Cinema, televisione e radio

Darth Vader (Dart Fener) è molto più di un’icona pop: la sua figura è entrata nell’immaginario collettivo perché racconta una storia universale. Quella di un bambino che sogna la libertà, di un giovane che vuole proteggere chi ama, di un uomo che finisce per rinnegare tutto ciò in cui credeva pur di non perdere ciò che teme di più. Nel passaggio da Anakin Skywalker a Darth Vader si consuma una delle tragedie più emozionanti della fantascienza. Il volume ripercorre l’intero arco narrativo del personaggio attraverso film, serie, fumetti, videogiochi e merchandising, mostrando come la maschera, il respiro meccanico e la corazza nera siano diventati simboli potentissimi delle nostre paure contemporanee: la tecnologia che sovrasta l’uomo, la perdita dei legami, la tentazione del potere come rimedio al dolore. Con oltre 100 immagini a colori e QR code che conducono a scene e approfondimenti, Darth Vader – Anatomia di un’icona racconta la costruzione di un mito cinematografico e culturale, esplorando i suoi aspetti estetici, psicologici ed emotivi.

Prima della rivoluzione vuol essere per noi che l’abbiamo pensato, progettato, scritto col contributo di una generazione critica trasversale (di età, temperamento, idee e passioni) e così composto com’è, secondo la raccomandazione di Marco Bellocchio («Il critico deve essere un artista») e gli insegnamenti, oltreché il lascito “letterario”, di Adriano Aprà, un passo nuovo nell’approccio alla scrittura della cosiddetta “critica cinematografica”. Non semplice “recensione”, non complicato “saggio accademico”, non messaggio cifrato per iniziati alla magia del Cinema. Niente altro che “narrazione” e, possibilmente, “letteratura” cinematografica, una forma d’arte, appunto, e di aderenza intellettuale e linguistica, a quella magia, che finora è esistita soltanto in alcuni epigoni delle Nouvelle Vague francese del secolo scorso (soprattutto André Bazin, François Truffaut, ma anche Jean-Luc Godard e poi, molto dopo sulle loro orme, Olivier Assayas). Ecco, ci piacerebbe che questo volume inaugurasse una tendenza: non più “scrivere di Cinema”, ma “scrivere Cinema” tout court, così da comporre un racconto. Nel nostro caso il racconto dei “Meravigliosi” anni ’60 del cinema italiano. Interventi di Pedro Armocida, Andrea Cardarelli, Luciano De Giusti, Vittorio Giacci, Anton Giulio Mancino, Domenico Monetti, Stefania Parigi, Cristiana Paternò, Patrizia Pistagnesi, Claver Salizzato, Claudio Sestieri, Sergio Sozzo, Piero Spila.

Da incubo della ragione a specchio dell’umano: l’eterno ritorno di Frankenstein – Oltre 200 immagini a colori e QR code Nato in una notte di tempesta a Villa Diodati dal genio di Mary Shelley, Frankenstein è molto più di un mostro: è il Prometeo moderno che non smette di interrogarci. Da oltre due secoli la sua ombra si allunga sulle nostre paure, trasformando la Creatura più tragica della letteratura in un mito universale. Questo volume ripercorre l’intera evoluzione del personaggio — dalle origini letterarie del 1818 fino alla rilettura cinematografica del 2025 di Guillermo del Toro — mostrando come ogni epoca abbia riscritto sul corpo del mostro le proprie inquietudini. Un viaggio visivo e narrativo attraverso le grandi stagioni del mito: dal teatro dell'Ottocento all'iconografia classica della Universal con i bulloni di Boris Karloff, dal sangue a colori della Hammer alla parodia d'autore di Mel Brooks, fino alle incarnazioni poetiche e postmoderne di Penny Dreadful e Povere Creature!.

James Bond è stato il gold standard dei franchise cinematografici per oltre 60 anni. Questo volume accompagna il lettore in un percorso illustrato attraverso tutti i film di James Bond, da Dr. No a No Time to Die, includendo fotografie rare e inedite e documenti provenienti dagli archivi EON e MGM. JAMES BOND, 007, and related James Bond copyrights and/or trademarks authorized for use by Metro-Goldwyn-Mayer Studios Inc., exclusive licensee of London Operations LLC. © 2025 Metro-Goldwyn-Mayer Studios Inc. All Rights Reserved.

Un viaggio appassionante nella storia di Radio Proposta, la radio comunitaria che ha saputo trasformare Brugherio in un laboratorio di idee, musica e socialità. Tra incendi improvvisi, tombolate natalizie, programmi innovativi e concerti live, il racconto intreccia episodi e aneddoti di chi ha vissuto e animato la radio, dal direttore ai DJ, dai tecnici agli ascoltatori fedeli. Nelle pagine emerge il valore della comunicazione sociale, la forza delle collaborazioni, le emozioni dei grandi eventi musicali e la gioia delle semplici dediche di compleanno. Un mosaico di voci, ricordi e progetti che celebra la radio come comunità viva, pronta a reinventarsi di fronte a ogni sfida, e strumento capace di unire generazioni, raccontare il territorio e accendere passioni indimenticabili.

La storia dell’umanità è costellata di massacri. L’Europa moderna vi ha contribuito in modo decisivo, esportandoli su scala mondiale, con la conquista del resto del mondo nell’arco di oltre mezzo millennio. Ma tra le innumerevoli tragedie di cui è stata artefice, la coscienza europea si è vista lacerata in modo indelebile dall’evento della Shoah. Lo sterminio di milioni di persone, condotto in base a stereotipi legati ai fantasmi della razza o della religione, rese visibile quell’orrore che la civiltà europea aveva praticato innumerevoli volte nelle Americhe, in Africa, Asia e Oceania, e che era stato percepito nelle nazioni colonizzatrici in modo molto sfumato. L’esigenza di raccontare eventi come il genocidio degli ebrei, dei rom e dei popoli slavi, ha prodotto un cortocircuito tra l’estetica e l’etica. Come sarebbe stato possibile raccontare eventi così tragici ed estremi senza cadere nella spettacolarizzazione dell’orrore, senza tradire la memoria dei testimoni e offendere il martirio delle vittime? L’impossibilità della rappresentazione di una tragedia di tale portata, e al contempo la sua imprescindibile necessità, è l’argomento di questo libro. Molti registi hanno cercato in vario modo di assumere queste contraddizioni insanabili, e tali questioni sono presto divenute universali. Auschwitz non ha mai cessato di ripetersi. Rappresentare il male supremo è ancora un’esigenza dell’arte, mentre l’orologio dell’apocalisse avanza inesorabile.

Questo libro introduce il lettore nell'universo cinematografico di Billy Wilder, classe 1906, ebreo transfuga dalla Germania di Hitler nel 1933, rifugiatosi dapprima in Francia poi negli Stati Uniti dove scrive la sceneggiatura del film Ninotchka e dal 1942 dirige una serie di lungometraggi ritenuti capolavori della settima arte: da La fiamma del peccato a Giorni perduti, che tratta in modo diretto il tema dell'alcolismo e che gli permette di vincere i suoi primi Oscar come miglior regista e miglior sceneggiatore. Viale del tramonto, Sabrina, L'appartamento, sono film che hanno segnato con eleganza e raffinatezza stilistica il cinema del dopoguerra incontrando un successo di pubblico e di critica che non conosce ombre e di cui il libro di Giorgio Penzo racconta gli sviluppi. Un testo libro che approfondisce Billy Wilder raccontandone le anime di autore noir e di memorabili commedie, ma anche le grandi collaborazioni, tra cui quella con Marilyn Monroe (A qualcuno piace caldo, Quando la moglie è in vacanza) e quella con Jack Lemmon e Walter Matthau (Prima pagina, Buddy Buddy). Giorgio Penzo è nato a Trieste e si è laureato in filosofia con una tesi in Storia del cinema. Poliglotta e viaggiatore, ha pubblicato Orson Welles fra Quarto potere e Il processo (2015) e, con il figlio Marco Stanley Kubrick (2017). Per Falsopiano ha scritto A proposito di Ingmar Bergman 1955-1982, Akira Kurosawa. L'ultimo imperatore, Andrej Tarkovskij e L'intimismo favolistico di François Truffaut.

Cosa non è stato ancora detto sul conto di Pier Paolo Pasolini? Partendo da questa ambiziosa domanda, il volume esplora la cinematografia incompiuta del primo intellettuale transmediale della cultura italiana. E si propone come prima antologia analitica dei 32 film mai realizzati, raccolti dopo un ventennale scavo tra archivi e pubblicazioni. Alcuni sono inediti, altri "ricostruiti" a posteriori. È il caso della pellicola che Pasolini avrebbe dovuto realizzare su e con Adriano Celentano, dal titolo Il ragazzo della Via Gluck. Nel corso delle ricerche, la materia del libro si è arricchita di una nuova missione: ricostruire e ipotizzare per la prima volta la struttura dell’inedita Trilogia della Morte, di cui conosciamo il primo capitolo (Salò) e l’ultimo (il trattamento di Porno-Teo-Kolossal). Mancava all’appello un titolo, individuato “per caso” nel progetto (immaginato) su Gilles de Rais, modello quattrocentesco della figura fiabesca di Barbablù. «Nun esiste la fine», fa dire Pasolini a Ninetto nel suo ultimo film. Neanche questo volume vuole «finire». La sua aspirazione è essere confutato, demolito, superato. Perché vorrà dire che la ricerca non si è fermata.

Da simbolo del terrore atomico a divinità pop: la metamorfosi infinita di Godzilla – Oltre 200 immagini a colori e QR code Nato dalle ombre della storia e dalla paura dell’atomo, Godzilla è molto più di un mostro. Da oltre settant’anni il suo ruggito accompagna le inquietudini del mondo contemporaneo, trasformando il kaijū più famoso del cinema in un vero e proprio mito globale. Questo volume ripercorre l’intera evoluzione della creatura — dal trauma del 1954 alla rinascita del MonsterVerse — mostrando come ogni epoca abbia dato un nuovo significato al gigante della Toho. Un viaggio visivo e narrativo attraverso l’era Shōwa, l’era Heisei e l’era Millennium, fino alle interpretazioni più recenti come Shin Godzilla e Godzilla Minus One: tre grandi stagioni in cui il mostro diventa, di volta in volta, allegoria della bomba, eroe pop, simbolo della crisi tecnologica, messaggero ecologico o divinità naturale. Attraverso cinema, animazione, serie TV, videogiochi, parchi tematici e merchandising, il libro racconta l’espansione trans-mediale dell’icona Godzilla e il suo ruolo nella cultura pop mondiale.

Un libro sulle serie che ci hanno cambiato: storie che hanno riscritto il nostro modo di guardare, parlare, pensare, perfino di vivere. Seguendo un percorso ideale che attraversa le quattro stagioni dell'anno, troverete opere che più di altre sono diventate specchio della nostra realtà, linguaggio comune, riferimento culturale. Non necessariamente i titoli più celebrati o di maggior successo (anche se molti lo sono), ma mondi narrativi coerenti, con le loro atmosfere, i loro ritmi, le loro palette cromatiche e la loro estetica. Serie discusse, imitate, citate, che hanno influenzato gusti, mode, conversazioni, immaginari collettivi. Non a caso, la rassegna prende le mosse da Lost, indiscusso capostipite della serialità contemporanea. Ogni scheda, oltre a raccontare temi e personaggi della serie, apre non meno interessanti prospettive laterali: chi potrebbe amarla, i luoghi da visitare, quali sono i suoi oggetti iconici, le curiosità che pochi conoscono, le hit musicali che ne richiamano le atmosfere e anche in che direzione proseguire il viaggio dopo l'ultima puntata (altre serie, film e libri affini). 52 serie tv da vedere prima di morire è una guida sentimentale, una mappa sensoriale di vibrazioni e stati d'animo: un piccolo «Vogue» delle serie in cui Shameless convive con Black Mirror, Peaky Blinders con Dieci capodanni, Stranger Things con Una mamma per amica. Storie diversissime ma legate da un filo comune: lasciano il segno. E ora aspettano solo voi per essere scoperte, ritrovate, guardate con occhi nuovi.