Taschen: Basic Art

Irrompendo su una scena dominata dall'espressionismo astratto nella New York dei tardi anni '50 e definendo un nuovo lessico artistico, il pittore statunitense Roy Lichtenstein (1923–1997) inaugurò una nuova epoca dell'arte americana. Grazie a uno stile pionieristico che mescolava tecniche di produzione industriale a immagini banali e ordinarie come cartoni animati, fumetti e pubblicità, Lichtenstein si unì alla schiera di artisti contemporanei, tra cui Andy Warhol e James Rosenquist, che rispecchiavano e satireggiavano i mass media e la cultura consumista statunitense. In opere come Look, Mickey! (1961), Drowning Girl (1963) e Whaam! (1963), l'artista utilizzò tecniche di produzione di massa (in particolare, il metodo di stampa a puntini Ben-Day) per creare un effetto esplosivo e quello stile pixellato di cui Lichtenstein è diventato sinonimo. Questo volume fornisce una panoramica essenziale della carriera di Lichtenstein, dalle prime affermazioni pop alle risposte “a colpi di pennello” all'espressionismo astratto e alle reinterpretazioni di capolavori contemporanei degli anni successivi, mettendo in luce il ruolo fondamentale ricoperto da Lichtenstein nel modernismo della metà del secolo e le modalità con cui le sue opere criticano e documentano al tempo stesso l'America del Novecento.

Scopriamo le scene di vita quotidiana e le delicate macchie di colore che hanno sconcertato gli ambienti artistici influenti. Questa introduzione all'impressionismo pubblicata da Taschen nella collana Basic Art esamina gli artisti, i temi e le tecniche che hanno portato per la prima volta il cavalletto fuori dallo studio spostando l'attenzione dalla ritrattistica e dai soggetti storico-religiosi all'evanescente fluire della vita moderna. In un viaggio attraverso i teatri, i bar e i parchi di Parigi e non solo, il libro esamina le radicali innovazioni apportate dal movimento sul piano tematico e stilistico, dal principio della pittura en plein air alle pennellate rapide e irregolari che permisero agli impressionisti di mettere in risalto la spontaneità, il movimento e le qualità cangianti della luce. Le splendide riproduzioni offrono inoltre uno sguardo ravvicinato sulle insolite prospettive inedite ricercate dagli impressionisti e sull'originale tavolozza di colori puri e non miscelati cui facevano ricorso, come le numerose tonalità accese e vivaci che hanno impresso alle tele un'intensità cromatica senza precedenti. Pagina dopo pagina, riconoscerete i nomi più affermati dell'impressionismo, come Edgar Degas, Claude Monet, Berthe Morisot e Camille Pissarro, come pure molti altri artisti meritevoli di maggiore attenzione, tra cui Marie Bracquemond, Medardo Rosso e Fritz von Uhde.

Henri Rousseau (1844–1910) lavorava come impiegato all'ufficio comunale del dazio di Parigi, sognando di diventare un artista acclamato. All'età di 49 anni decise di fare un tentativo. All'inizio, i suoi dipinti dai colori sgargianti e le pennellate decise che ritraevano la flora e la fauna di giungle esotiche furono respinti perché considerati infantili e semplicistici, ma il suo stile unico e tenace incontrò presto il favore del pubblico. A partire dal 1886, Rousseau espose regolarmente le sue opere presso il prestigioso Salon des Indépendants di Parigi, mentre nel 1908 Picasso organizzò un leggendario banchetto in suo onore. Malgrado sia conosciuto soprattutto per i panorami tropicali, Rousseau in realtà non lasciò mai la Francia, limitandosi a trarre ispirazione da libri e riviste, dalle visite ai musei di storia naturale e dagli aneddoti che i suoi conoscenti nell'esercito raccontavano quando tornavano in patria. Per le sue tele a olio, l'artista preferì una tavolozza vivace, contorni nitidi e una sensualità languida e lussureggiante, com'è evidente nel nudo sdraiato tra le foglie nel dipinto Il Sogno. Oggi, quello di Rousseau è un nome affermato della storia dell'arte, al pari di altri maestri del post-impressionismo come Cézanne, Matisse e Gauguin. Questa affidabile introduzione firmata Taschen analizza le cause del successo di un artista dal talento tardivo e la sua eredità di eroe improbabile del modernismo.

Henri Rousseau (1844–1910) lavorava come impiegato all'ufficio comunale del dazio di Parigi, sognando di diventare un artista acclamato. All'età di 49 anni decise di fare un tentativo. All'inizio, i suoi dipinti dai colori sgargianti e le pennellate decise che ritraevano la flora e la fauna di giungle esotiche furono respinti perché considerati infantili e semplicistici, ma il suo stile unico e tenace incontrò presto il favore del pubblico. A partire dal 1886, Rousseau espose regolarmente le sue opere presso il prestigioso Salon des Indépendants di Parigi, mentre nel 1908 Picasso organizzò un leggendario banchetto in suo onore. Malgrado sia conosciuto soprattutto per i panorami tropicali, Rousseau in realtà non lasciò mai la Francia, limitandosi a trarre ispirazione da libri e riviste, dalle visite ai musei di storia naturale e dagli aneddoti che i suoi conoscenti nell'esercito raccontavano quando tornavano in patria. Per le sue tele a olio, l'artista preferì una tavolozza vivace, contorni nitidi e una sensualità languida e lussureggiante, com'è evidente nel nudo sdraiato tra le foglie nel dipinto Il Sogno. Oggi, quello di Rousseau è un nome affermato della storia dell'arte, al pari di altri maestri del post-impressionismo come Cézanne, Matisse e Gauguin. Questa affidabile introduzione firmata TASCHEN analizza le cause del successo di un artista dal talento tardivo e la sua eredità di eroe improbabile del modernismo. Nata nel 1985, la serie Basic Art è diventata la collezione di libri d'arte più venduta al mondo. Ogni libro della serie Basic Art di TASCHEN contiene: una cronologia dettagliata riassuntiva della vita e delle opere dell'artista, inserito nel contesto storico e culturale in cui è vissuto una biografia concisa circa 100 illustrazioni con didascalie esplicative.

Ritrarre sé stessi è una delle imprese più affascinanti e feconde in campo artistico. Questa raccolta riunisce alcuni dei più significativi esempi di autoritratto realizzati dal XV secolo ai giorni nostri per analizzare l'evoluzione di questo genere nel corso dei secoli come pure le eterne questioni del sé e della sua rappresentazione che assillano l'umanità da secoli prima dell'avvento dei social media e dei selfie. L'autoritratto d'artista è un mezzo di riflessione o è solo un abisso oscuro, il “falso specchio” del titolo attribuito dal pittore surrealista René Magritte al suo quadro del 1928 raffigurante un grande occhio? Quanto rivela l'autoritratto delle nozioni contemporanee di bellezza, potere e condizione sociale del suo autore? Da Albrecht Dürer a Egon Schiele, da Filippo Lippi a Frida Kahlo, questa vasta raccolta esamina i molti modi in cui gli artisti hanno ritratto sé stessi, la molteplicità delle prospettive e degli ingegnosi metodi utilizzati, nonché gli affascinanti interrogativi che questo genere artistico solleva.

Per Marc Chagall (1887–1985) la pittura era un intricato arazzo di sogni, fiabe e tradizioni. Il suo linguaggio visivo immediatamente riconoscibile, spesso considerato una delle prime espressioni dell'esperienza psichica, si è ritagliato una nicchia tutta sua all'inizio del XX secolo. Le tele di Chagall si caratterizzano per la pennellata abbondante, i colori carichi, una predilezione particolare per il blu e un repertorio di tropi ricorrenti che comprende musicisti, galli, tetti, fiori e innamorati che si librano nell'aria. A dispetto del loro fascino etereo, le composizioni di Chagall erano spesso ricche di riferimenti complessi, e oltre a intrecciare forme e colori mescolavano le origini ebraiche dell'artista agli incontri che gli capitava di avere a Parigi, i segni di fede ai gesti d'amore e i simboli di speranza alle testimonianze di un trauma. Analizzando scene di nascita, amore, matrimonio e morte, quest'affidabile introduzione all'artista esamina le tante versioni del ricco vocabolario di Chagall. Dalle vedute della nativa Vitebsk (nell'attuale Bielorussia) ai ritratti della Torre Eiffel, questo volume ci permette di esplorare l'estetica unica di uno dei maestri moderni più facilmente riconoscibili nonché di uno degli artisti ebrei più influenti di sempre.

Nelle grandi opere del Rinascimento italiano, sotto pesanti strati di foglia d'oro e simbologie religiose, si celano messaggi clandestini, miti nascosti e verità storiche. Nonostante il linguaggio arcaico della pittura storica le renda spesso poco chiare, queste immagini possono parlarci grazie ad analisi accurate e interpretazioni di esperti. Scopriamo i capolavori dell'epoca creativa più amata grazie a questa affascinante indagine storico-artistica. Tra scene di guerra, maternità, storie d'amore e tributi alla scienza, le opere del Rinascimento italiano hanno molto da dire a chi le sa osservare. Rose-Marie e Rainer Hagen fanno proprio questo: dissezionare uno per uno i 12 dipinti riprodotti nel volume come veri detective, per offrire una finestra illuminante sul passato. Dalla Creazione di Adamo di Michelangelo alla Battaglia di San Romano di Paolo Uccello, da San Girolamo nello studio di Antonello da Messina al Ritorno di Ulisse di Pinturicchio, le opere analizzate costituiscono una variegata rappresentazione delle geniali innovazioni rinascimentali e provengono dalle più importanti collezioni del mondo, tra cui la Galleria degli Uffizi, il Museo del Prado e la National Gallery di Londra.

Sin dalla sua partecipazione al gruppo New York Five, Richard Meier si è aggiudicato una commissione dopo l'altra, raggiungendo la vetta della celebrità all'interno del panorama architettonico mondiale. Dal Madison Square Garden a Shenzhen, Cina, il suo modernismo elegante e luminoso ha modellato alcuni tra gli edifici più raffinati e originali dei secoli XX e XXI. L'opera di Meier è variegata e, al contempo, di gran pregio. Durante la sua carriera l'architetto si è occupato di antichità romane (con il progetto del Museo dell'Ara Pacis), complessi balneari (Jesolo Lido Village), edifici amministrativi (Municipio di San Jose, California) e residenze private a Long Island. I tratti distintivi di Meier presenti in ogni suo progetto sono planimetrie studiate con estrema cura e l'uso intensivo di superfici bianche e vetrate. L'esterno dei suoi edifici si presenta così come una fonte luminosa, mentre l'interno appare un santuario dall'atmosfera limpida e intensa. Questa introduzione ripercorre l'intera carriera di Meier per analizzare la nascita di un architetto cult. Grazie all'abbondanza di immagini possiamo ammirare tutti i progetti più famosi, come il Getty Center di Los Angeles, nonché i lavori più recenti come l'OCT Shenzhen Clubhouse a Shenzhen e il Burda Collection Museum a Baden-Baden, in Germania.

A prima vista i modelli e i soggetti ritratti nei più celebri dipinti di nudo della storia non sembrano avere molto altro da dire... ma non lasciatevi ingannare: l'apparenza non è tutto in questi capolavori senza veli. Rose- Marie e Rainer Hagen ci svelano i segreti della carne, combinando analisi dettagliate con nitidi ingrandimenti di 12 opere iconiche appartenenti alla tradizione artistica. Che si tratti di racconti biblici a sfondo morale o di moderne raffigurazioni del piacere, opere come «Susanna e i vecchioni» di Tintoretto o la «Colazione sull'erba» di Manet offrono diverse visioni della bellezza naturale. I capolavori raccolti in questo volume sono presentati attraverso riproduzioni di altissima qualità degli originali conservati al Louvre, al Musée d'Orsay, agli Uffizi e in tanti altri musei. Dai dipinti che ritraggono tutta la grazia femminile, come «Venere allo specchio» di Velázquez, fino all'affascinante rappresentazione del decadimento del corpo di Hans Baldung in «Le tre età della donna e la morte», il tratto che accomuna questi dipinti è la loro capacità di raffigurare splendidamente la figura spogliata, sia nella vita che nella morte. Tramite questa indagine che analizza le opere di nudo per svelarne tutti i segreti, i dipinti si liberano della loro bidimensionalità e si infiammano di vita.

Scopri alcuni dei più straordinari capolavori dell'antico Egitto. Questo catalogo raccoglie sarcofagi, statue, pitture murali e altri tesori senza tempo di maestri sconosciuti dall'Antico Regno al periodo romano. Scopri perché queste gemme antichissime del patrimonio culturale mondiale sono esposte accanto ai capolavori di Michelangelo e da Vinci, da New York a Il Cairo.

August Macke è oggi considerato una figura di spicco dell'arte della Repubblica di Weimar e un pioniere della pittura espressionista. Con le sue interpretazioni della bellezza basate sul colore, Macke ha combinato sfaccettature dell'Impressionismo, del Post-Impressionismo e del Fauvismo in uno stile caleidoscopico e unico. Dalle allegre scene di parchi alla sua ultima grande opera, Farewell, scopri la vita di “Mister Color”.

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni (1475–1564) era un uomo rinascimentale tormentato, timorato di Dio e dotato di un talento prodigioso. I suoi numerosi successi in pittura, scultura, architettura, poesia e ingegneria coniugarono corpo, spirito e divinità in capolavori visionari che cambiarono per sempre la storia dell'arte. Il celebre biografo Giorgio Vasari lo considerava l'espressione più alta del Rinascimento, mentre i suoi contemporanei lo chiamavano semplicemente “il Divino”. Questa introduzione fondamentale a Michelangelo offre al lettore l'opportunità di apprezzarne tutti i maestosi capolavori senza ressa né code. Grazie a vivide illustrazioni e testi alla portata di tutti, esamineremo la straordinaria capacità di rappresentazione allegorica e la celebre terribilità dell'artista espressa nelle raffigurazioni di drammi umani e biblici di dimensioni e fervore irresistibili. Viaggiando tra i centri di potere dell'Italia rinascimentale, analizzeremo le principali commesse di Michelangelo e il suo straordinario talento per gli schemi compositivi, che si tratti della celebre Biblioteca Medicea Laurenziana a Firenze o dei magnifici 500 metri quadri di soffitto della Cappella Sistina (1508–1512). Dall'imponenza del David al doloroso lutto e alla fede della Pietà fino all'intensità drammatica del Giudizio universale, questo libro costituisce un testo di riferimento conciso e affidabile su un vero gigante della storia dell'arte e su alcuni dei più famosi capolavori al mondo.