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Difficile catalogare il profilo artistico di Claudio Nicolini, se non come un instancabile sperimentatore. D'altra parte, la lunga esperienza del creativo doveva aver sottolineato, da una parte, la sua inclinazione all'inventiva brillante e, soprattutto, doveva avergli dato quello spirito di trasformazione, quella necessità di provare tecniche ed effetti nuovi per declinare la propria ricerca espressiva. Ci sono artisti, infatti, che messo a punto un procedimento, proseguono instancabilmente su quella strada lungo tutto il corso della loro carriera: in quel caso, il percorso artistico, quando e finché c'è sviluppo, si dipana a livello esclusivamente formale. Ce ne sono invece altri, come Nicolini, che si cimentano su un dato repertorio di forme sottoponendolo alle verifiche e ai trattamenti più vari. La ricerca di Nicolini, infatti, è sempre stata sperimentale, sia dal punto di vista della tecnica, anzi delle "nuove ricette", come gli scrive in una lettera affettuosa l'amico scultore Stefano Soddu, sia da quello del linguaggio.

"Tutta la produzione artistica della Trevisan è improntata sul principio della luce naturale della quale sono colti gli infiniti riflessi. Nell'astrattismo lirico Trevisan ritrova la sua concezione dell'arte che non è una rappresentazione geometrica della realtà ma la sua frammentazione in colori e segni. Klee e Kandinsky con la loro essenzialità sono testimonianza di quel rapporto immediato tra l'artista e l'opera d'arte, che si esprime con i colori e i semplici segni. L'interiorità di Trevisan riaffiora nel suo universo artistico arricchendolo delle infinite sfumature che sono proprie dell'animo umano. Ogni composizione diventa così un'esperienza unica e irripetibile poiché frutto di un attimo fugace di vita vissuta. La continua oscillazione tra la ricerca estetica e i suoi riflessi emotivi, rendono l'arte di Trevisan poetica. Le atmosfere rarefatte delle sue opere disperdono voci e suoni lasciando intravedere una realtà essenziale fatta di linee che vanno a comporre la trama dell'esistenza. La realtà diventa così materia da esplorare, incidere, sacrificare nel rituale catartico dell'arte." (Tratto dal testo di Roberta Semeraro)

Il progetto "Ritratti d'autore" è nato dall'intento di mettere in relazione due mondi spesso associati ma allo stesso tempo contrastanti. Fin dai tempi più remoti, infatti, l'arte riveste un ruolo rilevante nella psichiatria e questo per varie ragioni a noi note. Quella comunemente definita arteterapia è un'esperienza clinica che pone al centro della sua pratica il fenomeno espressivo. È una tecnica molto utile, in uso sia nelle terapie dell'infanzia e dell'adolescenza sia nelle psicosi e nei disturbi di personalità nell'età adulta. Disegnare, usare i colori sui fogli, costruire forme, sono modalità espressive più semplici e più facili da realizzare rispetto alle parole e alla formazione di un discorso, e quindi, portano l'individuo ad esprimersi in maniera più spontanea. La produzione artistica, infatti, è dimostrato, ha effetti positivi sui pazienti affetti da disagio mentale e psicosi di diverso genere. l progetto si è proposto di abbattere la barriera che separa i pazienti dal mondo esterno attraverso la realizzazione di una scultura, una fotografia o un dipinto. Questo perché comprendere l'individuo con determinate problematiche non è facile ma fare in modo che lo stesso...

Classe '80, nata e ancora oggi residente a Tehran, Gohar Dashti è testimone di un periodo tra i più critici della storia recente di questo Paese (Iran, ndr). Con la sua arte si fa portavoce di una generazione che ha dovuto affrontare tragedie collettive diventate presto dolorose storie personali. Mentre Gohar nasceva, l'Iran veniva travolto dalla Rivoluzione Islamica, ribaltando violentemente il modello sociale e religioso di allora, a favore di un governo fondato sulla rigida regola coranica. Mentre muoveva i suoi primi passi invece, si consumava la sanguinosa Guerra Iran-Iraq (1980-1988), otto anni durante i quali persero la vita oltre ottocentomila giovani martiri. L'arte di Gohar Dashti, fortemente influenzata dalle tracce di questo passato, non può che essere letta in relazione a tali esperienze personali. La sua è una narrazione che si spinge verso una poetica che trasforma la vita in arte, raccontando la vulnerabilità e l'inquietudine intima di una generazione ferita dalla storia.

"In questo clima tra disincanto e speranza, la collettiva Selva obscura vede diciannove artisti che sfruttano media e linguaggi molto diversi ma sono accumunati dalla centralità della Natura, madre o matrigna, nelle loro opere. Possiamo definirli tutti parte di un movimento neopanteista: la natura avvolge ogni aspetto della realtà umana, come un unico principio superiore che domina il ciclo della vita nel suo incessante moto di creazione e distruzione." (Giovanni Cervi)

"A livello culturale il supereroe non è nulla di più che l'evoluzione dell'eroe mitologico: con questo infatti condivide alcune caratteristiche, quali la natura ibrida o sopranaturale - cos'è Kripton se non un metaforico Olimpo e l'Uomo Ragno o Batman se non moderne incarnazioni di personaggi mitologici dove l'umano si fonde con l'animale? - e come questo associa ad una prestanza fisica sovrumana, in seno alla kalokagathia, un alto profilo morale. In occidente, per esempio, Marte, San Rocco, Capitan America potrebbero essere inseriti, in successione, sulla medesima linea evolutiva afferente alla già citata prassi della 'sovrapposizione del culto', a differenza da quanto accade in oriente dove lo shintoismo dona, senza intermediari, alla realtà manga un enorme patrimonio di riferimenti e di rimandi non solo iconografici. Proprio lo sdoganamento attuato dalla cultura giapponese, veicolata dall'esperienza di Takashi Murakami e della Kai kai kiki, apre nuove strade e nuove vie di lettura dell'icona di derivazione fumettistica." (Igor Zanti)

"Nella ricerca di Vincenzo Marsiglia si riuniscono due categorie che la tradizione occidentale ha spesso contrapposto l'una all'altra: l'arte e la tecnica, di cui il digitale costituisce l'attuale forma di realizzazione. Nella sua opera si riconosce il legame inscindibile tra arte e tecnica che implica la necessità, da un lato di una materia sempre presente per costituire la forma artistica, dall'altro di una tecnologia che fornisce una nuova piattaforma estetica ed espressiva. Come affermava McLuhan, "gli artisti raccolgono il messaggio della sfida culturale e tecnologica decenni prima che essi comincino a trasformare la società" (McLuhan 1964). Nell'opera di Vincenzo Marsiglia si può dunque riscontrare una duplice funzione: anticipare i nuovi scenari sociali che le tecnologie concretizzano e mediare tra i vecchi e i nuovi scenari." (Tratto dal testo Vincenzo Marsiglia. Mapping the Stars di Chiara Canali)

"Non sempre l'apparenza e l'essenza delle cose coincidono in maniera esteriore; a volte una rappresentazione fantastica cela un'aderenza al reale che un'immagine fotografica nemmeno riesce a sfiorare, nonostante l'impegno che mette nella simulazione esteriore. D'altro canto, una giornata grigia, non è necessariamente triste o nebbiosa, ma possiamo trovare in essa il tepore rassicurante di un'intimità che i colori ci impedirebbero di cogliere: Marco Demis prende per mano una surrealtà intima, quella dei sogni, dove non è necessario accadano cose improbabili, perché la deviazione è innescata da un semplice oggetto fuori posto. Realtà e surrealtà vengono combinate in modo da ottenere una composizione equilibrata ed esteriormente verosimile dinanzi alla quale è impossibile non abbandonarsi ad un viaggio che non necessita della ragione." (Dal testo "Una giornata grigio Demis" di Viviana Siviero)