Cinema, televisione e radio

Ci voleva la dimensione corale di un volume della collana A-Z per cogliere le diverse sfaccettature della vita frenetica, all'insegna di una rivoluzione continua, di Cesare Zavattini (lui che, tra l'altro, si firmava ZA): scrittore e inventore di collane di libri, umorista, giornalista e inventore di giornali, sceneggiatore di cinema e fumetti, scrittore per bambini, pittore, critico, editore, collezionista d'arte, teorico di cinema, di fotografia e letteratura, poeta e diarista, autore di teatro, regista, scopritore di talenti, creatore di iniziative culturali, di marketing pubblicitari.... Con un approccio critico innovativo, questo volume a cura di Guido Conti rilegge il suo lavoro di intellettuale all'avanguardia, radicato a Luzzara ma con una dimensione europea e mondiale, capace di influenzare le cinematografie di mezzo mondo. Amico di García Márquez, con il suo "realismo visionario" ha gettato le basi per il "realismo magico" sudamericano. Attraversando un secolo segnato da due guerre mondiali e da invenzioni tecnologiche come il cinema, la radio, la televisione in bianco e nero e a colori, il magnetofono, le nuove tecnologie di stampa, Zavattini sperimenta, innova, inventa. La sua figura sfugge a qualunque etichetta perché ne ha troppe. Testi di: Amedeo Anelli, Luisa Marinho Antunes, Roberto Barbolini, Paolo Barbaro, Giorgio Boccolari, Giorgio Casamatti, Maria Carla Cassarini, Roberto Chiesi, Guido Conti, Andrea Cortellessa, Gualtiero De Santi, Alberto Ferraboschi, Vanni Codeluppi, Michele Guerra, Cristina Jandelli, Daniela Marcheschi, Stefania Parigi, Gino Ruozzi, Lisa Sanguineti, Silvia Tomasi.

Questo libro contiene il primo e tutt’ora unico studio completo della storia degli stili cinematografici, la prima vera analisi della relazione tra stili cinematografici e tecnologie del cinema, metodi innovativi per l’analisi formale del film e una dimostrazione del loro uso, un nuovo approccio pratico alla teoria del cinema e l’applicazione di quanto elencato finora all’analisi e valutazione dei film di Max Ophuls, il tutto supportato da 183 immagini in bianco e nero e numerosi grafici, tabelle e istogrammi. Barry Salt documenta l’evoluzione della tecnologia cinematografica nel corso dei decenni, osservando i film con occhio tecnico e descrivendone i cambiamenti. La raccolta di informazioni su macchine da presa, obiettivi, luci e pellicole è vastissima, così come è corposo il repertorio di fotogrammi tratti dai film che Salt usa come esempi pratici delle diverse tecniche di illuminazione, delle inquadrature possibili o delle altre scelte a volte studiate e ragionate, altre obbligate dalle possibilità tecnologiche del periodo, che hanno lasciato un segno nella storia del cinema.

Quando la serie Kojak apparve sul canale televisivo CBS nel 1973, pubblico e critica si resero immediatamente conto che si trattava di un punto di svolta; Kojak introdusse un crudo realismo e una qualità di produzione capaci di influenzare l'intero genere poliziesco. Il tenente Theodopolous “Theo” Kojak era interpretato dall'attore greco-americano Telly Savalas, che portò nel personaggio il duro retroterra del quartiere operaio di New York in cui era cresciuto. I precedenti ruoli (in televisione e al cinema) di Savalas, un “mostro cinematografico certificato”, includevano quello di Archer Maggot, il più feroce fanatico religioso e deviato sessuale mai apparso sullo schermo, interpretato in Quella sporca dozzina di Robert Aldrich, così come una varietà di detenuti, gangster, supercriminali e altri personaggi poco raccomandabili che vanno da Al Capone a Ponzio Pilato. In questo saggio è possibile scoprire la ricca produzione televisiva dell'attore, così come la sua altrettanto copiosa filmografia votata al cinema d'azione e spesso scaturita dal cinema europeo.

"FIAT. Auto e film che hanno fatto la storia del cinema" è un viaggio dentro l’immaginario collettivo italiano e internazionale, attraverso le auto che hanno segnato intere epoche non solo su strada, ma anche sul grande e piccolo schermo. Dalla leggendaria 500 alla sportiva X1/9, passando per modelli iconici come la 124 Spider o la Dino, questo volume racconta oltre un secolo di storia industriale, sociale e cinematografica italiana, intrecciando tecnica, cultura e costume. Nessun altro marchio nazionale ha avuto una presenza così costante, capillare e riconoscibile nella filmografia e nella serialità televisiva mondiale. In queste pagine, le vetture diventano protagoniste silenziose ma memorabili di commedie, drammi, polizieschi, road movie e serie cult, incarnando l’identità di un Paese in continua trasformazione. Un libro per chi ama il cinema, le auto, la storia del design italiano o semplicemente la Fiat, la sua evoluzione e il suo fascino senza tempo. Un’opera unica nel suo genere, arricchita da immagini a colori che permettono di immergersi nella bellezza e nella storia di ogni vettura. Ma la vera innovazione è rappresentata dall’integrazione di QR code.

Le guardavamo insieme alla nonna, cominciando intanto i compiti di scuola, con la penna che affondava nel mollettone di gomma sotto la tovaglia. Le eleggevamo a bignami delle dinamiche adulte, per quanto inverosimile e stereotipata potesse essere la trama. Erano in sottofondo, nei pomeriggi a casa degli amici con la TV lasciata sempre accesa, e ne ridevamo quando improvvisamente gli attori venivano sostituiti da altri senza troppi complimenti. Eppure il patto narrativo si ricreava subito: da quel momento, il personaggio corrispondeva al nuovo volto e la storia continuava a strapparci esclamazioni di stupore e incredulità. Per i più appassionati, nell’orario di trasmissione dell’episodio si fermava tutto; scoprire che cosa sarebbe successo in Sentieri o Un posto al sole era un’emozione pregustata e irrinunciabile: era un’ora d’amore che entrava nelle case italiane con confortante regolarità. Questo libro parlerà a chi è cresciuto “a pane e telenovela”, come confessa l’autrice stessa, negli anni Ottanta e Novanta. Tuttavia non costituisce una sorta di rievocazione nostalgica: piuttosto, un percorso critico (benché affettuoso) attraverso la storia della telenovela in Italia. Dal fotoromanzo, alla radionovela, alle serie importate dall’America Latina, fino alla più articolata proposta della soap opera, per concludere con i più recenti format Disney per un pubblico giovane: il volume non solo raccoglie titoli, date, nomi di attori e attrici ma soprattutto ricostruisce l’impatto sociale e culturale di un prodotto televisivo che non ha, sostanzialmente, conosciuto un vero declino e che ha influenzato e accompagnato generazioni di persone in ogni parte del mondo. Particolarmente interessanti gli approfondimenti dedicati a tre fra gli autori più significativi (Delia Fiallo, Gilberto Braga, Enrique Torres): un retroscena forse meno noto al grande pubblico, e certo meritevole di attenzione.

Yasujirō Ozu (1903-1963), è considerato un maestro per il suo modo peculiare e geniale di saper utilizzare la macchina da presa e per la sensibilità artistica che attinge dalla tradizione filosofica e spirituale giapponese. Il cinema di Ozu narra, in modo toccante e delicato, le storie della gente comune  (Shomingeki) in cui è centrale la rappresentazione della vita familiare. La figura del padre è sicuramente in primo piano in quasi tutti i suoi film. La scelta del libro è di seguirne le definizioni e le trasformazioni lungo tutto l'arco dell'opera. Nel dopoguerra la famiglia giapponese (ie) deve confrontarsi con una realtà fortemente mutata e con il passare degli anni la crisi si acuisce fino a farne tremare le stesse fondamenta. Anche il padre “ozuiano” subisce la temperie di una modernità che scuote tutto ciò che trova sul suo passaggio ma, al contrario della sua parabola occidentale (che si conclude con il suo inesorabile declino), la sua funzione è quella di resistere, di non cedere, di non recedere. Il suo rimanere al proprio posto non è tuttavia ostinazione, chiusura mentale o cieco conservatorismo ma – attraverso un'esperienza costante di perdita e di lutto – assume una valenza autenticamente etica e spirituale. Dentro la faglia del suo dolore si inscrive profondamente il senso della trascendenza. Il padre somiglia allora sempre di più al custode di un Altrove, all'indicatore di un Oltre, al testimone fragile, vacillante, ebbro, del trascendente. Seconda edizione riveduta e corretta 2025.

Un viaggio nell’universo cinematografico del Premio Oscar Akira Kurosawa, uno dei più grandi registi della storia del cinema giapponese e mondiale. Attraverso un’analisi dettagliata delle sue opere, il saggio esplora la sua filmografia e le tematiche ricorrenti, quali l’onore, la giustizia e la condizione umana, evidenziando come Kurosawa abbia innovato la narrazione cinematografica e influenzato generazioni di cineasti. Un vero e proprio tributo appassionato e critico a un maestro del cinema, che stimola la riflessione sui temi universali delle sue opere e sul suo straordinario contributo all’arte cinematografica.

Dal loro primo incontro, avvenuto alla fine degli anni Ottanta, il giornalista Jean-Paul Chaillet ha avuto l’opportunità di osservare Eastwood al lavoro sul set di ben ventidue dei suoi film, a partire da Scommessa con la morte (1988): un privilegio assoluto che nel tempo si è trasformato in una consuetudine all’insegna dell’amicizia, dell’informalità e della confidenza, sino ad approdare ora alle pagine di questo prezioso volume. Distillando il meglio dalla mole di appunti presi nel corso degli anni, Chaillet riporta ai lettori impressioni, aneddoti e retroscena relativi ad alcuni di quei film in particolare, scelti tra i più rappresentativi e raccontati nel dettaglio: Cacciatore bianco, cuore nero, Gli spietati, Un mondo perfetto, Mystic River, Million Dollar Baby, Gran Torino, Hereafter, J. Edgar, Il corriere – The Mule, Richard Jewell, Cry Macho, incluse alcune notazioni conclusive su Giurato numero 2, uscito alla fine del 2024. Ma, naturalmente, Chaillet lascia ampio spazio alla voce del suo illustre interlocutore, riportando le numerose conversazioni avute con lui in occasione di pranzi e cene, di interviste negli uffici della Malpaso, agli studi della Warner Bros, al Mission Ranch di Carmel o in città come Atlanta, Londra, Tokyo. E stupirà più di qualche lettore scoprire come il riservato Eastwood ami raccontarsi qui con sorprendente sincerità, quando parla dei suoi inizi negli anni Cinquanta e dei suoi western preferiti, dei suoi metodi di lavoro e degli altri grandi artisti che ha conosciuto (Sergio Leone, Alfred Hitchcock, Don Siegel, William Holden, Steve McQueen…), del suo approccio alla recitazione e delle sue passioni per il jazz e il golf, dei suoi personali antidoti all’età che avanza e delle sue impressioni sulla Hollywood odierna. Alle parole di Eastwood si affiancano le testimonianze di alcune delle star che hanno lavorato con lui, come Bradley Cooper, Matt Damon, Leonardo DiCaprio, Angelina Jolie, Tom Hanks, Morgan Freeman. Ognuno di loro, a modo suo, condivide con i lettori l’amicizia, il rispetto e la gratitudine che lo legano a questo grande artefice del cinema contemporaneo.

È il 1942, e due uomini che la vita ha riunito per caso devono consegnare quattro valigie di carne di maiale di contrabbando attraversando, di notte, una Parigi occupata dai tedeschi. Basato sull'omonimo racconto di Marcel Aymé, il film diretto da Claude Autant‑Lara restituisce l'umorismo tagliente e la feroce critica sociale dello scrittore, e a suo tempo divenne rapidamente un cult consolidando la fama degli attori protagonisti, Bourvil e Jean Gabin. Il critico cinematografico Jean-Max Méjean ricostruisce la genesi del progetto, analizza passo passo le avventure dei due protagonisti e fornisce un quadro esaustivo della distribuzione del film e delle polemiche suscitate dalla sua uscita nel 1956.

L’adattamento cinematografico non esiste: questa la tesi che l’autrice, attraverso una quantità di solide, ragionate, dilettevoli argomentazioni, dimostra conducendo nel demi-monde della trasfigurazione di un’opera letteraria in un film, popolato da oscuri personaggi come lo Scrittore, lo Sceneggiatore, il Regista, il Produttore e, ultimo ma non ultimo, chi invece ne accoglie il risultato con maggiore o minore soddisfazione: lo Spettatore. Dopo una doverosa, breve e rapida storia di questa pratica, antica quanto il cinema, e dei suoi teorici, si viene sospinti all’inseguimento dell’orchidea fantasma di Adaptation di Spike Jonze e per i macabri meandri delle varie versioni filmate del romanzo Shining di Stephen King, a partire da quella più celebre di Stanley Kubrick, senza dimenticare, ça va sans dire, il ruolo, segreto ma essenziale, del costume cinematografico.

In 70 anni di attività, Eastwood ha interpretato oltre 60 film e ne ha diretti più di 40, conquistando, insieme a cinque Oscar, il crescente riconoscimento da parte di pubblico e critica internazionali. Una carriera, la sua, che per autorevolezza, versatilità e longevità artistica ha smesso da tempo di essere solo una rarità del glorioso pantheon hollywoodiano per diventare un suo originale e prezioso “pezzo unico”. Questo volume si cimenta nel tentativo di ripercorrere il ricchissimo contributo di Eastwood al cinema mondiale attraverso un approfondito saggio introduttivo, una dettagliata biografia e, soprattutto, un’ampia sezione filmografica che prende le mosse dalla prima apparizione dello sconosciuto attore (La vendetta del mostro, 1955) e approda all’ultima fatica del celebrato regista (Giurato numero 2, 2024). Per ogni film, oltre ai dati tecnici, al soggetto e a brevi note illustrative, trovano ampio spazio le recensioni che a suo tempo hanno accompagnato l’uscita nelle sale cinematografiche: una rassegna che di anno in anno, di pellicola in pellicola, testimonia l’evoluzione del lavoro eastwoodiano anche sotto il profilo della sua accoglienza internazionale.