Arte e design industriale e commerciale

La mostra “Il Fumettista dell’Impossibile – I mille volti di Alfredo Castelli” è stata organizzata nel Museo Civico di Villa Colloredo Mels a Recanati, come omaggio a uno degli sceneggiatori più importanti di sempre, con una serie di circa 40 disegni originali realizzati appositamente per quest’occasione da alcuni grandi artisti italiani. La mostra è parte di un’iniziativa benefica più ampia e prevede la messa all’asta di tutte le opere esposte, il cui ricavato sarà devoluto interamente all’Associazione VIDAS di Milano. Questo è il catalogo della mostra, che raccoglie le opere insieme ai testi scritti da autori, collaboratori e amici di Castelli che hanno voluto ricordare l’importanza che Alfredo ha avuto nella loro vita e per il mondo del fumetto italiano. Con Lola Airaghi, Giancarlo Alessandrini, Fabiano Ambu, Luca Barbieri, Davide Barzi, Massimo Bonfatti, Daniele Brolli, Moreno Burattini, Giuseppe Camuncoli, Raffaele Della Monica, Stefano Di Vitto, Luca Enoch, Stefano Fantelli, Lucio Filippucci, Marcello Mangiantini, Giuseppe Palumbo, Marco Verni, Rodolfo Torti, Antonio Serra, Gianni Sedioli, Carlo Recagno, Giuliano Piccininno, Paolo Massagli e tanti altri.

Lo stilista Azzedine Alaïa era un grande ammiratore di Shiro Kuramata, tanto da organizzare una mostra dedicata al suo lavoro presso la Fondation Alaïa nel 2005. I mobili progettati da Kuramata combinano la ricca tradizione delle arti decorative giapponesi con la ricerca moderna di semplicità strutturale, in linea con il principio del "la forma segue la funzione." Oggi, la Fondation Alaïa presenta 23 opere di Kuramata accanto a 20 creazioni di alta moda di Alaïa, dando vita a un dialogo armonioso tra forme e materiali. La maglia in lurex di un abito minimalista risponde al reticolo metallico lavorato a maglia di una sedia, mentre l'acrilico trasparente di un mobile richiama la leggerezza del mussola usato in una creazione da passerella. Unificate da un senso straordinario di leggerezza, queste opere riflettono il comune interesse dei due artisti per l'astrazione.

Come si progetta un carattere tipografico? Da cosa nasce la forma delle lettere? Che relazione intercorre fra gli elementi dell’alfabeto? Quanto determinante è la tecnologia sull’aspetto di un testo? Che cos’è in definitiva una font? Partendo da queste fondamentali domande, "Il disegno del carattere" esplora l’affascinante mondo del type design. Questo terzo volume si propone di analizzare le concezioni e le tecnologie che hanno influenzato la creazione tipografica dai primi giorni della stampa nel Quattrocento fino alla rivoluzione digitale del Novecento.

Donna bella ed elegante, Palma Bucarelli amava stupire ed essere ammirata per come presentava la sua persona in pubblico. Per lei che da sempre era abituata ad esibire il suo charme, ciò faceva parte anche del personaggio pubblico che era diventata e che considerava una conquista personale; soprattutto era complementare alla sua identità intellettuale, alla sua intelligenza e alla capacità di abitare il mondo della cultura. Era una donna moderna Palma, che aveva fatto del suo lavoro la sua stessa ragione di vita, ma che mai aveva derogato all’eleganza e allo stile, necessarie secondo lei, in un mondo di uomini, a superare la barriera dell’ascolto. I suoi meravigliosi abiti da sera, il cui prestigio è aumentato solo per il fatto che lei li aveva indossati, vengono riscoperti e negli anni Novanta le vengono addirittura chiesti in dono per essere esposti nel primo Museo romano dedicato anche alla Moda, il Museo Boncompagni Ludovisi, allora dipendente dalla Galleria nazionale d’arte moderna e dove Palma venne finalmente ricordata, festeggiata e ancora ammirata per la donna che era stata. Ne fu contenta, anche se non pienamente soddisfatta. Nel 2009, a cento anni dalla nascita, la mostra Palma Bucarelli. Il Museo come Avanguardia alla Galleria nazionale d’arte moderna celebrò finalmente tutta l’attività di Palma Bucarelli: le sue doti di curatrice in prima persona delle mostre in Galleria, di studiosa aperta alle novità dell’arte contemporanea, di organizzatrice di eventi, di realizzatrice di un nuovo modo di concepire il Museo moderno, mettendolo al passo con il resto del mondo, creando spazi dedicati a conferenze, performance, didattica, studio ecc. Fu un evento di grande successo, che dimostrò come il pubblico non si fosse dimenticato di lei e anzi ne volesse sapere di più sulla sua vita, oltre che sul suo mestiere di direttrice di un museo. Dimostrò in sostanza che Palma Bucarelli era una donna famosa, nonostante l’oblio che la sua Galleria le aveva riservato per decenni, e questo era dovuto soprattutto al suo modo di essere donna di potere attraverso il suo carisma e il suo charme. Da tali considerazioni è partita questa ricerca, dedicata in modo particolare all’eleganza di Palma e al suo considerare la Moda una parte importante della cultura contemporanea. Si è preso in considerazione tutto ciò che Palma Bucarelli ha fatto per la Moda, rappresentandola personalmente con le sue belle mises almeno a partire dal famoso Ballo dei Nastri del 1949, il suo impegno nell’esserne in qualche modo ambasciatrice, gli sforzi fatti per poterla documentare all’interno del Museo d’arte contemporanea, la contaminazione tra Arte e Moda, frutto anch’essa della contemporaneità oltre che della creatività di stilisti e artisti di prima grandezza anche nel panorama internazionale. Questo connubio, che oggi viene considerato possibile nonché necessario, Palma lo auspicava fin dagli anni Cinquanta e con la caparbietà che era insita nelle sue corde cercò di realizzarlo.

La satira, fin dai suoi albori, ha rappresentato una potente forma di narrazione, capace di restituire attraverso il sorriso, a volte amaro, e la riflessione, l’essenza di temi universali e spesso scottanti. "Secoli di satira" esplora l’evoluzione del linguaggio satirico unendo le radici storiche, con il loro sviluppo nel corso dei secoli, alle grandi tematiche che ne hanno segnato il cammino. In questo percorso, il Carnevale di Viareggio, che da oltre un secolo affascina e coinvolge con la sua energia, emerge come un protagonista fondamentale, avendo avuto nella satira una delle sue colonne portanti. Questa mostra non solo celebra la tradizione della satira, ma porta anche a riflettere sul suo ruolo oggi, quando, con la stessa forza del passato, riesce a raccontare il nostro tempo, a sfidare le convenzioni e a stimolare la critica costruttiva. Attraverso l’arte, un invito a riflettere sulla potenza del racconto satirico, in grado di svelare verità, mettere in discussione il presente e, allo stesso tempo, divertire e provocare, come solo la satira sa fare.

"Now More Than Ever: Typographic posters on kindness from around the world", è un progetto editoriale che sancisce la terza edizione della campagna no-profit Fight for Kindness. Nel 2024 questo progetto si è espanso a livello globale, con 12 mostre e vetrine digitali in otto paesi: Italia, Spagna, Austria, Ungheria, Bulgaria, Egitto, Stati Uniti e Indonesia. La pubblicazione Now more than ever raccoglie le opere realizzate in questo contesto, sia da talenti emergenti che da nomi più affermati, evidenziando come la campagna abbia unito una vasta comunità internazionale di creators, con oltre 500 opere provenienti da 355 partecipanti in 23 lingue e sistemi di scrittura. La raccolta include poster e messaggi di alcuni dei creativi oggi più conosciuti e influenti, tra cui menzioniamo Debbie Millman, Ariane Spanier, Héctor Auyso, Baugasm, Kiel DM, Simone Massoni, Kinda Ghannoum e HalaAl Afsaa dall'Archivio del Syrian Design Archive e Kateryna Korolevtseva. Il libro include inoltre quattro interviste esclusive e un lookbook tipografico che presenta i caratteri utilizzati all'interno delle sue pagine.

Lo studio delle interazioni con le Advanced Manufacturing Technologies (AMT) mette in evidenza il modo in cui la tecnologia impatta e cambia la natura del lavoro umano nell’industria della manifattura. Automazione e digitalizzazione definiscono nuove forme di lavoro e, come conseguenza, quali siano le qualità che debbano possedere i nuovi strumenti di lavoro, come le capacità avanzate di calcolo, trasformazione, rappresentazione e interazione con i dati della manifattura. Il libro traccia una possibile strada per l’agire dei progettisti e una identità possibile per l’industrial design (disegno industriale) e, in particolare, per l’interaction design, nel settore dell’industria manifatturiera, con la prospettiva interdisciplinare che coniuga design e ergonomia, come scienze del rapporto tra uomo, strumenti e lavoro.

In questo libro si racconta l'avventura e l'esperienza giovanile e mai completamente abbandonata di Romano Mastrella nel mondo del graphic design portando alla luce in queste pagine numerosi suoi lavori di design grafico. Un libro di formazione e viaggio che esplora l'importanza che nella vita professionale ha avuto questa disciplina permettendogli di affrontare le molteplici declinazioni di interior design e di architettura. Sono pagine in cui si presentano molti lavori grafici di curiosità, cultura, visioni e la gioia di fare sono i venti che gonfiano le vele della mia barca. Forse potranno essere utili a qualche lettore per orientarsi, navigando fra le rotte tracciate da altri. Con delle note inedite di maestri come Bruno Munari, Giancarlo Illiprandi, Heinz Waibl sul lavoro già di alto livello di un giovane. C'è la voglia di esprimersi creando superfici e pagine che diano più senso e forza alle parole, al testo e un peso e misura alle immagini seguendo un metodo e le teorie dei maestri. Poi quando se ne innamora si diventa da grande graphic designer o come nel caso di Romano Mastrella designer/architetto che ha fatto e continua a fare in Italia e nel mondo lavori di architettura e interior design bellissimi, ispirati come lui scrive da un "metodo" grafico il filo rosso di questo libro.

Un excursus nella carriera artistica del Maestro argentino Eduardo Risso attraverso oltre 30 opere originali appartenenti ai lavori che lo hanno reso uno dei massimi cartoonists del mondo del fumetto statunitense. Da Batman a Torpedo, dal noir alla fantascienza, l’arte di Eduardo Risso ha segnato in modo indelebile l’immaginario internazionale del fumetto e influenzato artisti da tutto il mondo. Introduzione di Brian Azzarello.

Pierre Paulin (1927-2009) è il designer che ha saputo meglio interpretare lo spirito degli anni sessanta, settanta e ottanta, con poltrone dalle forme scultoree e organiche dai colori vivaci – come Tongue, Ribbon e Groovy – diventate vere e proprie icone pop. È stato il primo a portare la modernità all’Eliseo, realizzando l’arredo per gli appartamenti privati del presidente Georges Pompidou (1971) e per gli uffici presidenziali di François Mitterrand (1983). Molti dei suoi pezzi scultorei di fattura artigianale sono stati prodotti anche in serie per il grande pubblico, mentre i suoi mobili componibili sono considerati esemplari da collezione. Nel corso di mezzo secolo ha esplorato tutte le declinazioni del design e ha instaurato una proficua collaborazione con varie aziende, fra cui l’olandese Artifort, che ancora oggi continuano a produrre molte delle sue intramontabili creazioni. Con testi di Anne Bony e Anne-Marie Fèvre.