Musica

Un affascinante viaggio lungo la storia dell’umanità, Claudio Casini ci guida alla scoperta delle tappe decisive attraverso le quali la musica ha cambiato di volta in volta forma, sostanza e ruolo. In origine ancella anonima ma necessaria della parola, la musica ha guadagnato autonomia per svilupparsi ed evolvere in un caleidoscopio di generi e di personalità. Dalla sua funzione nella società greca, al canto gregoriano, dai madrigali del Rinascimento all’epoca barocca, dalla nascita dell’opera allo stile classico, al romanticismo, alle nuove strade percorse nel secolo scorso, l’autore illumina in modo magistrale gli autori e le zone fondamentali di passaggio, svelando la vita che esiste oltre i pentagrammi. Per la prima volta in unico volume e aggiornata con una postfazione dedicata alla contemporaneità, questa raccolta di avvincenti racconti di avventura legge la musica come un’arte capace di esprimere le nostre passioni, anche le più segrete, e di farsi testimone della nostra vita sociale e delle sue trasformazioni.

La composizione per Organo "Jeux des Jeux" di Rino Rizzato è stata scritta nel 1997, in coincidenza con la costruzione del nuovo Organo "Mascioni" della Chiesa "Santa Maria Assunta" di Padova-Chiesanuova. È stata presentata, dallo stesso autore, in prima esecuzione assoluta, nel concerto d'inaugurazione dello strumento, tenutosi il 21 Novembre dello stesso anno 1997. La titolazione "Jeux des Jeux", in italiano "Giochi dei Giochi", dal non consueto uso nella nostra lingua, ha voluto riferirsi al multiplo significato francese di "Jeux" (giochi), utilizzato anche per denominare i registri dell'Organo col termine "Jeux". Di conseguenza l'autore intende la traduzione come "Giochi dei Registri"; ossia presentazione dei Registri. Difatti la composizione vuole far conoscere i timbri del nuovo Organo, tramite delle sezioni singolarmente dedicate, o parti per più registri, fino al Tutti dello strumento. Il linguaggio musicale si svolge sull'alternanza di due elementi tematici. Il primo contempla la successione ascendente dei dodici intervalli di Quinta, ad omaggio del particolare utilizzo di quest'intervallo armonico nei Registri dell'Organo, come: il Ripieno, la Sesquialtera, il Cornetto ed altri.

Questo libro non è un saggio sulla dialettica tra musica e letteratura, bensì il frutto di un accurato lavoro di ricerca, studio e composizione. I due autori offrono un vademecum per orientarsi negli incroci tra le due arti, focalizzando l’attenzione su alcuni dei momenti d’incontro più significativi all’interno del vasto panorama del pop italiano. Da De André a Caparezza, da Battiato al Perigeo, passando per Dalla, Conte, De Gregori, Guccini e molti altri, scopriremo pagina dopo pagina, il dialogo – a volte esplicito ed esibito altre ellittico e segreto – che unisce i capolavori della storia della letteratura alle opere dei tanti artisti che hanno avuto l’intelligenza e l’umiltà di usare l’ispirazione altrui per nutrire la propria

Il percorso del presente testo nasce dall'esigenza di avere un metodo per chitarra moderna attuale e fresco. Il manuale è strutturato espressamente sull'organizzazione curriculare dei licei musicali, ma grazie alla flessibilità di impostazione e all'abbondanza e alla varietà del materiale è ottimale anche per i corsi pre-accademici dei Conservatori e per le accademie, nonché per gli autodidatti. Il metodo, che si caratterizza per gradualità, completezza, flessibilità e modernità, è pensato per sviluppare le competenze descritte nelle Indicazioni Nazionali per il Liceo Musicale. In questo testo: impostazione e tecnica, lettura ritmica applicata, conoscenza della tastiera, scale e arpeggi, tecnica solista & fraseggi, studi & assoli, accordi & strumming, styling e repertorio, ear-training, storia e cultura chitarristica, unità di ripasso, compendio di accordi ed elementi di teoria musicale.

Questo metodo è rivolto a tutti i giovani pianisti - tastieristi che amano la musica moderna: leggera, jazz, rock ecc.; vengono affrontati in modo chiaro ed efficace i principali aspetti della moderna tecnica pianistica, e cioè gli accordi, le scale e gli arpeggi. Gli accordi vengono proposti in tutte le posizioni principali in modo progressivo e di facile apprendimento, fino allo studio dei giri armonici più complessi. L'autore ha svolto un approfondito lavoro di ricerca per trovare le progressioni armoniche più belle, più funzionali ed interessanti, oltre ad un innovativo lavoro sulle scale ritmiche. Il capitolo riguardante le scale, propone oltre alle scale maggiori e minori, uno studio sulle scale blues e pentatoniche; vengono poi proposte le scale modali, e tutte quelle scale particolari sui diversi accordi utilizzate dai jazzisti per l'improvvisazione.

La conoscenza della teoria, base della struttura della musica, consente di incamminarsi sicuri lungo i sentieri di quest'arte. In passato, numerosi testi sono stati prodotti sull'argomento, alcuni veramente di notevole livello, e ancora oggi nascono nuove, spesso interessanti, pubblicazioni. Quindi, perché incamminarsi lungo un sentiero già da altri percorso? L'esperienza mi ha insegnato che non esiste un unico approccio alla materia. L'idea di suggerire una strada diversa, peculiare, nell'accostarsi ai singoli argomenti (ad es. alla trattazione dei gruppi irregolari, alle metodologie di classificazione degli intervalli, ecc.), mi ha convinto del fatto che questo testo rappresenti un arricchimento, poiché propone nuovi punti di vista e sistematizza la trattazione di alcuni argomenti, tenendo conto anche delle nuove frontiere aperte dalla riforma dei conservatori e dallo sviluppo dei licei musicali. Il libro è corredato di una estensione online, consultabile tramite link o QR code, contenente le risposte a una corposa serie di quesiti sugli argomenti trattati, posta in appendice al testo.

Nessun gruppo come i Germs ha mai meritato di essere davvero definito «maledetto». E nessun libro come Lexicon Devil è mai stato scritto per fare spazio alla storia di una band che non si è limitata a solcare le torbide acque del primo punk californiano né, come ci si potrebbe aspettare da un gruppo qualsiasi, a salire su un palco imbracciando basso, chitarra e batteria. Per queste ragioni parlare dei Germs equivale ad addentrarsi in una regione sconosciuta, un luogo dove convivono sessualità e manipolazione mentale, sarcasmo micidiale e droghe di ogni tipo, culti sconosciuti e inquietanti allucinazioni. Pagina dopo pagina, insieme a un massiccio – e inedito! – apparato fotografico, la vita breve ma intensa dei Germs torna a urlare le sue ragioni insieme a surfisti, senza tetto, ladri matricolati, skinhead, ninfette, artisti degli underground più sotterranei che si possa immaginare e ragazzini masochisti folgorati dalla luce del punk.

Pubblicato per la prima volta nel 1998, quando ormai i CSI diventavano noti al grande pubblico affacciandosi alle classifiche radiofoniche, il Libretto Rozzo diventa in brevissimo tempo un oggetto di culto, e come ogni oggetto di culto scompare dalle librerie. Oggi, a quarant'anni di distanza dalla fondazione nel 1982 a Berlino del gruppo punk più irregolare d'Italia, questa nuova edizione lo toglie dalla clandestinità — probabilmente controvoglia. Il Libretto Rozzo è racconto, confessione, sistemazione di tutti i testi dei CCCP e dei CSI, assemblati non per cronologia o apparizione discografica ma per grandi temi e idee, cuciti fra loro da meditate riflessioni di Giovanni Lindo Ferretti e Massimo Zamboni, che arricchiscono il volume con dei commenti inediti. Affollato di fantasie socialiste e perizie psichiatriche nazional-popolari, Punk Islam e Sufi, geografia di Gobi, Finistère e Via Emilia, il Libretto Rozzo ci consente di ripercorrere a ritroso le inquietudini di una generazione che non sembrano poi tanto lontane dalle nostre, come se il muro di Berlino non fosse mai caduto.

Le ultime opere di Mahler come congedo di un grande compositore dalla poetica del Romanticismo e come primo passo della musica sinfonica nella modernità del Novecento. La musica di Gustav Mahler gode di una popolarità senza paragoni nel mondo della musica classica primo novecentesca; alla sua estetica è spesso legata l'idea della fine di un'epoca, dell'estrema malinconia per un mondo in dissoluzione. Nel caso delle ultime Sinfonie, a questo carattere si aggiunge la deformazione che spesso è applicata alle opere estreme degli artisti scomparsi prematuramente, e cioè quella del presagio. Eppure, l'ascolto attento e scevro da pregiudizi delle ultime sinfonie di Mahler dimostra una straordinaria forza creativa, una volontà innovatrice e una ricerca sonora che poco si concilia con queste idee di caducità e di morte. Ciò che, in questo denso e rivoluzionario saggio, Ernesto Napolitano dimostra, è che sotteso alla musica di Mahler, specialmente a partire dalla Settima, sussiste, sì, un commiato, ma di tutt'altro tenore e di tutt'altra importanza artistica.

Questo libro è dedicato all’analisi degli spettacoli di teatro canzone della coppia Gaber-Luporini negli anni Settanta. L’approccio è duplice: da un lato le relazioni di questo teatro musicale con il contesto storico, sociale, culturale, artistico e politico di quel periodo; dall’altro lo studio della struttura di ogni singolo spettacolo. Il prologo, dopo aver ripercorso il cammino storico e artistico che ha portato il cantante e presentatore televisivo Giorgio Gaber a scegliere la via di un teatro musicale, analizza i contenuti dei primi tre spettacoli, “Il Signor G” (1970-1972), “Dialogo fra un impegnato e un non so” (1972-1973), “Far finta di essere sani” (1973-1974). I tre capitoli centrali, più approfonditi, sono consacrati allo studio dei testi e delle strutture formali degli altri tre spettacoli degli anni Settanta: “Anche per oggi non si vola” (1974-1976), “Libertà obbligatoria” (1976-1978) e “Polli d’allevamento” (1978-1979). L’epilogo si sofferma sulle continuità e sulle rotture del primo spettacolo degli anni Ottanta, “Anni affollati” (1981-1982), con le tematiche e le forme musicali e teatrali del decennio precedente. Il teatro canzone degli anni Settanta è stato anche l’incontro con un certo pubblico, quello dei ragazzi del 68. È per loro che Gaber e Luporini scrivono, soprattutto a partire dal 1973. Nasce in quel momento fra gli autori e questa generazione un rapporto fatto di empatia, identificazione ed entusiasmo e anche di una buona dose di critica, soprattutto da parte dei primi. Non è un teatro militante ma è pur sempre un teatro di comunicazione, di intervento forte e critico. Un teatro che agisce non tanto sulla realtà sociale e politica quanto sulla coscienza di ognuno.

Quando si parla di Nick Drake, tutto sembra avvolto dal mistero. Della sua vita si hanno pochi dati certi e il suo boom di popolarità, avvenuto molti anni dopo la sua morte, pare più l’intervento di un deus ex machina che il risultato di una campagna di marketing. Eppure Nick Drake non è un autore astratto dal tempo; anzi, non lo è mai stato. In questo libro si unisce la musicologia alla storia e alla ricerca sociale, approfondendo non solo la vita e la musica di Nick Drake, ma anche il suo lascito culturale e il suo successo commerciale. Vengono indagati elementi tipici degli anni Sessanta e Settanta, quali la scena musicale londinese, la sessualità e la controcultura, ma anche la decolonizzazione, la vita nelle scuole inglesi durante gli anni Cinquanta, fino alla ricezione sociale della depressione nell’Inghilterra di Nick Drake; il tutto per scoprire come la sua vita, la società in cui viveva e la musica del cantautore interagissero tra di loro. Nella seconda parte del libro, invece, si studiano gli strumenti di diffusione musicale che hanno permesso al “fenomeno Drake” di farsi largo, a trent’anni dalla morte, nel music business del terzo millennio. In questa parte del libro ci si sofferma sull’evoluzione degli strumenti di produzione, i nuovi media come veicolo musicale e il difficile rapporto con il pubblico, con le frange più estremiste in cerca di musica “sincera” e una platea legata alle nuove generazioni, in cerca di artisti in grado di dar voce alle proprie emozioni.

Realizzato con la banda di Crombie Media, Garageland è un trimestrale dedicato al mondo delle sottoculture: suoni & visioni che raccontano dall'interno e con un ricco apparato iconografico i culti derivanti dalla comune matrice rock. Nel primo numero di Garageland: "Sotto la lanterna di Genova: intervista con Fabrizio Barile"; "Il ribelle della collina: intervista con Valerio Lazzaretti"; speciale Romper Stomper: la strana rilevanza di un bonehead movie; Dalla blackness alla darkness attraverso il pop; Gli skinhead conquistano la Luna; Culti giovanili: un confronto tra l'Italia e il luogo in cui sono nati, tra ieri e oggi; I Redskin di Berlino Ovest; Zoot Riots... e tanto altro.