Taschen

Helmut Newton (1920–2004) ha sempre dimostrato un sano disprezzo per le soluzioni facili o prevedibili. Il Sumo era un progetto irresistibile. L’idea di una raccolta spettacolare di immagini, un libro con le proporzioni di un’esposizione privata, riprodotta su pagine di dimensioni eccezionali e con standard di stampa all’avanguardia, è nata nel corso di una conversazione aperta e conoscitiva tra fotografo e editore. Con l’imponenza fisica del Sumo, che arrivava a pesare — con scatola e cellophane — 35,4 chilogrammi, Newton ha creato una pietra miliare che spiccava nettamente su qualsiasi altra cosa tentata in precedenza, sia in termini di stravaganza concettuale che di specifiche tecniche. Pubblicato in una tiratura limitata di 10.000 copie firmate e numerate, il SUMO è andato esaurito quasi subito dopo la pubblicazione e ha visto moltiplicare rapidamente il suo valore. Questo fenomeno editoriale è ora parte di importanti collezioni in tutto il mondo, inclusa quella del Museum of Modern Art di New York. La leggendaria copia n.1 del Sumo, autografata da oltre 100 delle celebrità fotografate al suo interno, ha stabilito anche il record del libro più costoso pubblicato nel XX secolo, battuto a un’asta a Berlino il 6 aprile 2000 per 620.000 marchi, circa 317.000 €. Il Sumo ha stabilito nuovi parametri nel settore della monografia artistica, conquistandosi un posto di tutto rispetto nella storia dei libri di fotografia. Questa nuova edizione, attentamente rivista da June Newton, realizza un’ambizione di Helmut Newton nata alcuni anni fa. A lui avrebbe certamente fatto piacere che il Sumo – ora in un formato che permette una distribuzione più democratica, un decennio dopo la sua prima pubblicazione – raggiungesse un pubblico il più vasto possibile.

Organizzata in ordine alfabetico, questa enciclopedia biografica comprende tutti i fotografi più importanti del XX secolo e le loro monografie più significative. Dai primi esponenti del Modernismo classico fino al giorno d'oggi, Fotografi A–Z celebra quei fotografi che si sono distinti con pubblicazioni o esposizioni importanti, e che hanno dato un contributo importante alla cultura dell'immagine fotografica. Le varie voci includono fotografi nordamericani ed europei così come giapponesi, sudamericani, africani e cinesi. Riccamente illustrata con riproduzioni di libri e riviste, questa raccolta include anche fotografi impegnati in aree ‘applicate', la cui opera è considerata arte fotografica. Tra le star si annoverano Julius Shulman, Terry Richardson, Cindy Sherman e David LaChapelle.

Il pittore Pierre-Joseph Redouté (1759–1840) dipinse esclusivamente acquerelli di piante da fiore, di cui poi realizzava stampe calcografiche accompagnate da minuziose descrizioni botaniche. Beniamino di facoltosi mecenati parigini (tra cui Giuseppina Bonaparte, moglie di Napoleone), Redouté era soprannominato “il Raffaello dei fiori” ed è considerato ancora oggi un maestro dell'illustrazione botanica. Questa raccolta ripropone il nostro bestseller formato XL in un'edizione più maneggevole e accessibile che riunisce a sua volta alcune delle più raffinate incisioni a colori tratte dalle illustrazioni di Redouté per i volumi Le rose, I gigli e Choix des plus belles fleurs et quelques branches des plus beaux fruits (Selezione dei più bei fiori e di alcuni rami con i frutti più mirabili). Oltre a presentare una vivace rassegna della combinazione di precisione e bellezza tipica di Redouté, il volume offre anche uno sguardo privilegiato sullo splendore dei giardini e delle serre di una Parigi d'altri tempi.

La leggenda di Jean-Michel Basquiat è oggi più viva che mai. Icona della New York degli anni '80, l’artista cominciò a farsi conoscere come writer alla fine degli anni '70 con lo pseudonimo "SAMO", riempiendo i muri della città con frasi caustiche e frammenti poetici, e diventando così uno dei protagonisti dell’esplosiva scena artistica underground, che spaziava tra graffiti e arti visive, hip hop, post punk e produzioni cinematografiche amatoriali. Pittore dalla forte personalità, Basquiat si fece presto strada nell'establishment culturale, esponendo le sue opere in gallerie di tutto il mondo. Il suo stile espressivo si basa sull’integrazione di immagini grezze, parole e frasi incompiute; mentre le sue opere traggono ispirazione da un pantheon di numi tutelari che vanno dal jazz alla boxe e al basket, e contengono numerosi riferimenti alla storia antica e alla politica della strada – perciò, quando gli chiedevano quali fossero i protagonisti della sua arte, rispondeva “re ed eroi metropolitani”. Nel 1983 avviò una collaborazione con la più grande celebrità artistica del tempo, Andy Warhol, e nel 1985 era sulla copertina del The New York Times Magazine. Basquiat morì a 27 anni, e fece in tempo a diventare uno degli artisti più apprezzati del suo tempo. Questo volume di grande formato vi permetterà di ammirare da vicino gli intricati segni e scarabocchi dell’artista, corredati dai testi dello scrittore e curatore Carlo McCormick, suo contemporaneo sulla scena newyorkese, e della storica dell’arte e curatrice Eleanor Nairne. I capitoli illustrati ripercorrono la vita dell’artista anno per anno e le citazioni di frasi a lui attribuite o tratte da riviste contemporanee contribuiscono ad approfondire il contesto storico e il background personale di Basquiat.

Parte biografia, parte analisi critica e parte catalogo, questa edizione aggiornata ripropone la Collector’s Edition best seller di Taschen progettata da Christo. Il volume contiene l’intera opera di Christo e Jeanne-Claude, dai primi disegni e dalle foto di famiglia alle idee per progetti futuri. Centinaia di fotografie e disegni ripercorrono i progetti realizzati dalla coppia negli ultimi dieci anni, tra cui The Floating Piers e The London Mastaba, nonché alcuni lavori in fase di realizzazione come The Mastaba of Abu Dhabi e L’Arc de Triomphe Wrapped, Paris. Oltre all’esaustiva documentazione fotografica di Wolfgang Volz e l’introduzione aggiornata di Paul Goldberger, il volume riporta una conversazione tra gli artisti e l’autore. Si tratta dell’ultima conversazione con Jeanne-Claude a proposito dei progetti lavorativi della coppia, prima della sua morte avvenuta nel 2009. Il risultato è un omaggio al lavoro di due artisti che con la propria immaginazione hanno modificato i paesaggi di tutti i continenti.

L’architettura di Santiago Calatrava tra equilibrio e movimento Santiago Calatrava è un rinomato architetto, ingegnere strutturale, scultore e artista. Le sue opere, dal complesso olimpico di Atene 2004 al World Trade Center Transportation Hub di Manhattan, rivelano un’estetica unica e una notevole capacità ingegneristica, insieme a una grande sensibilità sia per l’aspetto che per l’anatomia di una struttura. Recependo influenze di ogni tipo, dal design spaziale della NASA agli studi sulla natura di Leonardo da Vinci, Calatrava crea strutture al tempo stesso aerodinamiche e organiche. Ispirandosi a forme naturali e a movimenti umani, i suoi progetti tendono verso un punto di incontro tra equilibrio e dinamicità. Questa monografia aggiornata riunisce schede dettagliate, fotografie e gli originali schizzi ad acquerello che hanno fatto di Calatrava un maestro unico. Il volume comprende tutte le collaborazioni originali dell’architetto, nonché nuovi progetti come la Stazione di Reggio Emilia Mediopadana o il Museo del Domani di Rio de Janeiro e opere in corso come il Padiglione degli Emirati Arabi Uniti per l’Expo 2020 di Dubai.

Irrompendo su una scena dominata dall'espressionismo astratto nella New York dei tardi anni '50 e definendo un nuovo lessico artistico, il pittore statunitense Roy Lichtenstein (1923–1997) inaugurò una nuova epoca dell'arte americana. Grazie a uno stile pionieristico che mescolava tecniche di produzione industriale a immagini banali e ordinarie come cartoni animati, fumetti e pubblicità, Lichtenstein si unì alla schiera di artisti contemporanei, tra cui Andy Warhol e James Rosenquist, che rispecchiavano e satireggiavano i mass media e la cultura consumista statunitense. In opere come Look, Mickey! (1961), Drowning Girl (1963) e Whaam! (1963), l'artista utilizzò tecniche di produzione di massa (in particolare, il metodo di stampa a puntini Ben-Day) per creare un effetto esplosivo e quello stile pixellato di cui Lichtenstein è diventato sinonimo. Questo volume fornisce una panoramica essenziale della carriera di Lichtenstein, dalle prime affermazioni pop alle risposte “a colpi di pennello” all'espressionismo astratto e alle reinterpretazioni di capolavori contemporanei degli anni successivi, mettendo in luce il ruolo fondamentale ricoperto da Lichtenstein nel modernismo della metà del secolo e le modalità con cui le sue opere criticano e documentano al tempo stesso l'America del Novecento.

Nelle grandi opere del Rinascimento italiano, sotto pesanti strati di foglia d'oro e simbologie religiose, si celano messaggi clandestini, miti nascosti e verità storiche. Nonostante il linguaggio arcaico della pittura storica le renda spesso poco chiare, queste immagini possono parlarci grazie ad analisi accurate e interpretazioni di esperti. Scopriamo i capolavori dell'epoca creativa più amata grazie a questa affascinante indagine storico-artistica. Tra scene di guerra, maternità, storie d'amore e tributi alla scienza, le opere del Rinascimento italiano hanno molto da dire a chi le sa osservare. Rose-Marie e Rainer Hagen fanno proprio questo: dissezionare uno per uno i 12 dipinti riprodotti nel volume come veri detective, per offrire una finestra illuminante sul passato. Dalla Creazione di Adamo di Michelangelo alla Battaglia di San Romano di Paolo Uccello, da San Girolamo nello studio di Antonello da Messina al Ritorno di Ulisse di Pinturicchio, le opere analizzate costituiscono una variegata rappresentazione delle geniali innovazioni rinascimentali e provengono dalle più importanti collezioni del mondo, tra cui la Galleria degli Uffizi, il Museo del Prado e la National Gallery di Londra.

Per i suoi contemporanei veneziani del tardo XVI secolo, El Greco (1541 – 1614) era un artista anticonformista, dotato di un talento straordinario, ma ben deciso a intraprendere un percorso fuori dagli schemi. Durante la sua carriera, che lo vide trasferirsi da Creta a Venezia, e poi a Roma, per stabilirsi infine a Toledo, El Greco si contraddistinse per la capacità di amalgamare diverse tradizioni occidentali al fine di creare un linguaggio pittorico unico nel suo genere. L’artista cretese si distaccò fortemente dal naturalismo, rifiutandosi di creare opere ampiamente “accessibili”. Le sue opere, come Spoliazione di Cristo (1577-79), Sepoltura del Conte di Orgaz (1586-88), e Apertura del quinto sigillo dell’Apocalisse (1608-14) mostrano figure allungate e contorte, colori irreali e una rappresentazione dello spazio innovativa, tutti elementi che non ne facilitavano l’osservazione, ma favorivano altresì un’arte di grande splendore e bellezza intellettuale. Guardato con sospetto e largamente criticato quando ancora in vita, El Greco è stato rivalutato da un gruppo di appassionati ammiratori moderni, tra cui Pablo Picasso, Roger Fry e Franz Marc, pioniere del Der Blaue Reiter. Oggi l’artista è annoverato tra la ristretta cerchia di grandi maestri dell’antichità e viene considerato un caso anomalo per la sua epoca, nonché un punto di riferimento per i secoli a venire. Questa concisa introduzione analizza gli influssi e gli elementi della peculiare visione di El Greco, dalla simbologia bizantina appartenente al mondo delle icone, ai principi dell’umanesimo rinascimentale, fino ai primi approcci alla pratica concettuale.

A prima vista i modelli e i soggetti ritratti nei più celebri dipinti di nudo della storia non sembrano avere molto altro da dire... ma non lasciatevi ingannare: l'apparenza non è tutto in questi capolavori senza veli. Rose- Marie e Rainer Hagen ci svelano i segreti della carne, combinando analisi dettagliate con nitidi ingrandimenti di 12 opere iconiche appartenenti alla tradizione artistica. Che si tratti di racconti biblici a sfondo morale o di moderne raffigurazioni del piacere, opere come «Susanna e i vecchioni» di Tintoretto o la «Colazione sull'erba» di Manet offrono diverse visioni della bellezza naturale. I capolavori raccolti in questo volume sono presentati attraverso riproduzioni di altissima qualità degli originali conservati al Louvre, al Musée d'Orsay, agli Uffizi e in tanti altri musei. Dai dipinti che ritraggono tutta la grazia femminile, come «Venere allo specchio» di Velázquez, fino all'affascinante rappresentazione del decadimento del corpo di Hans Baldung in «Le tre età della donna e la morte», il tratto che accomuna questi dipinti è la loro capacità di raffigurare splendidamente la figura spogliata, sia nella vita che nella morte. Tramite questa indagine che analizza le opere di nudo per svelarne tutti i segreti, i dipinti si liberano della loro bidimensionalità e si infiammano di vita.

A un secolo dalla sua scomparsa, lo sfacciato erotismo, le superfici abbaglianti e la ricerca artistica del pittore viennese Gustav Klimt (1862–1918) continuano a stupire. Questa monografia riunisce tutte le opere principali di Klimt, corredate di un autorevole commento storico-artistico, offrendo un accesso privilegiato all'archivio dell'artista. Tramite immagini ad alta definizione, tra cui alcune fotografie inedite del celebre Fregio di Palazzo Stoclet, il libro esamina il ruolo fondamentale che l'artista ricoprì nella Secessione viennese del 1897, la sua esplicita rappresentazione del corpo femminile e lo sfarzoso “periodo aureo”, durante il quale l'impiego della foglia d'oro conferì lucentezza e spessore a opere amatissime come Il bacio e Ritratto di Adele Bloch-Bauer I, noto anche come La donna in oro. Grazie alle luminose illustrazioni a doppia pagina e all'estrema cura dei dettagli, il volume delinea il repertorio di influssi giapponesi, bizantini e allegorici che hanno permeato le prospettive schiacciate dell'artista, il suo lessico simbolico e le sue trame a mosaico. Avvalendosi dei contributi di critici ed esperti contemporanei, il libro analizza inoltre la spaccatura del mondo dell'arte sull'accoglienza riservata alle opere di Klimt, nonché l'evoluzione del suo stile. Dai paesaggi alle opere erotiche, passando per i controversi dipinti realizzati per il soffitto dell'Aula Magna dell'Università di Vienna, capiamo quanto il connubio operato da Klimt fra tradizione e audacia abbia diviso la stampa e l'opinione pubblica, che a volte lo additarono come un pornografo e a volte lo acclamarono come un grande maestro contemporaneo.

Dai dipinti caratterizzati da effetti di luce drammatici agli elaborati interni dorati, il periodo barocco conferì una nuova dimensione all'arte occidentale. Le prospettive armoniose e le proporzioni eleganti del Rinascimento lasciarono il posto a un mondo dinamico ed energico di teatralità esasperata. Tra il XVI e il XVIII secolo, questo stile influenzò molte forme d'arte e discipline, suscitando nel pubblico un interesse diretto e spesso carico di emozione per la pittura, la scultura, l'architettura e la musica. Questa edizione della collana Basic Art 2.0 di TASCHEN si concentra sulla pittura barocca. Tramite scene mitologiche e religiose, nature morte e molto altro ancora, analizzeremo come un vivido vocabolario di colori carichi, ombre marcate, gesti teatrali e linee diagonali sia stato assimilato tanto dalle scuole nordiche quanto da quelle dell'Europa meridionale. Pagina dopo pagina, incontreremo artisti barocchi di primo piano come Nicolas Poussin, Annibale Carracci, Caravaggio, Velázquez, Rubens e Rembrandt, esaminando le specifiche novità introdotte da ciascuno a livello di composizione, narrazione e utilizzo della luce per creare una sensibilità barocca. Sulla serie Nata nel 1985, la serie Basic Art è diventata la collezione di libri d'arte più venduta al mondo. Ogni libro della serie Basic Art di TASCHEN contiene: una cronologia dettagliata riassuntiva della vita e delle opere dell'artista, inserito nel contesto storico e culturale in cui è vissuto una biografia concisa circa 100 illustrazioni con didascalie esplicative