Fotografia e fotografi

La prima monografia su Martha Rocher (1920-1990), fotografa viennese trasferitasi a Parigi negli anni cinquanta, poi a Milano nei primi anni sessanta, la cui fisionomia riconosciamo in alcuni scatti privati e negli autoritratti allo specchio. Due decenni di cui la fotografa documenta il fervore del panorama artistico e culturale, come attestano i oltre duecentocinquanta scatti inediti in bianco e nero relativi a questa fase della sua carriera presenti nel volume, selezionati tra le oltre milleseicento stampe conservate nel suo archivio privato. Le immagini rivelano una sorprendente interprete della Parigi degli anni cinquanta e della Milano degli anni sessanta, che ha frequentato realtà vivacissime, al centro della scena dell'arte sperimentale, come la galleria di Iris Clert a Parigi o Il Cavallino di Venezia, e importanti rassegne d'arte come Exposition inteRnatiOnale du Surréalisme E.R.O.S. alla Galerie Daniel Cordier nel 1959, o le edizioni del 1956 e del 1962 della Biennale di Venezia. Rocher è apprezzata da alcuni tra gli artisti più innovativi del secondo Novecento, fra i quali Yves Klein, Jean Tinguely, Hundertwasser, Takis e, tra gli italiani, Emilio Vedova, Gianni Dova, Roberto Crippa, Lucio Del Pezzo. La fotografa li ritrae al lavoro o nei loro atelier, e realizza alcuni scatti emblematici come quelli di Yves Klein, nel suo studio, vestito da judoka o in posa davanti alle sue Antropometrie. Ritrae anche alcuni dei maggiori esponenti delle Avanguardie: Sonia Terk Delaunay, Meret Oppenheim (e la famosa performance Le diner sur la femme nue, 1959), Alberto Giacometti, André Breton, Oskar Kokoschka, Kees van Dongen. I saggi di Elsa Genovesi e Raffaella Perna, illustrati con una selezione di cataloghi e materiali a stampa che documentano la circolazione pubblica delle fotografie, allargano lo sguardo a una ricostruzione più ampia del clima artistico di quegli anni, mentre il testo di Alessandro Nigro approfondisce gli echi e le persistenze del Surrealismo nella poetica di Martha Rocher. Chiude il volume un ricordo biografico di Matteo Motolese.

"Una volta, in una serata dove si parlava di un mio saggio d'architettura, qualcuno dal pubblico disse che avrei dovuto arricchirlo con delle fotografie. Io, cercando una battuta facile, replicai che non avrei mai potuto pubblicare un libro illustrato se le foto non fossero state di Gabriele Basilico. Poi conclusi, per strappare l'applauso: 'Solo che mi costerebbe troppo e allora ci ho rinunciato'. A fine serata Gabriele mi si avvicinò: 'Perché non me le hai chieste? Te le avrei date volentieri'. Mi sentii un cretino." (Gianni Biondillo)

Jacques Henri Lartigue (1894-1986) e André Kertész (1894-1985) sono nati nello stesso anno e le loro vite hanno attraversato gran parte del Novecento. Avrebbero potuto incontrarsi a Parigi nel periodo tra le due guerre, invece si sono conosciuti solo nel 1973 a New York. Né Lartigue né Kertész hanno mai scelto la via più diretta per il successo. Le rispettive mostre al Museum of Modern Art di New York nel 1963 e nel 1964 hanno rappresentato per entrambi una svolta decisiva: l’inizio di un riconoscimento internazionale e istituzionale per Lartigue e per Kertész la riscoperta del suo lavoro dopo due decenni di relativa oscurità. I due eventi hanno inoltre legato saldamente la pratica di entrambi alla prima metà del Novecento, consacrandoli come i precursori della modernità visiva: Lartigue fu definito “dilettante primitivo”, Kertész fu celebrato come l’“inventore del fotogiornalismo”. Se Lartigue è considerato un maestro dell’istantanea, Kertész lo è di una fotografia più meditativa. Due personalità dallo spirito indipendente, hanno costruito la loro carriera in assoluta libertà, lontano dai grandi movimenti artistici, e a partire dagli anni settanta sono stati percepiti come modelli senza aver mai fondato alcuna scuola. Presentare le loro fotografie in parallelo non soltanto rivela le affinità e le divergenze di vita e di visione, ma consente di mettere in luce la loro reale complementarità nella storia della fotografia.

Il progetto Insulae Aqua, è un elogio dell’isola, come dimensione fondante del nostro stare al mondo. Isola – dal latino insŭla – è una terra interamente circondata dall'acqua, che ne definisce un territorio distintamente delimitato e poco accessibile dall’esterno, in cui l’esperienza fisica dell’isolamento si unisce a quella lirica di uno sguardo sempre teso verso l’infinito. Nella sua dimensione metafisica e introspettiva, l’isola è immagine, simbolo, sogno e metafora del nostro vivere contemporaneo. Insulae Aqua è un’indagine fotografica in ascolto del territorio e della comunità che abita la piccola e incontaminata isola di Linosa, luogo affascinante e magnetico dalle peculiarità paesaggistiche, geografiche e naturalistiche uniche, trionfo di complessità ambientale, biologica e vitale. La narrazione dell’isola più remota e isolata d’Italia attraverso gli scatti di Gianni Berengo Gardin e Filippo Romano.

Una raccolta di fotografie che diventano componimenti poetici, per esprimere l'esperienza della scoperta del paesaggio della provincia di Novara, ma non solo, negli ultimi dieci anni, con un occhio attento all'architettura e alla relazione tra l'essere umano, la sua ricerca continua del sé e i luoghi che vive. Attraverso la macchina fotografica si mette in atto una fuga quasi quotidiana dalla realtà: un processo di rilettura dei luoghi orizzontali che diventano paesaggi verticali dell'anima.

New York State of Mind è un viaggio visivo e narrativo che esplora la vibrante complessità di una delle città più iconiche del mondo. Noris Cocci cattura l’essenza autentica di New York, rivelando una città in cui si mescolano cultura, caos e poesia, in un mosaico di esperienze umane. Dai quartieri multietnici di Brooklyn ai suggestivi scorci del Queens, l’artista svela la bellezza nei momenti quotidiani, lontano dagli stereotipi e dalle rappresentazioni grandiose. Attraverso un gioco evocativo di luce e ombra, le immagini di Cocci sfumano i confini tra realtà e immaginazione, offrendo un invito a riflettere sulla connessione tra i paesaggi esterni e quelli interiori. Ogni scatto è arricchito dai testi di Angelo Raffaele Turetta, maestro della fotografia cinematografica, e Rosamund Brennan, acuta critica d’arte, che aggiungono profondità e prospettive uniche su questa metropoli senza tempo. New York State of Mind non è solo un tributo visivo, ma un’esplorazione dell’ordinario trasformato in straordinario, un ponte tra percezione e realtà che invita il lettore a scoprire la bellezza che risiede in ogni istante.

Nicola Curzio fu anche fotografo. Insieme a Francesco De Napoli, Elisabetta Campobasso e Serena Sasanelli, fondò l’Associazione fotografica “Camera Chiara” e dedicò molto tempo allo studio teorico e pratico della fotografia. Si appassionò al lavoro pionieristico di Alfred Stieglitz che aveva portato al riconoscimento della fotografia come arte autonoma. Lesse i testi di Benjamin, Barthes, Newhall, Rosalind Krauss, Susan Sontag, e molti altri; frequentò mostre, e fotografò tanto, stampando anche personalmente nella sua camera oscura. In seguito, durante gli anni londinesi, organizzò mostre di grandi fotografi all’Istituto italiano di cultura di Belgrave Square e passò giornate per lui indimenticabili con quello che considerava uno dei più grandi fotografi in assoluto, Josef Koudelka. Presentiamo una selezione delle sue foto scattate in Puglia, a Londra, Parigi (2008) e nei lunghi viaggi a Cuba (2009) e in Perù (2010). Alle foto sono accostate frasi tratte dal suo libro Prima che tutto torni buio. Scritti di cinema, Laterza, 2022.