Musica

"Vasco live duemilaventicinque" è il nuovo libro ufficiale che racconta per immagini, testi e video, la nuova “avventura live” della straordinaria storia di Vasco. Nel libro ogni concerto è un capitolo a formare un unico racconto on the road in molte tappe, dalle prove a Castellaneta Marina (TA), al soundcheck più data zero a Bibione (VE), ai concerti di Torino, Firenze, Bologna, Napoli, Messina e Roma, tutti sold out, per (ri)vivere le emozioni di ogni concerto, di tutti i backstage e tanto altro ancora. Tutte le immagini sono scattate dai fotografi storici e ufficiali di Vasco. Insieme alle immagini una raccolta di testi, in parte inediti, scritti da Vasco come diario dall'inizio del tour. In ogni capitolo è presente un QR Code che consente di accedere a oltre un'ora filmati dei concerti, dei viaggi, delle prove, dei backstage, della riunione con la band prima di salire sul palco e tanto altro, con un solo protagonista: Vasco.

Nella vastissima bibliografia verdiana, mancava un'analisi completa delle sue opere registrate a partire dall'introduzione della tecnica di ripresa elettrica nel 1925. Diversi studi critici ne hanno fatto cenno negli scorsi decenni, ma dall'interno di rassegne onnicomprensive relative al melodramma registrato. La prima parte di questo studio, Il canone in disco, si pone il problema di mettere in evidenza il diagramma di quello che, a partire da metà Novecento, è stato il Rinascimento verdiano consegnato al disco soprattutto nel periodo d'oro delle grandi realizzazioni discografiche. Nel saggio La contemplazione del vero, viene invece sviluppata un'indagine sulle strategie del teatro musicale verdiano. Verdi fece infatti dell'orchestra l'espressione plastica di quanto i personaggi sulla scena avvertivano inconsciamente. Spesso trattato con la sufficienza che si riserva ai monumenti nazionali, Verdi si rivela acuto conoscitore dei Romantici tedeschi, i Francesi dell'Opéra comique e di quella civiltà capace, negli antichi polifonisti, di sospendere il tempo e far sì che il compositore facesse, di lui, ciò che lo scultore fa della pietra. Questa analisi capillare, condotta ignorando le convenzioni vigenti, è un atto dovuto al genio più malinteso, nella storia del teatro musicale.

Il volume con cui Adriano Mazzoletti completa la sua ambiziosa e monumentale opera sul jazz in Italia, un lavoro che, nei suoi tre volumi per complessivi cinque tomi, non ha eguali in alcun paese e in alcuna tradizione jazzistica mondiale. Questa terza parte riprende il filo narrativo là dove la precedente lo aveva lasciato, e cioè gli anni Sessanta, per portarlo fino ai giorni nostri. Mazzoletti offre al lettore uno sguardo d’insieme su sei decenni di storia, riuscendo tuttavia a illustrare la posizione e il percorso di ciascuno dei principali personaggi coinvolti; una storia che comprende gli americani e gli europei che sono venuti in Italia, le imprese dei nostri musicisti all’estero, i festival, la stampa, la radio e la tv italiane in rapporto al jazz, oltre a una mole sterminata di materiale documentario: nomi e titoli, luoghi e date, dischi e nastri, concerti e rassegne. Il volume si chiude documentando quanto ha fatto per il jazz italiano e continentale l’Unione Europea di Radiodiffusione: una vicenda di grande importanza raccontata qui per la prima volta.

Un omaggio a un artista che ha attraversato generi e identità trasformando la musica in una forma d’arte totale. “David Bowie. Forever and ever“ non è una semplice biografia di David Bowie, ma un viaggio poetico che ripercorre il suo intero percorso creativo e umano: da Ziggy Stardust al Duca Bianco per arrivare infine al suo ultimo capolavoro “Blackstar” (un vero e proprio testamento artistico e spirituale), questo libro attraversa musica, teatro, cinema e moda alla scoperta di un’artista che ha saputo reinventarsi continuamente. Il volume perfetto per conoscere più da vicino il performer e l’uomo, ma anche la profonda impronta che è riuscito a lasciare sulla cultura contemporanea.

Massimo Mila lo definiva così: «È la curiosità dei “margini” ed è, sopratutto, il merito – mai abbastanza lodato – di puntare tutto sulla programmazione anziché sull’esibizionismo degli esecutori». «L’idea originale e vincente di Antidogma fu quella di non porsi come una società di concerti o un semplice festival, ma come una specie di club musicale aperto a tutte le proposte creative e interpretative capaci di arricchire la vita musicale» (Enzo Restagno)

Un progetto di collaborazione fra Dallapiccola e Matisse per un balletto sulla figura mitologica di Diana si interrompe misteriosamente durante il secondo conflitto mondiale. Potevano integrarsi due poetiche apparentemente così diverse? «L’autrice trae le fila delle congetture poste in atto. Ma non ne sveliamo nulla, lasciando che sia il lettore a sorprendersi per l’abile lucidità delle conclusioni: al termine di un vero e proprio itinerario dell’anima, dai risvolti per lo più cosmici». (dalla prefazione Attilio Piovano)

Claudio Dina con questo libro multimediale invita alla riflessione sulle tematiche ambientali partendo da ricerche etnomusicologiche per elaborare composizioni musicali originali supportate da video. Quattro punti della superficie terrestre, per imparare a orientarsi fra nuovi orizzonti e nuovi paesaggi (naturali, sociali, musicali). I punti di riferimento svelano unicità culturali e musicali legate alle popolazioni che vi abitano, ma anche ambientali, significative per via degli impatti dell’Antropocene. Il QRCode all’interno del libro rimanda il lettore all’ascolto e visione delle quattro composizioni musicali.

"Clavicembalo. Storia e organologia" di Riccardo Viagrande è un ampio studio dedicato alla storia e alla costruzione degli strumenti a tastiera a corde pizzicate — in primo luogo il clavicembalo, ma anche virginali, spinette e clavicordi. Il volume ripercorre l’evoluzione organologica e stilistica di questi strumenti dal XV al XIX secolo, attraverso le principali scuole nazionali (italiana, fiamminga, francese, tedesca, inglese e iberica), evidenziando differenze costruttive, materiali, proporzioni e caratteristiche sonore. Ampio spazio è dedicato alle dinastie di liutai e cembalari — dai Ruckers e Couchet nelle Fiandre ai Blanchet e Taskin in Francia, fino ai maestri italiani come Grimaldi, Giusti e Mietke — e all’evoluzione delle tipologie, dai primi eschiquier ai modelli settecenteschi. Pensato come strumento di consultazione e sintesi didattica per studenti di conservatorio e corsi di organologia, il libro unisce rigore storico e chiarezza espositiva, offrendo una panoramica completa su uno dei capitoli più affascinanti della storia della liuteria europea.

Chitarre Ramírez: la storia è un racconto appassionato e documentato della più celebre dinastia di liutai spagnoli. Attraverso le parole di José Ramírez III, e le testimonianze di Amalia e Cristina Ramírez, il volume ripercorre oltre 140 anni di tradizione artigianale, tra innovazioni tecniche, amore per la musica e memoria familiare. Il lettore viene guidato dentro il laboratorio Ramírez di Madrid, cuore pulsante della liuteria spagnola, dove prendono forma strumenti unici per timbro e personalità, amati da generazioni di chitarristi, da Andrés Segovia a Serranito. Tra aneddoti, approfondimenti tecnici (sui legni, la vernice, il diapason, la chitarra a dieci corde e quella flamenca) e riflessioni sul mestiere, il libro intreccia storia, arte e umanità, restituendo il ritratto di una famiglia che ha fatto della chitarra una missione di vita e un simbolo della cultura musicale spagnola.

Il clarinetto virtuoso (The Virtuoso Clarinet) di Aldo Botta è un metodo tecnico avanzato per clarinetto che unisce rigore meccanico, chiarezza didattica e flessibilità d’uso. Frutto di una lunga esperienza d’insegnamento nei licei musicali e nei conservatori, il volume propone un percorso progressivo di esercizi diatonici e cromatici suddivisi in sei sezioni ciascuno, concepiti per sviluppare in modo funzionale coordinazione, controllo dell’aria, articolazione, intonazione e pensiero musicale. L’obiettivo è razionalizzare lo studio tecnico senza rinunciare alla musicalità, offrendo varianti ritmiche, suggerimenti metronomici e strategie di programmazione quotidiana. Rivolto a studenti di livello intermedio e avanzato, docenti e professionisti, il metodo costituisce un compagno di lavoro essenziale per il perfezionamento della tecnica strumentale e della consapevolezza sonora. La prefazione di Calogero Palermo, primo clarinetto della Tonhalle-Orchester Zürich, ne sottolinea la struttura organica e la fluidità degli esercizi, riconoscendolo come un contributo didattico di riferimento per la scuola clarinettistica contemporanea.

Eccita l'animo, muove gli affetti, mitiga e accheta la furia, fa passare il tempo virtuosamente". Vincenzo Galilei, la nuova musica e l'armonia della scoperta, vuole richiamare un tempo in cui la musica si discosta dal virtuosismo tecnico e parla all'anima, delineando una nuova forma di conoscenza e fruizione musicale capace di toccare la mente e il cuore, di educare alla misura e alla sensibilità. Al contempo sintetizza efficacemente quella concezione affettivo-espressiva della musica che Vincenzo Galilei ha contribuito in modo determinante a elaborare, volta a diffondere e praticare attraverso i trattati teorici e i suoi esperimenti monodici documentati nei manoscritti e nelle sue altre opere, la dimensione euristica, sperimentale, innovativa che caratterizzò l'intera parabola intellettuale galileiana e che oggi, anche grazie alle ricerche e alle analisi bibliometriche, ci restituisce uno scenario che apre a nuove interpretazioni e piste di indagine.