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In un percorso che unisce indissolubilmente le opere all’intensa biografia dell’artista, la galleria Area\B di Milano presenta dal 19 gennaio al 19 marzo 2022 la mostra "Nado Canuti. Il lungo volo". Curata da Alessandra Redaelli, la personale raccoglie un corpus di circa quindici opere – tra sculture in marmo, ottone e bronzo, installazioni e collage – dello scultore senese. Partendo da un focus antologico dedicato alle prime opere scultoree prodotte tra la fine degli anni Settanta e l’inizio degli anni Ottanta, si approda a opere inedite e di più recente creazione, quali collage, grandi sculture mobili da appoggio o appese al soffitto e opere da parete in cui la pittura si contamina in tecniche miste pensate come bassorilievi. Nado Canuti (1929) è oggi, all’età di 92 anni, un personaggio in grado di emanare entusiasmo ed energia, elementi sempre presenti nel suo messaggio artistico. Alla base del suo lavoro c’è la narrazione, storie che sembrano continuare da un’opera all’altra, anche attraverso la scelta dei materiali. Nelle sue opere resta il tema ricorrente del sogno, all’interno del quale ci si muove in un mondo dove l’impossibile diventa possibile.

A settantaquattro anni Claude Monet iniziava il suo ultimo e monumentale progetto: i pannelli per l’Orangérie. Su dodici tele dalle dimensioni maestose e per più di dieci anni, Monet ha lavorato a quello che possiamo definire il suo testamento artistico e spirituale: le Ninfee. Il racconto di Monica Gorini ha inizio proprio dai luoghi vissuti da Monet: da Etretat, Honfleur, Le Havre e Giverny. Per due anni Monica ha idealmente dialogato con il Maestro in un lungo viaggio, geografico botanico ed artistico, ricco di emozioni, di immagini, di ricerche e di scoperte che ha racchiuso tra le pagine di questo diario, in una narrazione coinvolgente, ricca di riferimenti culturali e umani. Con le ninfee negli occhi, la pittura di Monet nel cuore e il desiderio di colore nella testa, Monica ha poi cercato la propria dimensione artistica traducendo le “impressioni” in un linguaggio concettuale. L’obiettivo, quindi, non è rifare Monet, dipingere i fiori o il paesaggio di Giverny, bensì trovare, attraverso i luoghi della sua pittura, il “segreto del colore” e trasformarlo in una sorta di legge empirica, in un personale sistema cifrato che racchiude la natura, l’anima e la psiche.

Dio disse: "Facciamo l'Uomo a nostra immagine e somiglianza"... Dio disse loro: "Siate fecondi e moltiplicatevi, riempite la Terra". E così avvenne. E fu sera e mattina: sesto giorno. Carlo Pasini riproduce oggetti e animali in scala 1:1 (modellando del poliuretano espanso) e li trasforma ricoprendoli di puntine da disegno, pietre, spilli e vetri. Sia gli animali, sia gli oggetti perdono la loro genuinità, tipica della natura e indossano una maschera come fa abitualmente l'essere umano celando spesso agli altri il vero se stesso. Marco Bertìn, riflette in modo ossessivo sugli effetti del consumismo sulla società contemporanea, esponendo centinaia e centinaia di foto di un manichino vestito in modo sempre diverso, con abiti presi in prestito da un mercatino dell'usato, in un infinito valzer d'identità perdute.

Volume monografico dedicato all’artista Samantha Passaniti (Grosseto, 1981), con un testo critico di Davide Silvioli e un’intervista all’artista di Giorgia Basili. La ricerca artistica di Samantha Passaniti è incentrata sulla sperimentazione di materiali naturali raccolti nell’ambiente che diventano oggetto di riflessione e indagine sulla complessità dei rapporti umani e dell’esperienza esistenziale. Le sue opere pittoriche, scultoree e installative nascono da un continuo rapporto, dialogo e scambio tra interno ed esterno, tra mondo intimo e ambiente, tra uomo e natura, tra esperienza esistenziale e cicli naturali, con una particolare attenzione alle simbologie ancestrali e agli archetipi spirituali che collegano sin dai tempi più remoti l’uomo al mondo naturale che lo ospita.

Catalogo pubblicato in occasione del concorso d'arte contemporanea Premio Nocivelli 2021; contiene la raccolta di tutte le opere finaliste e una sezione dedicata ai vincitori di questa XIII edizione.

Cristiano Carotti (Terni, 1981) indaga il potere aggregativo dei simboli all’interno delle comunità, secondo Jung necessari per la costruzione di una coscienza collettiva. Stimolato dai testi di René Guénon su una possibile evoluzione errata del genere umano, studia i meccanismi che hanno portato ad un progressivo distacco da un percorso di conoscenza attivo verso una modalità passiva. La ricerca si sviluppa intorno allo studio dell’iconografia laica e religiosa, alle trasformazioni storiche subite dai simboli in ambito socio-politico, svuotati e riempiti di nuovi significati spesso in modo strumentale. Attraverso la pittura, la ceramica e interventi installativi, rielabora archetipi e feticci contemporanei con un linguaggio in equilibrio tra antropologia accademica ed estetica post-internet. Questo progetto monografico, a cura di White Noise Gallery, mostra il lavoro dell’artista, non attraverso le immagini delle sue opere, ma tramite un “flusso di coscienza” visivo e concettuale che racconta e svela il processo creativo di Carotti, dalla ricerca al metodo che sta alla base della sua produzione artistica.

Dio disse: “Le acque brulichino di esseri viventi e uccelli volino sopra la terra, davanti al firmamento del cielo”… “La terra produca esseri viventi secondo la loro specie: bestiame, rettili e bestie selvatiche”. E Dio vide che era cosa buona. Dio li benedisse: “Siate fecondi e moltiplicatevi e riempite le acque dei mari; gli uccelli si moltiplichino sulla terra”. E fu sera e fu mattina: quinto giorno. In queste brevi parole traspare, oltre alla divina determinazione, l’entusiasmo che il “creare” porta con sé. È lo stesso entusiasmo, colmo di responsabilità, che l’artista Alberto Salvetti assume verso il mondo animale e che lo ha spinto ad attraversare le Dolomiti, in pieno inverno, con un lupo in spalla, da lui creato con filo di ferro e carta di giornale. [...]

Libro monografico dedicato all’artista Valentina Biasetti (Parma, 1979). […] Per Valentina l’abitudine dello studio e la forma del diario – dispositivi domestici e intimi – sono i mezzi per tentare gli esperimenti molteplici delle personalità, simboli di stasi proiettati nel tutto, in una polarità tra chiuso e aperto, privato e pubblico, particolare e assoluto […]. Dalla “porta della stanza” in cui Valentina Biasetti disegna entrano personaggi che hanno lo stesso aspetto dell’autrice ma si atteggiano in maniera esibita e maliziosa. Strizzano l’occhio alla camera da presa rappresentata dall’inquadratura della tela e si mostrano, spesso svestite, appagando le aspettative di uno sguardo maschile e oggettivante. Dietro quegli autoritratti in posa c’è un lavoro allestitivo e attoriale che porta il soggetto fuori da sé a calcare ipotetici percorsi identitari, cambiare la maschera della normalità e divertirsi a recitare una parte, anche quella che sulla carta apparirebbe la meno consona e “adeguata”. Dal testo “Valentina Biasetti. Il viaggio dentro la testa (e dentro lo studio)” di Gabriele Salvaterra.

Monografia dedicata all’artista Igor Grigoletto (Sanremo, 1972). "Dopo l’iniziale parentesi pittorica di matrice informale, in cui fin da subito, però, la sua energica espressività ha manifestato la propria propensione ad una dimensione visiva di più intima e rigorosa, ragionata e misurata, tensione, Igor Grigoletto ha abbandonato il sentiero della pittura di “sostanza cromatica” per approdare, passo dopo passo, serie dopo serie, ad un linguaggio che gli appartenesse compiutamente e rispondesse al suo desiderio di definire argomentazioni e narrazioni entro uno spazio e un tempo oggettivi, sempre più adatti ad un’universale condivisione. […]" Dal testo “Igor Grigoletto. Dal gesto al segno: l’alfabeto minimo della geometria” di Matteo Galbiati.

Il 22 dicembre 1968 alle ore 11.00, a soli tre mesi dalla scomparsa del grande artista Pino Pascali, la piccola chiesetta di Santo Stefano, da tempo chiusa al culto, veniva titolata alla memoria del giovane scultore. Nasceva così la "Galleria Pino Pascali" – oggi Exchiesetta – primo decisivo passo verso la consacrazione di uno dei massimi artisti italiani del Novecento, cui verrà dedicato, nei mesi successivi, il Premio Pascali, il Museo e l'attuale Fondazione. Exchiesetta propone annualmente mostre personali di arte contemporanea esclusivamente fruibili attraverso il portale d'accesso, una vetrina in cristallo in grado di garantire una fruizione dell'opera 24 ore su 24.

Monografia dell’artista Guido Airoldi (Bergamo, 1977). “Quello che i decollagisti hanno fatto vedere è il mondo divenuto quadro”. Queste concise, ma estremamente esplicative e significative parole, appartengono al noto critico francese Pierre Restany, nonché teorico del Nouveau Réalisme. Il mondo, inteso come oggetti, materiali, manifesti, elementi prodotti e realizzati dalla società e quindi dall’uomo, che l’artista fa suoi, trasformandoli e donandogli quindi una nuova identità. Un inusitato approccio percettivo del reale, insito ed identitario anche dell’opera di Guido Airoldi; un procedimento artistico, che prende forma con un processo di appropriazione per essere successivamente investigato, “manipolato” e infine reinterpretato. Dal testo Il mondo diviene quadro di Alberto Mattia Martini

Libro edito in occasione del progetto Lost in Myst di Federica Di Pietrantonio, finanziato con l’avviso pubblico “Lazio contemporaneo” per iniziativa della Regione Lazio – Lazio creativo: una video opera sulle rovine della chiesa del borgo di Celleno, con cui questa giovane artista è riuscita a catturare tutta la magia, la bellezza e l’identità stessa del territorio della Tuscia. "Queste pagine sono il mio viaggio, la mia storia, il mio percorso. Non hanno lo scopo di coprire, ma di rivelare. A volte in poesia, a volte in storie, a volte chiare, a volte vaghe, a volte lunghe, a volte brevi. Ma il rilascio di queste parole è un elisir calmante per la mia anima oppressa. Le parole devono fluire da me, o morirò". (Federica Di Pietrantonio)