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Autore di rigorose teorie e svariate migliaia di dipinti, disegni e acquerelli, Paul Klee (1879–1940) è considerato uno degli esponenti più cerebrali e prolifici dell'arte europea del Novecento. Pur essendo solitamente di piccole dimensioni, le sue opere sono straordinarie per la raffinatezza concettuale e le meticolose sfumature di tratto, colore e tonalità. A influenzare la formazione stilistica di Klee furono la precoce adesione al gruppo espressionista tedesco Der Blaue Reiter e, soprattutto, un viaggio in Tunisia nel 1914 che ne mutò radicalmente l'uso del colore. Dopo la guerra, Klee insegnò presso la prestigiosa scuola del Bauhaus, dove le sue lezioni (come pure la progressiva affermazione della sua produzione artistica) sottolineavano il potenziale simbolico della sfumatura, del tratto e della geometria. A ispirare Klee furono anche il cubismo, la poesia, la musica, la letteratura, il linguaggio e la forza semplicistica del disegno infantile. Celebre per le sue figure stilizzate, Klee coniugò spesso un candore apparentemente fanciullesco con il rigore della composizione e il valore intellettuale. Questo volume offre una selezione delle opere più importanti di Klee per presentarne lo stile e l'influenza. Tra paesaggi assolati ed enigmatici giochi di parole, scopriamo un mondo al contempo semplicistico, simbolico e straordinariamente pittoresco.

L'abito fa il monaco. L'abito indossato da una persona, che si tratti di un sari, di un kimono o di un completo da ufficio, è un fattore importante per comprenderne la cultura, la classe sociale, la personalità e perfino il credo religioso. Fondato nel 1978, il Kyoto Costume Institute riconosce l'importanza della moda dal punto di vista sociologico, storico e artistico. In possesso di una delle collezioni più grandi del mondo, il KCI ha accumulato un'ampia gamma di abiti storici, biancheria intima, calzature e accessori di moda che spaziano dal XVIII secolo al giorno d'oggi. Mostrando l'ampia collezione dell'Istituto, Fashion History è un viaggio affascinante attraverso gli ultimi tre secoli di tendenze in fatto di abbigliamento. Grazie alle fotografie degli abiti disposti da mani sapienti su manichini realizzati su misura, quest'opera ci mostra l'abbigliamento come "manifestazione essenziale del nostro essere autentico" e la passione per la moda dell'Istituto come una forma d'arte complessa e intricata.

Universalmente riconosciuto come il più grande architetto d'America, Frank Lloyd Wright (1867-1959) è stato un autentico pioniere, sia a livello artistico sia tecnico. In un'epoca in cui il cemento armato e l'acciaio erano considerati materiali propri dell'edilizia industriale, Wright compì la scelta coraggiosa di utilizzarli per costruire case private. Il concept delle prairie houses - abitazioni basse e a pianta irregolare basata su una semplice forma a Loat- è stato il punto di partenza per realizzare alcune delle sue case più famose ed è diventato un modello per l'architettura rurale in tutta l'America. I progetti di Wright per edifici pubblici e di uffici furono altrettanto unici e all'avanguardia. Dalla Casa sulla cascata al Guggenheim Museum di New York, le sue opere sono tra le più famose nella storia dell'architettura.

Enfant terrible della pittura barocca italiana, Caravaggio (1571-1610) sta finalmente ottenendo il riconoscimento che merita. Per quanto il suo nome sia ben noto, la sua opera è stata a lungo avversata e tenuta nell'oscurità. Non era solo il suo realismo teatrale a essere fuori moda per la sua epoca: violente critiche suscitavano anche i suoi soggetti ritratti in maniera anticonvenzionale e l'abitudine di impiegare come modelli persone appartenenti ai ceti popolari. L'eccezionale opera di Caravaggio ha dovuto superare secoli di discredito ed è stata riscoperta, ormai postuma, solo nel XIX secolo, quando al pittore è stato finalmente riconosciuto lo status di maestro. Caravaggio è oggi considerato il più importante pittore del primo Barocco, senza il quale non ci sarebbero stati Ribera, Zurbarán, Velázquez, Vermeer o Georges de La Tour. E le opere di Frans Hals, Rembrandt, Delacroix e Manet sarebbero certo state diverse. In questo libro troverete oltre 50 tra i migliori dipinti di Caravaggio, testimonianza di un genio che ha saputo trascendere la sua epoca.

La storia di Vincent van Gogh (1853-1890) è una delle più crudelmente ironiche della storia dell'arte. Al giorno d'oggi l'artista è ampiamente considerato uno dei pittori più importanti di tutti i tempi, e le sue opere vengono esposte in mostre che fanno registrare il tutto esaurito, fanno parte delle collezioni dei più importanti musei e vengono battute alle aste per cifre record di decine di milioni di euro. Tuttavia, mentre dipingeva quelle opere destinate a diventare capolavori assoluti della storia dell'arte, Van Gogh doveva combattere non solo contro il disinteresse del pubblico contemporaneo ma anche contro i devastanti assalti della malattia mentale, con episodi di depressione e ansia paralizzanti che lo condussero infine al suicidio nel 1890, poco dopo il suo 37° compleanno. Questo studio ampio e onnicomprensivo dedicato a Vincent van Gogh associa una monografia dettagliata, che ne prende in esame la vita e le opere, a un catalogo completo dei suoi 871 dipinti.

Utagawa Hiroshige (1797-1858) è stato uno degli ultimi grandi artisti della tradizione dell'ukiyo-e. Il termine ukiyo-e, che letteralmente significa "immagini del mondo fluttuante", si riferisce alla celebre tradizione della stampa artistica giapponese con blocchi di legno, nata nel XVII secolo e che nel mondo occidentale è ormai divenuta emblematica dell'iconografia del Giappone stesso. In molti modi immagini edonistiche, le scene ukiyo-e spesso rappresentavano le luci scintillanti e le attrazioni di Edo (oggi Tokyo): belle donne, attori e lottatori di sumo, scorci di vita cittadina e paesaggi spettacolari. Sebbene abbia ritratto una varietà di soggetti, il suo grande talento si espresse al meglio nei paesaggi, in particolare in una serie realizzata con grande maestria e nota come "Cento famose vedute di Edo" (1856-1858), che rappresentava la città attraverso le stagioni, dalle trafficate strade commerciali agli splendidi campi di ciliegi. Questa ristampa è tratta da uno dei set originali di stampe con blocchi di legno più pregiati dell'Ota Memorial Museum of Art di Tokyo e associa a ciascuna delle 120 illustrazioni una descrizione, permettendo ai lettori di immergersi negli splendidi e vibranti panorami che divennero un paradigma di Japonisme e ispirarono allo stesso modo Impressionisti, Post-impressionisti ed esponenti dell'Art Nouveau, da Vincent van Gogh a James McNeill Whistler.

Il Musaeum Hermeticum è un compendio di testi alchemici pubblicato in Germania nel XVII secolo. Tra le sue pagine il lettore sarà condotto in un viaggio fantastico e avventuroso che unisce i cosmogrammi medievali e le immagini del misticismo cristiano, passando attraverso l'affascinante mondo dell'alchimia per arrivare fino all'arte di epoca romantica. Gli enigmatici geroglifici di cabalisti, rosacroce e massoni mostrano qui la loro stretta relazione con le prime illustrazioni scientifiche nel campo della medicina, della chimica, dell'ottica e della teoria dei colori. Anche per i profani di storia dell'alchimia, questo libro risulterà un'affascinante meraviglia tutta da esplorare. I capitoli, riccamente illustrati, iniziano tutti con un'introduzione e citazioni di alchimisti e sono opera di uno studioso del settore, Alexander Roob. In questo volume il lettore potrà ravvisare le radici del surrealismo e di molti altri movimenti artistici più recenti.

Le indimenticabili fotografie in bianco e nero scattate da Sebastião Salgado per il progetto Genesi documentano paesaggi e popoli rimasti intoccati dall'assalto della modernità e del progresso. Scattate nel corso di un'epica spedizione durata otto anni, le immagini sono organizzate in cinque capitoli suddivisi per area geografica.

"Il libro dei simboli" accosta una serie di saggi originali e incisivi su simboli specifici a una rassegna di immagini rappresentative provenienti da ogni parte del mondo e ogni epoca storica. I testi, estremamente piacevoli a leggersi, si accompagnano in modo unico a più di 800 splendide immagini a colori per comunicare livelli nascosti di significato. Ciascuno dei circa 350 saggi esamina il retroterra psichico di un determinato simbolo e come questo susciti dinamiche e processi psichici. Radici etimologiche, il gioco degli opposti, paradosso e ombra, il modo in cui diverse culture si sono appropriate di un'immagine simbolica sono tutti fattori che vengono presi in considerazione. Scritti da autori provenienti dal campo della psicologia, della religione, dell'arte, della letteratura e della mitologia comparata, i saggi si intrecciano in maniera analoga alle convergenze inaspettate della psiche. Non ci sono definizioni scontate che tendono a demolire i simboli: un simbolo ancora vitale, infatti, rimane in parte sconosciuto, si impone alla nostra attenzione e rivela nuovi significati e manifestazioni nel corso del tempo. Anziché fornire una semplice classificazione, Il libro dei simboli spiega come passare dall'esperienza visiva di un'immagine simbolica nell'arte, nella religione, nella vita o in sogno all'esperienza diretta del suo potere evocativo a livello personale e psicologico. Fissando nuovi parametri per esplorare seriamente i simboli e i loro significati, Il libro dei simboli costituirà una lettura affascinante per una vasta gamma di lettori: artisti, grafici, sognatori e interpreti di sogni, psicoterapeuti, membri di gruppi di auto-aiuto, appassionati di giochi, lettori di fumetti, uomini di fede e ricercatori spirituali, scrittori, studenti e chiunque nutra interesse per il potere delle immagini archetipiche.

Trasportando i lettori nel Giappone del XIX secolo, questa riproduzione delle Trentasei vedute del Monte Fuji di Katsushika Hokusai presenta un manufatto della storia dell'arte e un capolavoro della tecnica xilografica. Una raccolta completa di 46 tavole e 114 varianti cromatiche, provenienti da musei e collezioni di tutto il mondo, rilegata in stile giapponese.

Nel 2005, Scott Schuman ha fondato il blog The Sartorialist, trasformando per sempre la fotografia di moda. L'idea era semplice: fotografare i milanesi in spazi pubblici e avviare un dialogo tra moda e vita quotidiana. Nello stile di Bill Cunningham e August Sander, il suo intento senza pretese, ma radicale, di puntare lo sguardo sulle “persone reali”, fuori da passerelle e studi fotografici, ha generato un vasto interesse per una forma d'arte e uno street style di “alta sartoria”, molto prima di Instagram. Schuman guarda a Milano come a una musa che fa tendenza. Milano racconta quasi vent'anni di grande devozione di un americano, prima visitatore e poi residente, per gli ineguagliabili abitanti di Milano e per la loro città vivace ed elegante. Il volume è corredato da una prefazione del compianto Giorgio Armani e una lunga intervista in cui Schuman spiega il suo approccio nel catturare la moda per le strade cittadine. Le composizioni delle foto sembrano veri e propri scenari cinematografici, tanto che è difficile pensare che siano state scattate in movimento. Schuman ferma il tempo di Milano, non solo per chi fa shopping, gli skater e i fumatori, che forse hanno tempo da perdere, ma anche per coloro che sono sempre affaccendati: Miuccia Prada, Emiliano Salci, Luciano Barbera, le sorelle Sozzani, tutti immortalati in strade e caffè rinomati. Il risultato è un racconto della moda milanese attuale vista dalla strada, narrato da un americano dalla mente aperta, capace di cogliere l'eleganza che sfugge persino ai milanesi, che in questa città ci sono nati, e che non trova voce nei servizi di moda formali. Tra le pagine di questo volume sfila la bellezza degli stili autentici e imprevedibili che solo chi non ha alcuna esigenza di conformismo è in grado di esprimere. Giovani e anziani posano mentre Milano sfreccia su biciclette, Vespe e tram, in un tripudio di marmi, affreschi, sculture, guglie, colonne, palazzi decorati e facciate brutaliste, mercati locali, fiorerie, giardini verticali, locali iconici come il Bar Basso e Marchesi 1824, aperitivi, borse, tacchi alti e abiti di ogni colore possibile e immaginabile. Dai canali del Naviglio Grande ai sampietrini di Via Brera, fino alla cupola di vetro della Galleria Vittorio Emanuele II e della Stazione Centrale, il mix di stili architettonici della città è visto come un riflesso luminoso della sua gente. “Milano non si presta a conoscenze superficiali e fugaci” afferma Armani nella sua prefazione, in parte diario di viaggio, in parte Bibbia di stile. Questo volume offre un'occasione unica per sintonizzarsi con i ritmi, l'energia e l'anima della città con la stessa intimità con cui l'ha fatto Schuman, per scoprire cosa la rende unica nel suo genere. Per gli amanti della moda, della fotografia e della dolce vita, questo volume mostra l'autentico street style della capitale mondiale della moda, immortalato da colui che per primo lo ha reso cool e di tendenza e che non si trova certo su Instagram. Agli occhi di Schuman, i look fotografati non rappresentano solo un semplice accostamento di capi di abbigliamento, ma raccontano “chi sono le persone”.

Nel vero stile della Pop Art, i film degli anni Sessanta hanno confuso i confini tra arte, mercato di massa e cultura pop in un vibrante decennio cinematografico. Da Mary Poppins a Jean-Luc Godard, questo libro raccoglie i film imperdibili di un'epoca di trasformazione, caratterizzata dall'innovazione, dagli spaghetti western, dalle star della fantascienza e da importanti progressi nella caratterizzazione femminile.