Electa: CATALOGHI DI MOSTRE

All'interno di una produzione vastissima che abbraccia pittura, scultura, disegni e architettura, il libro mette a fuoco la realtà dei wall drawings, i dipinti murali realizzati dall'artista e dai suoi assistenti in Italia. L'indagine meticolosa condotta in musei, spazi pubblici aperti e chiusi come pure in gallerie e dimore private ha portato alla luce una produzione vastissima e sorprendente di oltre 200 esemplari, dai primi dipinti nel '69 sui muri della galleria "L'Attico" di Roma all'ultimo del 2010. Linee, archi, bande, figure geometriche piatte, piramidi, zig­zag, intrecci, allacci e intarsi, bianchi e neri o coloratissimi, dinamizzano e rallegrano architetture anonime, palazzi principeschi, chiese e cappelle rurali come quella della Santissima Madonna delle Grazie in località La Morra d'Alba in Piemonte, oggi nota come chiesa del Barolo. Il volume conterrà: un saggio introduttivo a firma di Adachiara Zevi, curatrice della mostra e del volume; l'ultima intervista rilasciata dall'artista alla curatrice, ancora inedita; la documentazione completa dei wall drawings realizzati da LeWitt in Italia; apparati bio­bibliografici.

Il catalogo rende conto di una mostra complessa e articolata che ha l'ambizione di scardinare finalmente gli stereotipi dell'opinione diffusa sui Romani: un popolo violento, razzista, teso ad esercitare e a rafforzare il proprio dominio, allo sfruttamento delle altre genti, alla repressione del dissenso politico e delle religioni dissonanti con quella di Stato. Dai testi epigrafici, dall'attenta disamina delle fonti storiche e letterarie greche e latine, dalle testimonianze archeologiche e dai documenti dell'arte finalmente spiegati scopriamo che i Romani non erano sensibili alla purezza della stirpe, visto che fin dalle origini la loro era stata una Città aperta all'integrazione. I saggi contenuti nel volume sono numerosi, brevi e avvincenti nella scrittura perché pensati per un pubblico più vasto di quello degli specialisti e dei cultori della materia. L'apparato iconografico è molto ricco e illustra sia le numerose opere in mostra sia le iscrizioni e i monumenti più significativi in questo ambito socio­politico e culturale.

Dopo il primo lungo viaggio in Italia, tra il 1901 e il 1902, Paul Klee ritornò più volte nel nostro paese: in Sicilia nel 1924 e nel 1931, all'isola d'Elba nel 1926, a Viareggio nel 1930 e, infine, nel 1932 a Venezia. Durante questi viaggi visitò anche Milano, Genova, Padova, Firenze, Ravenna, Pisa, l'amata Napoli. Ogni città fu di ispirazione per nuovi spunti di studio e in alcuni casi determinarono anche svolte stilistiche, come la fase pointilliste suggeritagli dalla visione dei mosaici bizantini di Ravenna. Ideati direttamente sul posto o creati al rientro in Germania, i "lavori italiani" sono una settantina e si presentano ora in termini astratti ed evocativi, ora di topografica esattezza. Molte di più, tuttavia, sono le opere di Klee nate sotto la spinta delle impressioni, delle riflessioni e dei ricordi suscitati dalla natura e dalla storia italiana. Quattro sono i punti che riassumono l'Italia nella visione di Klee: natura, architettura, classicità e musica, ossia le fonti della sua arte, le basi dei processi creativi e degli sviluppi propriamente tematici della sua opera. Il catalogo presenta le circa 70 opere in mostra, molte immagini di confronto, una selezione di documenti fra cui alcune lettere che Paul Klee scrisse alla moglie dall'Italia, in parte qui tradotte per la prima volta. Chiude una selezione di testi critici a firma di Argan, Ponente e Zahn a conferma delle fortuna critica dell'artista.

Il catalogo si articola attorno a quattro stagioni della produzione in Italia: l'eredità del pensiero di Adriano Olivetti, quella della "soggettività individuale" a seguito dell'industrializzazione, il decentramento produttivo collegato al territorio e l'attuale architettura del Made in Italy (con oltre 100 schede dedicate alle imprese italiane che con le loro realizzazioni hanno interpretato in modo innovativo la responsabilità imprenditoriale, dalla Ferrari di Maranello al Kilometro Rosso di Bergamo, dagli stabilimenti Prada ai Laboratori Guzzini). E infine l'orientamento verso la green economy, con il Padiglione Italia per la prima volta allestito in modo ecosostenibile e alimentato da sole, acqua e watt pedalati dai visitatori, prototipo di un'architettura possibile tra paesaggio, ambiente e produzione.

Il catalogo si inscrive nella serie di pubblicazioni di Palazzo Grassi concepite secondo il principio della realizzazione di interviste inedite tra autori/curatori e gli artisti presenti nell'ambito di queste esposizioni come ad esempio le coppie François Quintin/Mircea Cantor, Alexandre Kazerouni/ Abdulnasser Gharem oppure Nida Ghouse/Hassan Khan. Tra i lavori presentati spiccano artisti apprezzati da sempre dal grande collezionista come Adel Abdessemed, Caroline Bourgeois, Bill Viola e Bruce Nauman. Non mancano scoperte più recenti (in particolare artisti provenienti dall'area geografica non occidentale) nell'intento sempre rinnovato di "moltiplicare i punti di vista sulla collezione, confrontarla con diversi riferimenti, esplorarne le direzioni meno note, più inattese, più apparentemente contraddittorie".

Tutti i titoli di Warhol: la miriade di lavori che l'artista ha tratto dai tabloid e da altri mezzi di comunicazione viene qui esaminata per la prima volta come un corpus coerente. Ossessionato dalla notizia, Andy Warhol ha celebrato l'evento sensazionale come la banalità del quotidiano. Scegliendo i titoli dalle pile di quotidiani e materiali che passava al setaccio ogni giorno, l'artista ha realizzato un insieme di opere di grande impatto in cui la sua biografia si intreccia con le notizie sulle celebrità e i disastri. Questi headline works, realizzati in formati diversi - opere in due e tre dimensioni, ma anche film, video e produzioni televisive - registrano in tempo reale i grandi cambiamenti delle tecnologie utilizzate dai mezzi d'informazione dagli anni cinquanta al 1987, anno della morte dell'artista. Il presente volume accompagna una mostra che attraverso oltre 80 opere documenta tutte le fasi della carriera di Andy Warhol. Il percorso espositivo inizia con i primi disegni e dipinti tratti dai titoli dei giornali, continua con le serigrafie, le stampe, le fotografie e le opere su supporto elettronico e si conclude con i lavori eseguiti in collaborazione con Keith Haring e Jean-Michel Basquiat. Attraverso i contributi illuminanti degli autori dei saggi, le riproduzioni degli headline works, delle fonti da cui sono tratti e di esempi degli album privati in cui Warhol conservava i suoi ritagli, questo volume dimostra tutta l'efficacia della pratica artistica di Andy Warhol.

Con il contributo di professionisti, teorici e critici internazionali questo volume mette in risalto a 360 gradi l'impatto del fenomeno attraverso l'arte e il design. Documenta e approfondisce l'influenza sviluppata sull'architettura, gli interni, l'urbanismo; sulla produzione, la grafica e l'arredamento di design; sulla moda e l'industria dello stile; oltre alla fotografia, sui film, la televisione e i video da MTV a Grace Jones, da White Noise a Bladerunner, da Thierry Mugler a Comme des Garçons.

Si aprono gli archivi e i depositi del Museo per raccontare, ad esempio, lo scandalo suscitato dall'acquisizione di un'opera di Burri nel 1959, che provocò un'interrogazione parlamentare, o ricostruire il contesto e le relazioni che portarono ad acquisizioni di inestimabile valore come la serie di opere di Pascali, Medardo Rosso, Capogrossi e molti altri. Nuclei che da soli descrivono l'intera parabola di un artista. Un racconto ricco di notizie e curiosità, filologicamente documentato e illustrato dall'inedito materiale dell'immenso archivio della Galleria: fotografie dell'epoca, documenti autografi, inviti, rassegna stampa, documentazione di allestimenti di mostre, testimonianze, nonché dalle immagini degli scenografici allestimenti che si succederanno negli spazi della Galleria. Cuore del libro saranno le grandi collezioni monografiche della Galleria, qui considerate nella loro completezza, includendo le opere esposte e le opere conservate nei depositi; ciascuno di questi nuclei sarà corredato da una scheda critica, dal regesto delle opere e della ricca documentazione presente negli archivi. Ogni volume avrà un saggio critico di approfondimento inerente a strumenti e problematiche riguardanti la storia del collezionismo della Galleria, quali: i depositi, il restauro, la conservazione, gli archivi e molto altro. Inoltre, ad uno scrittore o critico d'arte sarà affidato un testo di memorie e aneddoti: nel primo volume il filo dei ricordi sarà quello di Lorenza Trucchi...

"...l'impetuosità di Fazzini, l'analisi di Boccioni e la sintesi di Fontana, la meditazione di Licini e la spontaneità di Leoncillo, la costruzione dei Melotti e la sensazione di Novelli assunti come valori che debbono concorrere all'articolazione logica di quell'unità funzionale che è la scultura." Così Giuseppe Appella descrive l'opera dell'artista e amico Giacinto Cerone. Nato a Melfi nel 1957, dove esordisce con mostre e performance, l'artista manterrà un costante legame con la regione d'origine pur trasferendosi definitivamente a Roma nel 1984. Scompare prematuramente nel 2004 interrompendo una ricerca rivolta alla continua sperimentazione di tecniche e materiali - dai gessi alle ceramiche, dal marmo al legno, fino alle più audaci combinazioni con materiali industriali, quali il moplen, il polietilene e il silicone - con i quali ha da sempre instaurato un rapporto emotivo e fisico. Attraverso una significativa selezione di lavori, il catalogo offre l'occasione di conoscerne l'intera opera dal percorso indipendente, oscillante tra suggestioni concettuali e fisicità espressiva e quindi difficilmente collocabile all'interno di correnti e movimenti delineati.

Il volume è il catalogo della mostra di Venezia (Palazzo Grazzi, 2 giugno 2011 - 31 dicembre 2011). L'esposizione mette in discussione i limiti tradizionali della geografia e dell'arte e il nostro rapporto tra l'altro e il mondo. Le opere esposte sono di diciotto artisti - Ahmed Alsoudani, Sergey Bratkov, Bouabré Bruly, Matthew Day Jackson, El Anatsui, Nicholas Hlobo, Thomas Houseago,Huang Yong Ping, Kami, Friedrich Kunath, Boris Mikhailov, Farhad Moshiri, Giuseppe Penone, Rudolf Stingel, Sun Yuan e Peng Yu, Ufan Lee, Yang Jiechang, Zhang Huan - provenienti da tutto il mondo, Francia, Stati Uniti, Germania, Italia, ma anche Sudafrica, Iran, Romania, Ucraina, compresi i Paesi al di fuori dei circuiti artistici ufficiali quali l'Iraq, il Kosovo, l'Ucraina, la Costa d'Avorio e il Ghana.

Il volume è il Catalogo della mostra di Roma (MAXXI, 4 marzo - 15 agosto 2011).

La descrizione delle opere, accompagnata da un'ampia galleria fotografica e dalle testimonianze degli autori coinvolti, si iscrive in un discorso teorico e narrativo più ampio: dall'identità storica del luogo, che coniugava in maniera esemplare una produzione industriale di eccellenza con un progetto di città utopica, luogo di sperimentazione di modelli sociali e compositivi, ai paesaggi messi in scena nella mostra "Terre Blu landscapes", che ripercorrono le ricerche sui rapporti di reciprocità tra design per l'abitare e per il territorio, alle qualità performative e ai nuovi orientamenti del design emersi dal convegno, come cultura progettuale che elabora strategie e strumenti "open innovation" nello scenario post-industriale.