Silvana: Cataloghi di mostre

Il volume racconta lo straordinario percorso artistico di Dosso Dossi, eccentrico pittore del Rinascimento italiano, autore, insieme al fratello Battista, di celebri affreschi nelle sale del Magno Palazzo del Castello del Buonconsiglio di Trento. Una fama, quella dei fratelli Dossi, immortalata nelle rime di Ariosto, che nel XXXIII canto dell'Orlando Furioso li ricorda al pari di Leonardo, Michelangelo, Raffaello. Nel catalogo sono messi a confronto magnifici dipinti dosseschi provenienti da importanti collezioni italiane e straniere - Uffizi, Palazzo Pitti e Fondazione Longhi di Firenze, Galleria Estense di Modena, Pinacoteca di Ferrara, Collezione Cini di Venezia, Pinacoteca di Brera di Milano, Galleria Borghese di Roma e castello di Wawel di Cracovia - con opere dei grandi maestri del Rinascimento, da Tiziano a Michelangelo, da Giorgione a Raffaello, con l'intento di illustrare la particolare inventiva delle sue meravigliose creazioni, in cui storie sacre e mitologiche si intrecciano con intelligente ironia e divertimento.

Nel cinquantesimo anniversario della scomparsa di Giorgio Morandi (Bologna, 1890-1964), questo volume intende rievocare il lungo sodalizio che unì il pittore al critico d'arte Roberto Longhi, attraverso opere e documenti appartenenti alla fondazione Longhi e alla collezione Merlini. Nati entrambi nel 1890, Morandi e Longhi strinsero amicizia a Bologna, dove l'uno viveva e l'altro insegnò dal 1934. Il loro rapporto, consolidato da incontri e fitti carteggi proseguiti anche dopo la guerra, fu improntato a una profonda e reciproca ammirazione. Sarà proprio Longhi, che già aveva consacrato ufficialmente il pittore eleggendolo "uno dei migliori pittori viventi d'Italia", a ricordare il grande pittore al momento della sua scomparsa, durante la trasmissione televisiva "L'Approdo", registrata nel giugno 1964. Nel volume, che ripercorre le vicende dei due protagonisti, sono presentate una serie di opere di Morandi appartenute a Longhi, insieme ad altre provenienti dalla Collezione Merlini, alcune delle quali inedite.

All'artista portoghese Julião Sarmento (Lisbona, 1948) è dedicato questo volume, che intende ripercorrere le principali tappe della sua lunga e intensa esperienza artistica. Dalle prime opere realizzate alla fine degli anni settanta, che ruotano intorno al tema della figura femminile e dell'oggetto, si arriva ai lavori più recenti, come il trittico White Veil - appositamente realizzato per l'esposizione alla Gam di Torino, organizzata a oltre 15 anni dalla sua prima ed unica mostra italiana ospitata a Bologna nel 1998 - che trae apertamente ispirazione dal lavoro di Giorgio Morandi e di Sol Lewitt, artisti apparentemente distanti ma in cui Sarmento riconosce quella solida coerenza formale da lui stesso perseguita. I testi critici accolti nel volume, di Danilo Eccher e Riccardo Passoni, rispettivamente direttore e vicedirettore della GAM di Torino, e dei critici portoghesi Alexander Melo e Sergio Mah, offrono una lettura critica della sua produzione, che ha contemplato negli anni differenti mezzi espressivi, quali la fotografia, la pittura - riscoperta all'inizio degli anni Ottanta - il video e la scultura. Il volume è completato da apparati biografici.

Un tempo l'abito faceva il monaco, il metalmeccanico, l'avvocato... Un tempo l'abito era la rappresentazione immediata del ruolo che occupavamo nel mondo e dell'immagine che il ruolo trasmetteva. Nel racconto biblico, tuniche di pelle per ricoprirsi vennero date da Dio all'uomo, come protezione ma anche per segnare la sua condizione. L'attuale centralità dell'individuo ha profondamente mutato il senso di ciò che indossiamo: la funzione sociale svanisce e l'abito assume soprattutto il valore dell'espressione individuale, diventando travestimento e forma dei nostri pensieri. Se prima era l'immagine che il mondo ci attribuiva, oggi è l'immagine di ciò che noi vogliamo essere nel mondo. Questa riflessione socio-antropologica proposta nel volume è accompagnata dalle riproduzione di quaranta abiti da lavoro ideati, con creatività e ironia, da famosi progettisti di tutto il mondo. Stilisti: Afran, Rodrigo Almeida, Alberto Aspesi, Gentucca Bini, Denise Bonapace, Andrea Branzi, Nacho Carbonell, Klaudio Cetina, Cano, CoopHimelb(l)au, Dea Curic, Nathalie Du Pasquier, Elio Fiorucci, Matteo Guarnaccia, Nuala Goodman, Daniele Innamorato, Mella Jaarsma, Toshiyuiki Kita, Guda Koster, Colomba Leddi, Antonio Marras, Franco Mazzucchelli, Alessandro Mendini, Angela Missoni, Issey Miyake, Amba Molly, Frédérique Morrel, Margherita Palli, Lucia Pescador, Bertjan Pot, Clara Rota, Andrea Salvetti, Nanni Strada, Tarshito, Faye Toogood, Otto von Busch, Vivienne Westwood, Allan Wexler, Erwin Wurm...

Il volume accompagna una personale di Turi Simeti, che presenta sette tele di grande formato degli ultimi decenni. Esponente della pratica delle cosiddette tele sagomate, o "shaped canvases", Simeti ha elaborato una propria inconfondibile cifra formale, che trova nel motivo della forma ovale aggettante lo spunto per riflettere sui fondamenti della pittura. Il volume è introdotto da un testo di Luca Tommasi.

Il volume ripercorre la carriera pittorica di Piero Dorazio (Roma, 1927 Perugia, 2005), protagonista del panorama artistico italiano della seconda metà del Novecento. Fondatore del gruppo "Forma 1" nel 1947, Dorazio si è affermato in Italia e all'estero, grazie a una intensa e costante attività espositiva. Il catalogo, che accoglie i testi di Achille Perilli e di Luciano Caprile, è completato da un'antologia e da apparati biografici.

Il volume è frutto della prima indagine sistematica sulle opere appartenenti all'Archivio Ignazio Moncada, compiuta con l'intento di mostrare alcuni aspetti della produzione del pittore di origine siciliana, considerato uno dei maggiori artisti italiani del secondo dopoguerra. Ignazio Moncada (Palermo 1932 - Milano 2012), nel corso di circa sessant'anni di attività, ha esplorato in diverse direzioni le possibilità del colore e della composizione, operando per serie di opere chiaramente scandite in momenti successivi, qui documentate. Dalle opere giovanili (1953-1956), ai fixés su vetro (1960-1965), dalle esplorazioni geometriche e cromatiche della seconda metà anni '60, agli interventi pubblici di grandi dimensioni degli anni ottanta e novanta, fino alle opere realizzate a cavallo del millennio, che riflettono una luce e una memoria "mediterranea". Il volume, con un testo del curatore, è completato da apparati biobibliografici.

Il volume presenta per la prima volta le opere di 21 esponenti delle ultime generazioni dell'arte estone e finlandese, accomunati da una profonda riflessione sul tema dell'identità. Pur appartenendo a differenti aree geografiche - scandinava e baltica - gli artisti hanno sviluppato punti di vista simili e complementari, condizionati da vicinanze etniche e linguistiche, e soprattutto da una storia a tratti comune che ha visto le due nazioni sottostare, seppure con diverse modalità, all'influenza dell'ex Unione Sovietica, con conseguente necessità di riaffermare e ridefinire le rispettive identità nazionali Artisti estoni: Reio Aare, Flo Kasearu, Paul Kuimet, Eva Labotkin, Tanja Muravskaja, Kristina Norman, Mark Raidpere, Eva Sepping, Liina Siib, 10x10 meters. Artisti finlandesi: Adel Abidin, Aino Kannisto, Riikka Kuoppala, Mikko Kuorinki, Antti Laitinen, Liisa Lounila, Nelli Palomäki, Anna Rokka, Jani Ruscica, Pia Sirén, Pilvi Takala.

La pittura di Antonio Nunziante (Napoli, 1956) in tutte le sue declinazioni, è una pittura d'inquietudini superate tramite le sole "armi" a sua disposizione: la storia dell'arte e il fare arte. Da un lato l'opulenza dei riferimenti artistici, la natura rigogliosa e invitante, i colori caldi e le luci teatrali da Raffaello, dal Cinquecento lombardo, da Caravaggio e dai fiamminghi, dall'altro l'essenzialità assoluta del Rinascimento fiorentino e della Metafisica. Questo volume, edito in occasione di una personale dell'artista, presenta un'importante selezione di opere, che consentono di indagare l'arte di uno dei pittori figurativi contemporanei più apprezzati in Italia e all'estero. Il volume accoglie un testo di Anita Valentini e contributi di Philippe Daverio e Cristina Acidini.

Una delle sfide più appassionanti affrontate negli ultimi anni dal Museu Nacional de Arte Antiga di Lisbona ha avuto come oggetto di riflessione l'analisi del patrimonio museale dalla parte dell'architettura, che, da contenitore, solo di rado viene considerata contenuto; parallelamente, tale riflessione si è spinta a riconoscere nelle altre discipline artistiche (pittura, scultura, arti decorative) un percorso rilevante sia per la storia dell'architettura, sia per quella di altri ambiti di creazione artistica, in un viaggio dai molteplici significati. Sulla scia di queste suggestioni, il volume propone un'indagine su come e con quali occhi pittori, scultori, orafi, ricamatori e scenografi portoghesi abbiano guardato al vocabolario architettonico per trovare un ordine e una gerarchia tra le cose, per trasmettere valori simbolici e sociali, per dare corpo a sogni e illusioni e inventare spazi di pura immaginazione.

La figura e l'opera di Rocco Genovese (Trapani 1925 - Lavinio 1981) meritano un'attenta rivisitazione, se non addirittura una riscoperta. Architetto, amico di Ettore Colla e di Alberto Burri nella Roma degli anni cinquanta, scopre la sua vocazione plastica verso la fine di quel decennio e la sviluppa pienamente tra la metà degli anni sessanta e i settanta. A partire da un modulo di sapore architettonico, elabora una scultura astratta fatta di elementi bidimensionali sovrapposti, sino a raggiungere una corposa tridimensionalità, utilizzando tra l'altro materiali plastici come il polimetacrilato, per ritornare poi al multistrato ligneo, che conferisce ai suoi "personaggi" (negli anni settanta le sue sculture si riferiscono a personaggi mitologici, pur rimanendo sostanzialmente aniconiche) l'idea della scultura classica, mediata dalla novità della materia. Un saggio storico-critico di Marco Meneguzzo e una serie completa di apparati, restituiscono con questo volume Rocco Genovese alla storia dell'arte italiana recente.

Storico dell'arte e architetto, ma anche museologo, collezionista e uomo politico, Luca Beltrami (Milano 1854 - Roma 1933) fu personaggio di grande rilievo nell'Italia postunitaria e dei primi decenni del nuovo secolo. Il volto della città di Milano cambiò radicalmente, tra fine ottocento e inizi novecento, grazie ai suoi numerosi interventi di costruzione e rifacimento di importanti edifici. Primo fra tutti il Castello Sforzesco che, in procinto di essere abbattuto quale simbolo ormai superato di un'antica dominazione, fu salvato e restituito alla città grazie alla ricostruzione da lui fortemente voluta e condotta tra il 1893 e il 1911, che lo ha trasformato in luogo di conservazione dell'arte e del sapere. Proprio il castello custodisce oggi i materiali di studio - libri, manoscritti, disegni, incisioni, fotografie - che Luca Beltrami raccolse nel corso della sua lunga carriera e che, sottoposto a recente attività di catalogazione e di studio, ha restituito nuovi spunti di approfondimento sulla sua figura e sulla sua opera.