieno l’urgenza di questa consapevolezza interiore e attraverso rimandi mistici e metafore taumaturgiche, ne svela l’autentica essenza.

"Camilla Rossi ha uno stile preciso con il quale stabilisce le frontiere delle connessioni formali che apparentano i diversi lavori e ne stabiliscono la profonda logicità narrativa consecutiva. L'elemento della narrazione è proprio il tratto maggiormente impegnato del suo fare, perché quel desiderio di stratificare le forme, i volumi, i tracciati cromatici rimanda ad una scansione continua del proprio fare, ad un ripetuto filtrare il dato della sensibilità visiva che rimanda ad una sequenza ininterrotta di opere che paiono, quindi, legarsi ovviamente una all'altra". Dal testo critico "Connessioni formali e coerenza narrativa, il racconto pittorico di Camilla Rossi" di Matteo Galbiati. Questo volume, che celebra i vent'anni di carriera artistica di Camilla Rossi, è edito in occasione della mostra personale Rizomi, a cura di Matteo Galbiati, allestita a Villa Glisenti (Villa Carcina - BS) dal 9 novembre al 1 dicembre 2019.

"In un'epoca convinta di vivere con e per le immagini ma che in realtà le immagini le tradisce sistematicamente, prestando loro pochissima attenzione e declassandole alla rapidità di uno sguardo a Instagram dal piccolo schermo di un cellulare, la fotografia pare chiedere a gran voce un maggior rispetto e una fruizione meno frettolosa e volubile. Mimmo Iacopino, formatosi come fotografo di still life negli ambienti dello Studio Azzurro e forte di un passato nella pubblicità e di un presente nell'arte visiva, mette le proprie conoscenze al servizio di un rinnovato interesse per l'immagine: un interesse che si traduce in sperimentazione tecnica e originalità creativa. Nascono così, con questa volontà di interazione con l'immagine fotografica, le Chimere, che già dal titolo svelano la propria identità complessa e ambigua. Chimere, ibridi dunque, strani incontri tra mondi e creature diverse che attraggono la nostra attenzione imponendoci una considerazione adeguata nel tentativo di comprendere ciò che stiamo osservando".

Catalogo della mostra finale del premio d'arte contemporanea Arteam Cup 2019, quinta edizione. La mostra con le opere dei 67 finalisti, a cura di Livia Savorelli e Matteo Galbiati, si è tenuta a Villa Nobel, a Sanremo (IM), dal 14 settembre al 27 ottobre 2019.

"Non può esserci altro materiale più iconico del marmo per definire l'idea e la natura stessa della scultura: emblematico dei suoi valori estetici, forte di una tradizione affermata e "scolpita" nei secoli, è una sostanza che ha sempre accolto le forme universali della bellezza; dall'antichità alla contemporaneità ha seguito le vicende dell'uomo e ne ha incarnato le aspirazioni, il desiderio di solennità, magnificenza e universalità. [...] Uno dei punti di forza della ricerca di Gasparroni è proprio il saper dare concretezza al pensiero, alla narrazione di storie possibili e di alleggerire, nella poesia, la pesantezza impassibile e immota del marmo (o di altre tipologie di pietre). Il confronto con le testimonianze del passato, allora, si fa ancora più marcata poiché l'artista cerca e guarda al senso del proprio racconto e non alle esigenze altre che affliggono il sistema contemporaneo. Ecco allora che il suo essere "artista da bottega" si traduce in un impagabile dono che fa in primo luogo alle sue opere e al senso profondo che queste testimoniano". Dal testo "Il lieve tocco del marmo" di Matteo Galbiati.

Catalogo delle opere realizzate dagli artisti in residenza durante la seconda edizione di Falía Artists In Residence. Falía è una residenza per artisti che è nata a Lozio, tra le montagne della media Valle Camonica. In questo piccolo paese, abitato da poche centinaia di persone, dove le tradizioni e il legame con il territorio sono ancora molto forti, sono stati ospitati durante l’estate 10 artisti, che sono così entrati in contatto non solo con ciò che li circondava, sia a livello naturale che umano, ma anche con il passato, l’identità e la memoria di questa realtà, ricca di storia e di storie da raccontare.

Volume edito in occasione del progetto espositivo in tre atti "Sottopelle. Storie di memorie e persistenze", a cura di Serena Filippini e Matteo Galbiati: Atto I: Andrea Cereda e Diego Soldà, 16 marzo - 12 aprile 2019, Castello Visconteo, Pandino (CR). Atto II: Roman Opalka e Nicolò Tomaini, 31 marzo - 1 maggio 2019, Villa Caldogno, Caldogno (VI). Atto III: Massimiliano Gatti, 22 giugno - 15 settembre 2019, Forte Strino, Vermiglio (TN). Sottopelle come qualcosa che c'è, eppure non si vede, che è nascosto, ma non così in profondità, qualcosa che rimane per sempre. Sottopelle come la memoria, quella che ci portiamo dentro, preziosa custode del nostro vissuto, accogliente con i ricordi appena nati, e sempre pronta ad arricchire quelli già sedimentati. [...] In "Sottopelle. Storie di memorie e persistenze" i flussi di memoria si creano, incrociano, sfaldano, scontrano e ricompongono non soltanto per i dialoghi tra i diversi artisti coinvolti, ma anche per i luoghi scelti per ospitare le tre mostre o, per meglio dire, i tre atti che compongono l'intero progetto espositivo.

L'artista italiano Aqua Aura, conosciuto e apprezzato a livello internazionale, presenta a Ferrara la mostra pubblica Paesaggi Curvi, allestita nella doppia sede museale della Palazzina Marfisa d'Este e della Sinagoga Grande della Scola Italiana, che per la prima volta si apre all'arte contemporanea. Realizzata in collaborazione con i Musei Civici d'Arte Antica e la Comunità Ebraica di Ferrara, con il patrocinio della Regione Emilia-Romagna, del Comune di Ferrara e del Museo nazionale dell'Ebraismo Italiano e della Shoah (MEIS), l'esposizione presenta una cospicua selezione di opere inedite, caratterizzate dall'incontro tra il genere del Paesaggio e i linguaggi della contemporaneità (video proiezioni, video-sculture, animazione 3D e prototipazione computerizzata). Il presente catalogo raccoglie, oltre ai testi istituzionali di Tiziano Tagliani (Sindaco della Città di Ferrara) ed Andrea Pesaro (Presidente della Comunità Ebraica di Ferrara), i contributi critici delle curatrici Maria Letizia Paiato e Chiara Serri, che hanno scelto di leggere il lavoro di Aqua Aura a partire da due diverse angolazioni, ovvero il tema dello spazio e del tempo.

Volume monografico dedicato all'artista Anna Matola (Salerno, 1957. Vive e lavora ad Albissola Marina - SV). [...] Ma qual è il materiale privilegiato da Anna Matola? Si tratta dell'argilla, la cui scelta parrebbe quasi scontata, vivendo lei ad Albissola Marina dal 2006. Eppure, e nonostante la frequentazione e lo scambio di idee avuti con almeno due maestri operanti nel mondo della ceramica, la nostra artista non si professa anche "ceramista", ruolo che lei considera inadeguato a sé. Se da un lato, infatti, questo materiale l'ha fatta sempre sentire a proprio agio, come se le fosse perfettamente connaturato, dall'altro le sue esigenze di lavoro non l'hanno portata ad approfondire i tanti ambiti tecnico/estetici che il fare ceramica potenzialmente include. La terra giusta, gli ingobbi, i rivestimenti vetrosi quando è il caso, "servono" per realizzare le sculture, cioè le vere protagoniste della ricerca, i veicoli concreti di un animo creativo che stimola l'osservatore lasciandolo tutt'altro che indifferente. [dal testo di Alida Gianti]

"Le opere contenute nel presente catalogo, pubblicato quattro anni dopo il volume 'Fosco Grisendi. Stand your ground' (Vanillaedizioni, 2015), si caratterizzano per una maggiore maturità, che si evince non solo nell'accresciuta perizia tecnica, ma anche, e soprattutto, nella definizione dei soggetti, nello sguardo rivolto al sociale, nella scelta studiata di tagli e soluzioni compositive tali da consentire visioni plurali. [...] Dal pugile al tennista, fino alla nuotatrice o ai giocatori di football americano, si assiste ad una spersonalizzazione dell'atleta, che diventa metafora stessa dello sport, di valori positivi da trasferire nell'attualità. Proprio per questo, la figurazione si ferma lì dove non serve più: non è necessario indugiare sull'intero corpo. Il non finito lascia spazio all'immaginazione, alla speculazione onirica, alimentata anche dall'uso del colore in senso non naturalistico. Separati da una linea di contorno bianca, che solleva la figura dal fondo nero, i colori si articolano generalmente in palette cromatiche predefinite, esito di un'approfondita analisi." (dal testo "Fosco Grisendi. Pop contemporaneo" di Chiara Serri)