Vanillaedizioni

"Ha corso a perdifiato, dopo una giornata all'aria aperta, nei prati, nei campi. Oreste ha corso perché aveva in mente un altro gioco e doveva arrivare a casa prima che la nonna prendesse possesso della cucina per allestire la cena. Adesso, in ginocchio, non avverte più bruciare la pelle spellata dai rovi, assorbito com'è dall'impresa che ha annerito le sue piccole mani e riversato dentro l'ultimo cono di luce alla finestra, la sua giornata così piena di scoperte, di immagini. Oreste contempla orgoglioso la chiazza di pavimento rosso mattone della cucina zeppa dei suoi disegni, mentre ancora stringe il legnetto di vite cotto dalla stufa che lui ha usato come carboncino. Anche questa volta nonna Elisa non riuscirà a sgridare quel nipote prediletto. Un bambino con la smania di disegnare. Innanzitutto ciò che vede intorno a sé: alberi, animali, case della campagna di Cartosio, nell'Alto Monferrato, dove Oreste Edgardo Rossi è nato (1946), ha vissuto la prima infanzia e dove ha sempre fatto ritorno per ritrovare la casa, gli affetti, le memorie..."

Catalogo realizzato per la mostra "Baj. Figure dell'immaginario (1951-2003)", Museo d'Arte di Palazzo Gavotti, Savona, 26 settembre - 13 dicembre 2015. La prima opera esposta in mostra è Quamisado II, dipinto nucleare del 1951. Chiude il percorso Punching General, scultura del 2003. In questo arco di tempo sono comprese tutte le sperimentazioni di Baj, tutti i suoi studi, i suoi scritti e, soprattutto, i suoi dipinti: un lavoro ininterrotto che ha portato all'epifania creature e personaggi (a volte vere e proprie saghe o composizioni teatrali) orientati all'onirico, al tragico, al satirico, al surreale, all'impegno politico e civile.

Dapprima è una sorta di essenza, fluida e disarticolata, ad assumere la forma del colore di un fondo, rigorosamente monocromo ed uniforme, dal quale, a fatica, la figura fuoriesce. Luci ed ombre si rincorrono e si arricchiscono di velature e di "pentimenti"; la tonalità si fa via via più leggera, ad accogliere la spontaneità di "forme di luce" che un livore lunare, cristallino e dai toni argentei, porta all'evanescenza. È il luogo fisico della luce e, al tempo stesso, è l'essenza fluida del corpo. Tutt'intorno, un groviglio di filamenti, a volte cromaticamente a contrasto, oppure dai toni più intensi, "imbrigliano" la figura, nel tentativo di trattenerla ad una forza, immanente e primordiale, che preme per riassorbirla alla visione. Una pittura "cerebrale", quella di Alessandro Saturno, per il quale, il pensiero si fa colore.

Catalogo monografico dell'artista Giacomo Lusso (Malles Venosta (BZ), 1953 vive ed opera ad Albisola) edito in occasione della mostra "Segni nel giardino di pietra", 8 - 30 Agosto 2015, Oratorio de Disciplinanti - Complesso Monumentale, S. Caterina, Finalborgo (SV).

Catalogo realizzato per la mostra "Mr. Savethewall. The Story", a cura di Chiara Canali, 7 - 30 agosto 2015, San Pietro in Atrio, Como. Mr. Savethewall è un artista comasco che agisce secondo il metodo della deriva e del détournement situazionista per proporre opere che interpretano temi e costumi della società contemporanea in chiave ludica o polemica, ironica o dissacrante. Una "decostruzione e ricostruzione dei codici linguistici" che Mr. Savethewall opera attraverso le modalità e le tecniche di intervento della Street Art, in primis l'utilizzo dello stencil su supporti di derivazione urbana e di largo consumo come cartone, carta da pacchi, legno, metallo, materiale di riciclo. Come recita il suo pseudonimo, Mr. Savethewall non dipinge sui muri ma li rispetta e li "salva" fissando le sue opere temporaneamente con quattro pezzi di nastro adesivo giallo agli angoli. I suoi primi lavori, attaccati ai muri cittadini di Como, sono stati staccati dai passanti per essere incorniciati: ciò ha destato l'interesse e la curiosità del sistema dell'arte e Mr. Savethewall ha fatto il suo ingresso nelle gallerie d'arte e negli spazi pubblici.

Albisola è votata al concetto e alla pratica della residenza per artisti e designers. Consapevole di ciò, il Gruppo ACCA ha deciso di lavorare a un programma annuale di residenze, sostenuto da Enti pubblici e privati, per supportare e agevolare la presenza ad Albisola di giovani artisti e designers italiani. Al di là di questo programma pubblico e al pari di altri soggetti locali (critici, artisti e artigiani), il Gruppo ACCA lavora durante tutto l'arco dell'anno per agevolare la collaborazione tra le fabbriche di ceramica albisolesi e gli artisti provenienti da altre realtà culturali e geografiche. Diversamente da questa attività di promozione e organizzazione culturale, il programma pubblico "Albisola Artists in Residence. Give out your Best in Ceramic" ha l'ambizione di diventare un cantiere permanente di residenza, che offra l'opportunità costante agli artisti e ai designers di conoscere Albisola e ai ceramisti e agli artisti locali di avvalersi di collaborazioni fresche e propositive.

Volume edito in occasione della mostra "A.R.T.: nutrimento e conservazione dell'arte" organizzata e promossa all'interno del progetto no-profit Banca Sistema Arte. In linea con le tematiche Expo 2015, la proposta espositiva "A.R.T. (Advanced Refrigeration Technology): Nutrimento e conservazione dell'arte", progetto-ponte tra Milano e Venezia, a cura di Andrea Del Guercio, pone l'attenzione sulla questione dell'alimentazione e dell'importanza del cibo, focalizzandosi sul tema della sua conservazione, condivisione e consumo. Figura iconica centrale del progetto è il frigorifero, scelto quale icona rappresentativa del tema del nutrimento e della conservazione. La mostra in particolare si sviluppa tra Milano e Venezia (7 maggio - 30 giugno 2015), potendo contare su diverse sedi espositive in entrambe le città, e coinvolge 36 artisti, di cui 8 maestri dell'Arte Contemporanea e 12 giovani. Le opere riflettono sulle implicazioni antropologiche del nutrimento, a partire dalla consapevolezza che il consumo, la conservazione e la condivisione del cibo stanno alla base del modo con cui l'uomo si percepisce.

Il catalogo viene pubblicato in occasione della mostra personale di Raluca Andreea Hartea "Venire alla luce", a cura di Fortunato D'Amico, presso Fabbrica Eos, Milano, maggio - giugno 2015. Intenso di emozioni, inquietudini, allegorie metalinguistiche, il lavoro di Raluca Andreea Hartea, rispecchia la condizione a cui è giunta la sua ricerca, osservando le dinamiche interiori del Sé, registrandone le oscillazioni e i rilevamenti come fa l'analista in un laboratorio sperimentale. Le immagini della sua arte hanno infatti l'apparenza di reperti di studio, conseguiti dando forme all'indagine scientifica dei fenomeni, esaminati e valutati per mezzo del il filtro della razionalità, per tentare di individuare nei comportamenti umani le attitudini psicologiche nascoste dietro ogni aspetto di vissuto personale. Il suo intendere il concetto artistico-scientifico si avvale dell'applicazione di regole e strumenti derivati dal mondo della psicanalisi e utilizzati per esplorare la vasta regione dell'inconscio.

La casa raccontata da Loredana Cacucciolo, è una casa che svolge i propri ambienti sotto il nostro sguardo, di dipinto in dipinto, come sequenza di fotogrammi di un film intimistico e, oserei dire, al limite del privato. Tutti i dipinti, infatti, sono raccolti da Cacucciolo, sotto il titolo generale di "Le stanze di Andrea". A volte, un titolo più specifico segue e ne definisce ulteriori elementi narrativi - al principio si è trattato di una numerazione progressiva, poi ha cominciato a entrare in maggior dettaglio: I cerchi, che definiscono le decorazioni e gli stucchi di soffitti magniloquenti; Il dipinto giapponese, che suggerisce un'esotica e un po' estranea presenza; Le sedie verdi, e Il cuscino rosso, come anche La tovaglia a righe, che rinviano ad eleganti tessuti e foderature; Un pomeriggio, che stabilisce un tempo d'azione scenica; Le rose, sottolineante la presenza floreale e ornamentale dello splendore di un vaso, e via citando.

Catalogo pubblicato in occasione dell'omonima mostra presso RezArte Contemporanea, Reggio Emilia, 18 aprile - settembre 2015. In occasione di EXPO 2015 e del tema "Nutrire il Pianeta. Energie per la vita", The Art of Food Valley si propone come una piattaforma in cui l'arte e il cibo si offrono come strumento di intervento nel territorio italiano. L'Emilia Romagna in particolare è considerata in tutto il mondo una delle regioni più ricche di prodotti tipici ed eccellenze enogastronomiche, tanto da guadagnarsi l'appellativo di Food Valley: un vero e proprio distretto territoriale dalla forte pregnanza enogastronomica, culturale ed artistica. Ventitré artisti riflettono su venti prodotti tipici DOP e IGP compresi nel territorio della Food Valley, attraverso metodi, strumenti e linguaggi artistici che ne portano alla luce significati e valori legati alla sfera dell'estetica, del gusto, della cultura.

Il ruolo della donna nella società iraniana, lo scontro fra modernità e tradizione, i fantasmi dei sanguinosi conflitti passati (guerra Iran-Iraq), sono tutti temi di stretta attualità, trattati con raffinatezza ma senza retorica, con forza ma fuori dai più facili cliché, da una delle più grandi fotografe mediorientali del nostro tempo. Dal 23 aprile al 21 giugno 2015, Officine dell'Immagine di Milano ospita la più ampia personale mai realizzata in Italia di Shadi Ghadirian (Teheran, 1974). Curata da Silvia Cirelli, la mostra rappresenta un'inedita occasione per esplorare il percorso artistico di questa celebre interprete, dai primi lavori di fine anni '90 ai suoi ultimissimi progetti. The Others Me, ripercorre i tratti distintivi della poetica di Shadi Ghadirian, con uno sguardo sulle contraddizioni dell'Iran odierno e una particolare attenzione verso la condizione femminile nella società contemporanea. Ghadirian sorprende per un'impronta espressiva al contempo delicata e tagliente, capace di testimoniare le complessità e le ambivalenze di un contesto sociale articolato come quello iraniano.

Catalogo pubblicato in occasione dell'omonima mostra presso Vibra - spazio contemporaneo di idee, Ravenna, 18 aprile - 16 maggio 2015. In quelli che possiamo definire "paesaggi", Giulia dà vita a forme e visioni che paiono emergere da un tempo assai lontano, talvolta segnato da una sorta di stato di allucinazione e di sogno. "Visioni del settimo giorno" potrebbero definirsi le immagini di questi suoi paesaggi: ciò che si poteva probabilmente vedere quando Dio, dopo le fatiche della creazione, finalmente poté riposarsi. Ecco, allora, l'incanto di una vegetazione rigogliosa che affonda le sue radici, dall'artista volutamente lasciate scoperte e ben individuabili all'interno della terra, come se fossimo di fronte a un'immagine radiografica (e non casualmente, ma con un profondo gesto simbolico, quando lei accosta nella stessa opera due alberi, gli apparati radicali si ricongiungono e si fondono al centro in una sola struttura), e protende dentro il cielo le sue fronde, in un'atmosfera che respira il sublime e il mistico. Dunque, la natura come mezzo che collega la terra al cielo, ciò che può definirsi il finito e ciò che invece è l'infinito, l'ignoto, l'inconoscibile.