Skira

A oltre settant'anni dalla nascita di Italmondo, azienda milanese fondata da Giacinto Chiesa nel 1953, prosegue il viaggio iniziato con La logistica è logica. L'azienda si racconta attraverso le interviste ai suoi attuali dirigenti, e applicando in parallelo una "lente" inconsueta nell'ambito dei trasporti e delle catene di approvvigionamento: la ricerca artistica. 5 artisti e 1 fotografo di diverse generazioni - Elizabeth Aro, Massimo Kaufmann, Silvio Pasotti, Zeno Peduzzi, Alessandro Pongan e Stefano Torrione - sono stati invitati a interpretare liberamente la logistica e le sue implicazioni rispetto agli immaginari sociali. Diversi linguaggi e diverse sensibilità si intrecciano portandoci in un mondo di cui non molto si sa all'esterno e in cui paiono regnare efficienza, finanza e tecnologia. Il volume si apre con un capitolo dedicato all'ultimo decennio, dall'espansione del business all'ingresso nell'e-commerce e alla creazione di Supernova, incubatore di nuove imprese. Contrariamente ai pronostici, il binomio fra arte e logistica stupisce e incanta.

Il libro propone un racconto inedito dell’arte italiana del Novecento, a partire dalle opere collezionate dalla Fondazione Guido ed Ettore De Fornaris di Torino nei suoi primi quarant’anni di attività, dal 1982. Ogni capitolo è incentrato su un tema rilevante del dibattito culturale a livello globale: il problema del monumento, il significato della materia in pittura, il concetto di rappresentazione. Gli argomenti sono indagati nel loro sviluppo storico attraverso le diverse generazioni di artisti documentate nella collezione, con particolare attenzione alle opere di Alberto Burri, Giorgio de Chirico, Arturo Martini, Giulio Paolini, Giuseppe Penone ed Enrico Prampolini.

Come si può racchiudere la dolcezza delle colline toscane, o l'esperienza di un giro in gondola nella suggestiva cornice della laguna veneta o ancora la teatralità dei carruggi di Genova attraverso un abito? La moda può farsi veicolo per comunicare identità, cultura e storia di un territorio? Italia di Moda ambisce a questo: comporre un ritratto corale della bellezza italiana, che non è uniforme, ma complessa, sfaccettata, profondamente umana. Italia di Moda è un viaggio visivo ed emozionale attraverso le regioni italiane, che unisce l'eleganza della moda alla potenza espressiva dei paesaggi, della cultura, dell'artigianato, del Made in Italy e dell'identità regionale. Ogni scatto è una narrazione, dove la modella si fonde con l'ambiente, interpretando lo spirito del luogo con stile e forza evocativa. Il progetto vuole valorizzare le bellezze del territorio italiano attraverso la lente del fashion editoriale, riscrivendo il concetto di bellezza in un dialogo con le radici culturali e naturali del Paese, senza limitarsi a vestire un corpo, ma scegliendo di raccontare storie, di trasmettere emozioni e di celebrare l'identità culturale italiana. Ogni capo diventa un messaggero di tradizioni, un simbolo di appartenenza e un invito a esplorare la ricchezza del nostro patrimonio. Indossare un abito non è solo un atto estetico, ma un gesto che riconnette l'individuo con le radici e il contesto in cui vive. Ogni creazione è ispirata da un luogo, un colore, una texture che richiama la nostra cultura, rendendo ogni indumento una vera e propria opera d'arte. Italia di Moda non è solo un progetto fotografico. È un atlante emozionale. Un viaggio che attraversa l'Italia non con una valigia, ma con lo sguardo. Una narrazione che intreccia i fili della moda con quelli della memoria, del paesaggio, della cultura viva. Non una semplice mappa, ma un racconto per immagini in cui la moda diventa il linguaggio attraverso cui leggere e reinterpretare l'identità profonda dei luoghi. Ogni scatto di Andrea Varani è una poesia visiva, un'ode a una terra che parla attraverso le sue forme, i suoi odori, le sue luci, e viene ascoltata - e indossata - da una donna che la attraversa e la incarna. La fotografia cattura l'essenza di un momento e crea un dialogo visivo tra la top model Ludmilla Voronkina, protagonista degli scatti e lo sfondo delle 20 regioni italiane.

Carmen Dell'Orefice ha iniziato la sua carriera a soli quattordici anni, quando è apparsa su Vogue. A quindici anni, Salvador Dalí le dedicò un ritratto. Da allora, Carmen è stata una figura di riferimento nel mondo della moda, collaborando con i più grandi fotografi di tutti i tempi, come Horst P. Horst, Richard Avedon, Lilian Bassman, Norman Parkinson e Francesco Scavullo. Nata a New York il 3 giugno 1931, è stata scoperta dal fotografo Irving Penn e presto è diventata una delle modelle più celebri. Conosciuta per la sua bellezza straordinaria e l'eleganza senza tempo, Carmen è apparsa sulle copertine di prestigiose riviste come Vogue e Harper's Bazaar. È considerata una delle modelle più longeve della storia della moda, avendo lavorato ininterrottamente per oltre 70 anni. Nonostante l'età, Dell'Orefice continua a essere un simbolo di grazia e raffinatezza, sfidando le convenzioni della bellezza nel mondo della moda. Nel corso della sua carriera, ha rappresentato brand di alto livello, sfilando nelle passerelle più prestigiose e ispirando molte generazioni di modelle. Il libro è un tributo a questa iconica modella americana, un'edizione moderna ed elegante, proprio come la donna che celebra. Fadil Berisha, fotografo e collaboratore di lunga data di Carmen Dell'Orefice, guida il lettore attraverso questa testimonianza della loro collaborazione creativa, concentrandosi su Carmen dai suoi 60 ai suoi 90 anni e sulle loro prolifiche collaborazioni professionali. Fadilis è l'ex fotografo ufficiale di Miss Universo, Miss USA e Rolex e nella sua carriera ha immortalato alcune delle donne e delle attrici più affascinanti del mondo, come Halle Berry e Sharon Stone, ma nessuna di loro ha mai battuto Carmen come musa e modella.

Giorgio Riva ci porta in un mondo fantastico in cui tutti gli dèi tornano al ruolo di archetipi umani e vivono in una sorta di presente continuo che trapassa le scadenze delle generazioni umane. Il racconto dei viaggi di Zeus attraverso i continenti procede indifferentemente al passato o al presente e si spinge in tempi futuri ma impazienti di avvenire. L'autore immagina che un ribelle spiritello egeo trovi i suoi interpreti negli archetipi di allora che ce l'hanno fatta ad arrivare fino a noi. Si apre così una giostra d'invenzioni in cui la fantasia incrocia immagini e parole, ricca e stimolante perché ciò che arriva dall'Egeo alla penisola italiana rappresenta la più alta articolazione del pensiero occidentale coi suoi canti, i dipinti, le sculture, le architetture. Il narratore converte ogni interrogativo nello spazio inter-temporale che è una prerogativa degli archetipi. E intraprende questo cammino perché avverte d'appartenere a una cultura che potrebbe aver perso per strada qualcosa di molto importante nell'esprimere liberamente onestà e bellezza. Nato a Milano nel 1933, Giorgio Riva compie qui gli studi classici e si laurea in architettura nel 1959. Assistente di Ernesto N. Rogers al Politecnico, esercita la professione di architetto nutrendo contemporaneamente i poliedrici interessi: pittura, scultura, musica, antropologia e linguistica. Accanto agli scritti teorici e alle sue Lezioni politecniche, conduce molteplici sperimentazioni sul piano artistico che hanno importanti esiti fra cui i foglio-plasma e gli xilo-plasma, le sculture luminose e le opere di pittura informatica fusa con il suono. Villa 3 Tetti di Sirtori, da lui progettata nel 1969, è divenuta oggi la sua Casa-Museo aperta al pubblico e centro di ricerca artistica.

Il volume fornisce un’esplorazione approfondita del significato storico e culturale della celebre mostra “these, antithese, synthese” che nel 1935 riunì i principali esponenti delle avanguardie artistiche dell’epoca, come Picasso, Braque, Arp, Ernst, Miró, Mondrian, Léger, Klee e Kandinskij. Il volume presenta saggi accuratamente studiati dai maggiori esperti accademici che esaminano il contesto storico-artistico, la provenienza delle singole opere e l’influenza della mostra, sia a livello nazionale che internazionale. Un elemento chiave della pubblicazione è il facsimile del catalogo originale della mostra del 1935, progettato con straordinaria modernità dal rinomato grafico Jan Tschichold. Realizzato in collaborazione con Norm, leader nel settore del design grafico e della tipografia, il progetto pone l’accento su una qualità eccezionale e su un design contemporaneo in tutti gli aspetti dei materiali di stampa, garantendo una pubblicazione che riflette l’innovazione e la raffinatezza del suo soggetto.

Tra il 1925 e il 1931 il fotografo Dante Bravo conduce, su commissione di Gabriele d'Annunzio, una serie di riprese fotografiche nel complesso monumentale del Vittoriale degli Italiani e nelle stanze della Prioria, allo scopo di documentare e testimoniare sia il procedere dei lavori di realizzazione del grande progetto della "Cittadella della memoria", dedicata alla vittoria italiana nel primo conflitto mondiale e alle imprese belliche del Poeta, sia l'allestimento di alcuni significativi ambienti della dimora dannunziana, tra i quali la Camerata di Gasparo, la stanza di Leda, il Cenacolo o stanza delle Reliquie, la stanza di Cheli. Di quella serie di scatti restano circa 180 stampe che vengono per la prima volta integralmente pubblicate in questo volume, organizzate in una sorta di ideale percorso che racconta la complessità e i significati dell'ultima opera poetica, e autobiografica, di Gabriele d'Annunzio.

Instancabile studioso, critico attivo sulla scena internazionale, curatore di mostre epocali, appassionato ideatore e autore di centinaia di pubblicazioni tra cataloghi e monografie, oltre che responsabile di importanti istituzioni internazionali negli Stati Uniti e in Italia, Germano Celant ha avuto un ruolo di spicco nel dibattito artistico contemporaneo con uno sguardo attento e innovativo che ha contribuito ad allargare i confini tra le diverse discipline creative. A lui sono state dedicate delle giornate di studio ideate dall'Accademia Nazionale di San Luca e a cura dello Studio Celant, che si sono tenute presso l'Accademia Nazionale di San Luca, il Castello di Rivoli Museo d'Arte Contemporanea, il Centro per l'arte contemporanea Luigi Pecci, la Fondazione Donnaregina per le arti contemporanee - Museo Madre, la Fondazione Giorgio Cini, la Fondazione Prada, il MAXXI - Museo nazionale delle arti del XXI secolo e la Triennale Milano. Questo volume racchiude gli interventi degli artisti, storici dell'arte, architetti e curatori che vi hanno preso parte. Oltre a costituire uno strumento di studio sull'attività di Germano Celant questo volume, che racchiude gli interventi di alcuni tra i maggiori artisti, storici dell'arte, architetti e curatori che vi hanno preso parte, intende non solo ripercorrere la sua intensa carriera, ma anche creare le premesse per sviluppare un'approfondita riflessione sul suo operato grazie alla partecipazione di artisti, critici, architetti, collezionisti, curatori, direttori di istituzioni con cui Celant ha collaborato nel corso di oltre cinquanta anni di lavoro.

Considerata una delle voci più rilevanti della scena artistica internazionale, l’artista portoghese Joana Vasconcelos vanta una carriera di oltre trent’anni ed è celebre per le sue sculture monumentali e installazioni immersive che trasformano oggetti di uso quotidiano in provocatorie opere d’arte. I suoi lavori – presenti in prestigiose collezioni come quelle di François Pinault, Louis Vuitton e della Fondazione Rothschild – spaziano dal quotidiano all’universale ed esplorano il confine tra l’arte e la vita di tutti i giorni. Transcending the Domestic presenta una selezione di installazioni dell’artista che evocano un senso di spiritualità e riflessione sulla condizione umana, tra le quali spiccano Tree of Life, Garden of Eden, Loft e Valkyrie Mumbet. Corredata di un ricco apparato di immagini, la monografia presenta un ampio saggio critico di Jonathan Jones e una conversazione di Edith Devaney con l’artista.

Questa monografia esplora il lavoro di Nico Vascellari, con particolare attenzione al progetto Pastorale, in cui l'artista indaga il potere rigeneratore della natura come simbolo di resilienza. Con questa inedita mostra site-specific, Vascellari trasforma la storica Sala delle Cariatidi di Palazzo Reale a Milano in un terreno di riflessione, dove memoria storica e immaginazione si fondono in un dialogo tra natura e violenza. Attraverso uno sguardo dal carattere antropologico, Nico Vascellari esplora infatti il legame tra l'uomo e la natura, intrecciando dimensioni personali e collettive con opere che spaziano tra performance, installazione, scultura, video e suono. Tra gli autori più interessanti della scena artistica italiana e internazionale, Nico Vascellari (1976) porta avanti una ricerca che affronta, sin dagli esordi, pratiche diverse e analizza tematiche legate alla natura e al suo rapporto con l'uomo, a fenomeni ancestrali e rituali, a folklore e tradizioni, contaminandole con una dimensione underground. Il progetto Pastorale trae ispirazione dalla storia della Sala delle Cariatidi, in particolare dagli eventi del XX secolo che ne causarono la quasi totale distruzione durante il bombardamento di Milano del 1943, e dalla successiva monumentale esposizione nel 1953 del celebre dipinto Guernica di Pablo Picasso. Corredato del contributo di Roberto Lacarbonara e Sergio Risaliti (Più espressione del sentimento che pittura dei suoni), il volume dedicato a Pastorale presenta le installation view della mostra milanese e una selezione di opere precedenti dell'artista.

Dedicato a Joel Meyerowitz (New York, 1938), uno dei protagonisti della scena fotografica contemporanea, e realizzato in collaborazione con il Joel Meyerowitz Photography Archive di New York, il libro presenta oltre novanta immagini organizzate per capitoli tematici; fotografie che hanno contribuito a ridefinire il concetto di street photography, all’interno del quale Joel Meyerowitz fa il suo ingresso introducendo l’uso del colore per interpretare e cogliere appieno la complessità del mondo moderno. A cominciare dagli anni sessanta, Meyerowitz emerge come uno tra i giovani fotografi d’avanguardia più interessanti di New York. La sua ricerca corre in parallelo con quella di altri grandi autori quali Robert Frank, Gerry Winogrand, Diane Arbus. L’arte di Meyerowitz si distingue per una peculiare capacità d’immedesimazione e d’immersione totale in ciò che il suo occhio vede e il suo obiettivo traduce in immagine. La cifra più caratteristica della sua fotografia si può definire con il termine inglese intimacy, ovvero l’abilità di avvicinarsi il più possibile alla scena per cercare di catturare l’intimità del momento, per accogliere e riconoscere l’inaspettato.