Vanillaedizioni

Volume edito in occasione della mostra "A.R.T.: nutrimento e conservazione dell'arte" organizzata e promossa all'interno del progetto no-profit Banca Sistema Arte. In linea con le tematiche Expo 2015, la proposta espositiva "A.R.T. (Advanced Refrigeration Technology): Nutrimento e conservazione dell'arte", progetto-ponte tra Milano e Venezia, a cura di Andrea Del Guercio, pone l'attenzione sulla questione dell'alimentazione e dell'importanza del cibo, focalizzandosi sul tema della sua conservazione, condivisione e consumo. Figura iconica centrale del progetto è il frigorifero, scelto quale icona rappresentativa del tema del nutrimento e della conservazione. La mostra in particolare si sviluppa tra Milano e Venezia (7 maggio - 30 giugno 2015), potendo contare su diverse sedi espositive in entrambe le città, e coinvolge 36 artisti, di cui 8 maestri dell'Arte Contemporanea e 12 giovani. Le opere riflettono sulle implicazioni antropologiche del nutrimento, a partire dalla consapevolezza che il consumo, la conservazione e la condivisione del cibo stanno alla base del modo con cui l'uomo si percepisce.

Il catalogo viene pubblicato in occasione della mostra personale di Raluca Andreea Hartea "Venire alla luce", a cura di Fortunato D'Amico, presso Fabbrica Eos, Milano, maggio - giugno 2015. Intenso di emozioni, inquietudini, allegorie metalinguistiche, il lavoro di Raluca Andreea Hartea, rispecchia la condizione a cui è giunta la sua ricerca, osservando le dinamiche interiori del Sé, registrandone le oscillazioni e i rilevamenti come fa l'analista in un laboratorio sperimentale. Le immagini della sua arte hanno infatti l'apparenza di reperti di studio, conseguiti dando forme all'indagine scientifica dei fenomeni, esaminati e valutati per mezzo del il filtro della razionalità, per tentare di individuare nei comportamenti umani le attitudini psicologiche nascoste dietro ogni aspetto di vissuto personale. Il suo intendere il concetto artistico-scientifico si avvale dell'applicazione di regole e strumenti derivati dal mondo della psicanalisi e utilizzati per esplorare la vasta regione dell'inconscio.

La casa raccontata da Loredana Cacucciolo, è una casa che svolge i propri ambienti sotto il nostro sguardo, di dipinto in dipinto, come sequenza di fotogrammi di un film intimistico e, oserei dire, al limite del privato. Tutti i dipinti, infatti, sono raccolti da Cacucciolo, sotto il titolo generale di "Le stanze di Andrea". A volte, un titolo più specifico segue e ne definisce ulteriori elementi narrativi - al principio si è trattato di una numerazione progressiva, poi ha cominciato a entrare in maggior dettaglio: I cerchi, che definiscono le decorazioni e gli stucchi di soffitti magniloquenti; Il dipinto giapponese, che suggerisce un'esotica e un po' estranea presenza; Le sedie verdi, e Il cuscino rosso, come anche La tovaglia a righe, che rinviano ad eleganti tessuti e foderature; Un pomeriggio, che stabilisce un tempo d'azione scenica; Le rose, sottolineante la presenza floreale e ornamentale dello splendore di un vaso, e via citando.

Catalogo pubblicato in occasione dell'omonima mostra presso RezArte Contemporanea, Reggio Emilia, 18 aprile - settembre 2015. In occasione di EXPO 2015 e del tema "Nutrire il Pianeta. Energie per la vita", The Art of Food Valley si propone come una piattaforma in cui l'arte e il cibo si offrono come strumento di intervento nel territorio italiano. L'Emilia Romagna in particolare è considerata in tutto il mondo una delle regioni più ricche di prodotti tipici ed eccellenze enogastronomiche, tanto da guadagnarsi l'appellativo di Food Valley: un vero e proprio distretto territoriale dalla forte pregnanza enogastronomica, culturale ed artistica. Ventitré artisti riflettono su venti prodotti tipici DOP e IGP compresi nel territorio della Food Valley, attraverso metodi, strumenti e linguaggi artistici che ne portano alla luce significati e valori legati alla sfera dell'estetica, del gusto, della cultura.

Il ruolo della donna nella società iraniana, lo scontro fra modernità e tradizione, i fantasmi dei sanguinosi conflitti passati (guerra Iran-Iraq), sono tutti temi di stretta attualità, trattati con raffinatezza ma senza retorica, con forza ma fuori dai più facili cliché, da una delle più grandi fotografe mediorientali del nostro tempo. Dal 23 aprile al 21 giugno 2015, Officine dell'Immagine di Milano ospita la più ampia personale mai realizzata in Italia di Shadi Ghadirian (Teheran, 1974). Curata da Silvia Cirelli, la mostra rappresenta un'inedita occasione per esplorare il percorso artistico di questa celebre interprete, dai primi lavori di fine anni '90 ai suoi ultimissimi progetti. The Others Me, ripercorre i tratti distintivi della poetica di Shadi Ghadirian, con uno sguardo sulle contraddizioni dell'Iran odierno e una particolare attenzione verso la condizione femminile nella società contemporanea. Ghadirian sorprende per un'impronta espressiva al contempo delicata e tagliente, capace di testimoniare le complessità e le ambivalenze di un contesto sociale articolato come quello iraniano.

Catalogo pubblicato in occasione dell'omonima mostra presso Vibra - spazio contemporaneo di idee, Ravenna, 18 aprile - 16 maggio 2015. In quelli che possiamo definire "paesaggi", Giulia dà vita a forme e visioni che paiono emergere da un tempo assai lontano, talvolta segnato da una sorta di stato di allucinazione e di sogno. "Visioni del settimo giorno" potrebbero definirsi le immagini di questi suoi paesaggi: ciò che si poteva probabilmente vedere quando Dio, dopo le fatiche della creazione, finalmente poté riposarsi. Ecco, allora, l'incanto di una vegetazione rigogliosa che affonda le sue radici, dall'artista volutamente lasciate scoperte e ben individuabili all'interno della terra, come se fossimo di fronte a un'immagine radiografica (e non casualmente, ma con un profondo gesto simbolico, quando lei accosta nella stessa opera due alberi, gli apparati radicali si ricongiungono e si fondono al centro in una sola struttura), e protende dentro il cielo le sue fronde, in un'atmosfera che respira il sublime e il mistico. Dunque, la natura come mezzo che collega la terra al cielo, ciò che può definirsi il finito e ciò che invece è l'infinito, l'ignoto, l'inconoscibile.

Catalogo pubblicato in occasione dell'omonima mostra - curata da Patrizia Bottallo e organizzata da Martin - Associazione Martini Arte Internazionale presso la Società Promotrice delle Belle Arti di Torino, 24 aprile - 28 giugno 2015. Mach rievoca al presente i grandi temi biblici, li fa agire e vivere nell'attualità, comprime e dilata il tempo in un costante hic et nunc, un qui e ora che sancisce il costante dibattersi dell'uomo, della sua fragilità, della sua finitezza. [...] I collages di David Mach sono ispirati alla Bibbia di King James, ossia la Bibbia inglese anglicana commissionata da Re Giacomo nel 1611, il luogo in cui si profilano le scene, a dispetto del testo sacro, sono le nostre città, i grandi agglomerati urbani, distinguibili per il loro profilo, lo skyline, per architetture o palazzi noti. Le città prescelte sono situate in sottofondo, ed infatti l'impianto ricorda i fondali dei quadri del XV secolo, in cui si cercava un campanile, un ponte, un fiume o una roccia conosciuta per stabilire un luogo geografico preciso.

Alta quota come spinta a un limite che pone in relazione tecnologie moderne, come i sistemi elettromagnetici, e materiali primordiali come il fuoco. Alta quota come definizione di un percorso concettuale e fisico di ricerca creativa. Il catalogo presenta le opere esposte nell'omonima mostra personale - svoltasi presso Officine dell'Immagine a Milano dal 19 marzo al 19 aprile 2015 - e ripercorre la ricerca creativa di Cannistrà degli ultimi due anni: quattro istallazioni, affiancate da 15 opere inedite realizzate su supporti diversi, in grado di intrecciare un dialogo diretto tra di esse, comunicando pensieri che spaziano tra il tempo, il silenzio, l'ancestrale, il futuristico e il simbolico.

Se la sua precedente produzione (e stiamo parlando del biennio 2013/2014) era incentrata sulla "trasfigurazione" mistica di animali quasi sussistenti in un'aura "magica" e ancestrale, ora dominano la scena elementi antropomorfi in via di apparizione, parti anatomiche di soggetti non visibili nella loro integrità fisica e dalla reminiscenza umana, o meglio, quasi-umana: nel passaggio dall'ambito non-umano a quello quasi-umano essi denotano infatti le figure leggendarie dei "giganti" della mitopoiesi veterotestamentaria, greca e germanica (il cui referente forse più celebre nella storia dell'arte occidentale è Il colosso di Francisco Goya), "reminiscenze mastodontiche" che nell'inedita serie pittorica di Maurizio L'Altrella assolvono alla funzione fortemente simbolica di "ponte" fra terra e cielo.

Operando sulla crescita organica riferita alla vitalità insita nella materia, The Gahan Project si propone con la concezione di un lavoro legato alla progettualità nel senso più ampio, in cui meraviglia e creatività costituiscono l'essenza stessa del porsi di fronte alla vita, in modo costruttivo. Attraverso una tecnica su tavole in legno di pioppo o carta da acquerello con interventi a grafite, oro, pressioni a secco di elementi naturali e del lavoro a più mani, che include la 'titolazione', il gruppo persegue una ricerca espressiva operata fra sogno e organicità della materia, in una narrazione vitale, continua, metamorfica e metaprogettuale. Ancora una volta, come il fiore, l'opera di The Gahan Project vive, indipendentemente dall'attenzione che gli si dedica, in una ricerca legata alla leggerezza e alla vitalità del sogno della materia. Il sogno è progettuale, è costruttivo, ha sempre un cuore, un centro di gravità, un significato profondo radicato al nostro essere ed esistere. Come il sogno è parte del mondo cognitivo, da sempre parallelo e costitutivo dello sviluppo creativo di crescita dell'uomo, così è per l'opera del The Gahan Project.

Catalogo pubblicato in occasione dell'omonima mostra presso L'Ariete arte contemporanea a Bologna, dal 28 marzo al 30 aprile 2015.L'esposizione dell'artista Romano Bozzolla, che assembla 365 interventi - quanti i giorni dell'anno solare - (suddivisi in 113 gruppi, che variano da due a dieci pezzi) su "carta carbone", si presenta nella voluta e vigile contaminazione di tecniche miste, che nell'evitare il tradizionale mestiere pittorico, tende a metterlo dichiaratamente in crisi, avventurandosi in tracciati di ricerca, oltre ogni discorso d'ordine concettuale. Di qui il lettore viene invitato entro un fitto ed elaborato articolato del "vissuto umano", proprio dell'autore, attraverso uno sperimentare tutto plastico-manuale, di voluta attenzione e perizia artigianale, tale da indurlo a cercare a sua volta il senso ed il fine di una reale "trasformazione controllata dell'opera/testo": una rivisitazione continuamente "isoformica" - come recita il titolo dell'esposizione stessa.

Volume pubblicato in occasione della Giornata della Memoria 2015, 70° anniversario della liberazione del Campo di Concentramento di Auschwitz. Artisti in catalogo: Alessandro Bazan, Fulvio Di Piazza, Kim Dorland, Manuel Felisi, Giovanni Frangi, Fabio Giampietro, Hyena, Giorgio Linda, Raffaele Minotto, Luca Moscariello, Barbara Nahmad, Simone Pellegrini, Pierluigi Pusole, Tobia Ravà, Max Rohr, Hana Silberstein.